invasión “escultórica”

Para esta versión del proyecto escultórico de Münster, se han presentado varias propuestas que abordan la privatización creciente del espacio público a través de eventos de arte urbano promovidos desde el Estado y la empresa privada.

Una de ellas es Trickle down (el embuste) del artista Andreas Siekmann, quien protesta airadamente ante la invasión de esculturas de poliéster –generalmente en forma de animales– que se han tomado parques, plazas y calles en Alemania desde 1998.

Para realizar su pieza, Siekmann adquirió un conjunto de estas esculturas -que se supone, simbolizan la ciudad o provincia donde se presentan- y las pasó por un triturador para posteriormente elaborar una esfera donde se asoman patas de caballos, antenas de mariposas, cuernos de rinocerontes, garras de osos, cabezas y fragmentos diversos de vacas, leones, gatos y castores.


Como parte su propuesta escultórica, el artista devela -en una serie de carteles pegados en un muro del mismo lugar- un complejo entramado de entidades financieras, de mercadeo y “sin ánimo de lucro” que mueven cientos de millones de euros a través de desfiles, galas y subastas de estas figuras de poliéster.

Así mismo, elaboró un glosario donde señala nombres de compañias, estrategias de mercadeo, flujos de dinero, y entidades reales y fantasmas que sostienen esta invasión escultórica que está privatizando el espacio público.

para leer el glosario, pulse aquí.

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Jaime Iregui


caballitos del apocalipsis

Nada que hacer, cada vez son más asustadores los resultados de esta iniciativa de Corazón Verde. Ya hasta en El Malpensante y Semana han recibido fuertes críticas. Para rematar El Tiempo les tira tomates desde El Paredón.

Mery Boom


detour


Ciclo de conferencias sobre Documenta 12, MDE07, Münster07 y Bienal de Venecia

En un principio, el recorrido (tour) de una exposición se debía hacer de modo disciplinado, es decir, leyendo el guión expositivo tal y como lo proponía el museógrafo o el curador. Actualmente ni la exposición presenta un modo único de ser recorrida, ni se piensa que quien la recorre es un lector pasivo del texto curatorial.

El modo de recorrer una exposición es también un lugar de producción (detour), en la medida en que se generan apropiaciones y modos de relación que son específicos de un observador que reinterpreta, redefine y transforma las imágenes y símbolos que conforman la exposición como espacio de representación.

Detour presenta seis recorridos por exposiciones como Documenta 12, la Bienal de Venecia y Münster07, donde se ponen en relación prácticas curatoriales y constelaciones de obras, con curadurías y situaciones del contexto local como el Encuentro Internacional de Medellín.

En este sentido, la exposición es un espacio que se produce tanto desde el lugar que se concibe (museología, curaduría), como desde la imagen que se tiene de ella (qué representa, qué discurso la sustenta) y, claro está, la forma en que la recorremos críticamente (interpretación, traducción y relación con el contexto local)

¿Son necesarios estos macro eventos? ¿En qué consisten sus planteamientos curatoriales? ¿Qué tipo de correspondencias se pueden dar entre las obras? ¿Se producirá un detour hacia propuestas expositivas más apropiadas para lo que es la percepción de una serie abarcable de obras o de ideas?



Lunes 27 de agosto

El formato de las Grandes Exposiciones. Mariangela Méndez

Derivas por Documenta 12 y Munster07. Jaime Iregui


Lunes 3 de septiembre

Recorrido por la Bienal de Venecia. Mario Opazo

El turismo, el museo de arte contemporáneo y el circo. Carlos Salazar


Lunes 10 de septiembre

El Congreso. Lucas Ospina

A partir de MDE07. Bernardo Ortiz.


Inscripciones:

Asistir a este ciclo de conferencias no tiene costo, pero debido a que el cupo es limitado (40) debe inscribirse enviando su nombre y número de cédula al siguiente correo electrónico: areadeproyectos@uniandes.edu.co


Lugar:

Salón R 209, Universidad de los Andes


Hora:

6:00 pm


the nation

Les presento el video musical “The Nation”, uno de los productos de creación colectiva para los 12 Salones Regionales de Artistas. “The nation: naturalezainvisible” es un trabajo de investigación audiovisual que indaga en los sonidos e imágenes originales del archipiélago para revisitarlos en el contexto del arte contemporáneo. La canción fue creada y producida en dos semanas y el ejercicio consistió en partir de los sonidos tradicionales (la mazurka) utilizando instrumentos creole como el “horse jaw bone” para trazar un recorrido a través de la historia de la música isleña que finaliza con un hip hop en creole. En este tema participaron 15 músicos.

Es el tiempo de la des-colonización.

María Posse


youtube/televisa vs fran ilich (adry la fea, rebelde)

9 de agosto: recibimos una carta de youtube avisándonos que habían borrado el capítulo 4 de ‘adry la fea’ debido a que televisa alegaba ‘copyright infringement’, en lo que era un claro atropello de nuestra libertad de expresión. la única razón que podemos encontrar es que aparece un chico contando una experiencia de trabajo que tuvo como parte del equipo de producción del programa ‘otro rollo’ de adal ramones, una vez que se presentó shakira. pero esto no creemos que sea de ninguna forma copyright infringement.

15 de agosto: recibimos 6 nuevas cartas de youtube donde nos indican que por la misma razón, han borrado los capítulos 1, 2, 3, 6 y 7 de ‘rebelde’ (una telenovela sobre colectivos urbanos de la otra campaña zapatista, que lleva el mismo nombre que una de televisa, lo cuál para nosotros es sinónimo de que existen distintas formas de rebeldía). así como el final de la telenovela, que llevaba por nombre ‘fea y rebelde” the end (shakira live in mexico city part 2), en el que aparecía shakira en su concierto del zócalo de la ciudad de méxico, en lo que se suponía ser un concierto al aire libre en la plaza pública principal de la ciudad, y por lo que suponíamos podíamos grabar. dicho sea de paso, hay otros cientos clips de este mismo concierto de shakira que no han sido borrados de youtube.

16 de agosto: recibimos 2 nuevas cartas de youtube donde por la misma razón nos avisan que borran los capítulos 4 y 5 de rebelde, con lo que la serie completa de esta pieza, desaparece por completo de internet, y en específico de youtube. el único que podemos imaginar es que televisa considere que la palabra ‘rebelde’ le pertenece y que nadie más puede trabajar proyectos audiovisuales bajo ese nombre.

17 de agosto: sin recibir aviso cancelan y borran completamente las cuentas de adry la fea y rebelde, por lo que desaparecen los 6 episodios restantes de adry la fea, dejando apenas 2 clips de la novela que publicamos en otra cuenta >
http://youtube.com/ilichsabotage/

saludos y gracias por el apoyo.

Fran Ilich
http://possibleworlds.org

clips borrados >

adry la fea (capítulo 4):
http://www.youtube.com/watch?v=e8zLJbmB9OI

rebelde (capítulo 1):
http://www.youtube.com/watch?v=6QaN2nh85PQ

rebelde (capítulo 2):
http://www.youtube.com/watch?v=Cc2gN_b0HA4

rebelde (capítulo 3):
http://www.youtube.com/watch?v=SY3rPOo8Oog

rebelde (capítulo 6):
http://www.youtube.com/watch?v=Lq5u_-fZuQc

rebelde (capítulo 7):
http://www.youtube.com/watch?v=Ab_47Oz44bc

fea y rebelde: the end (shakira live in mexico city part 2):
http://www.youtube.com/watch?v=0AznRtpoqPM

rebelde (capítulo 4):
http://www.youtube.com/watch?v=mjz4ucM8U2g

rebelde (capítulo 5):
http://www.youtube.com/watch?v=O1QFf4qjNWk

además de estos clips:

http://youtube.com/laotrafea/

http://youtube.com/otrarebelde/


¿realmente nos interesa comunicarnos?


entrevista con fran ilich

Otro mundo es posible
panfleto de sabOt
http://possibleworlds.org/sab0t/0.pdf


¿Quien es el otro?

Imagen y concepto de alteridad 

La inmediatez de la acción, remite a una instantánea referencia primaria y básica que despoja de toda intervención creativa, convirtiendo el acto en una presentación sensacional.

Hace poco, leía un texto de Liliana Cortés (1) en el cual tomaba una posición certera y precisa que cuestionaba las intervenciones que hacen los artistas a la hora de abordar el tema de la región, la etnia y en general: la otredad. En este caso, analizaba puntualmente la profundidad, acierto y pertinencia de la exposición realizada por Antonio Caro, que tuvo lugar en la sala alterna de la galería Santa Fe y que es resultado del proceso del taller que llevó a cabo en Leticia.

Liliana Cortés señala el desconocimiento que tienen los artistas “céntricos” de los temas y compromisos que están asumiendo a la hora de enfrentarse a la inserción de lo regional en la práctica artística, ya que elaboran imágenes básicas y obvias, que no responden a una investigación juiciosa surgida de un real interés y compromiso con el “objeto de estudio”. Se refiere a las imágenes presentadas por Caro como la repetición de imágenes “Cliché” del Amazonas: “La anaconda, mal dibujada, el indígena "salvaje" y la falta de producción artística se anuncian con pleno descaro, desconociendo la realidad y riqueza artística que existe en el Trapecio”.

   (2)

Me interesó particularmente el hecho de que a partir de esta polémica, se amplia el campo no solamente a lo que concierne a lo regional, sino a toda situación de alteridad, de diferencia, marginalidad o excentricidad, que en el artista se convierte en una bandera para izar. Exaltar las diferencias es siempre el camino más corto hacia la espectacularización de la cultura y es el lugar común en el que no se debe caer para poder llegar hasta ese “otro”. La visión primera que tiene el artista de la otredad, es una categorización que no corresponde normalmente a la esencia porque detrás de todo acto de identificación colectiva se esconde lo fundamental para la construcción de la cultura, problemáticas, individualidades, tradiciones, formas de expresión, en especial estas últimas que son de las que se debe partir para construir una imagen nueva mediada por la práctica artística.

El hecho de que un grupo social tenga formas definidas de expresión (por ejemplo el graffiti, la cerámica, el primitivismo, etc.) no implica que el arte no pueda mediar conceptualmente en la producción visual de los resultados artísticos, el ejercicio de la práctica artística con comunidades, requiere un espacio de valoración del otro en el cual exista una investigación, identificación y conjugación de los saberes y actividades de uno y de otro. Lo que surge de este estudio no debe ser la mirada que el artista hace al otro, la cual en la mayoría de los casos es inmediata, sesgada, devela la diferencia, la distancia que se toma ante los demás y la imposibilidad de actuar en nombre de un grupo al que no se pertenece, en cambio, como artistas podemos intervenir en la representación que el otro hace de sí mismo, ofrecer elementos desde el arte que se fusionen con los intereses reales, las problemáticas y la forma en que éste quiere ser visto.

 (3)   (4)

Es realmente conmovedor e impresionante cuando uno se enfrenta a las manifestaciones propias de cada región.  La danza, la comida, las costumbres, la economía, el ritual, el lenguaje o hasta el color, nos demuestran que somos solo una parte de un mundo de diversidad, que pide a gritos que todas y cada una de las partes que lo conforman salgan a la luz.

La línea de debate está dividiendo quizá el quehacer artístico y la documentación en el mejor de los casos, cuando no, ese efectismo que es referirse al otro, exhibir sus costumbres, prácticas o formas de representación sin un interés temático o conceptual que sustente la inserción del término “arte”. Todo es llamado arte, el arte de la cocina, el arte de hacer reír, hasta el arte de la guerra, y esto no debe ser una excusa porque la práctica artística debe estar bien diferenciada de la cultura y las demás cosas que puedan parecerse a ella, o terminaríamos asistiendo a un espectáculo que poco tiene que ver con el campo del arte. Por esta misma razón, el artista debe crear tanto obra como público que no solamente sorprenda y se deje sorprender, sino que sea activo, crítico y profundo, ya que, por más que exista un interés artístico o un interés social, si lo uno no se articula coherentemente con lo otro, no va a trascender de la esfera (o artística o social) de la que parte, y no va a ser más que una iniciativa que toma como excusa elementos que desconoce para hacerlos participes de forma espectacular en su finalidad.

Es así como asistimos a la descentralización de la práctica artística, que parte y pertenece ahora, desde y a otras esferas que ofrecen alternativas en cuanto a su función social, su circulación, mercantilización, recepción y significación, al hacerla partícipe del sistema de cultura y desarrollo, que requiere y asigna un papel distinto al que ha venido desempeñando el arte como ente independiente y lo involucra de forma directa  adjudicándole un compromiso con la alteridad, compromiso ante el cual el artista tiene plena libertad de escoger, pero igualmente si lo considera como opción, debe asumir conscientemente y con plena responsabilidad.

Ivonne Viviana Villamil 

 

 * Este artículo se encuentra publicado en http://www.larepublicart.blogspot.com

(1)    http://esferapublica.org/nfblog/?p=911

(2)    http://www.lemonde.fr/web/imprimer_element/0,40-0@2-3208,50-805769,0.html “El fotógrafo francés Stanislas Guigui compartió durante dos años la vida de desechos sociales del distrito del Cartucho, en Bogotá, Colombia, un ghetto destruído en 2005. La fotografía: un grupo de "ñeros" (de compañeros), una clase de cofradía de piratas urbanos.  Stanislas Guigui / Le Monde 2”

(3)    http://www.hispanopolis.biz/noticias/index.php/Imagen:Laun2.jpg Indígenas del Amazonas danzan en un ritual en un acto de protesta en Bogotá. Foto: Organización Nacional Indígena de Colombia, ONIC.

(4)    Fotografía tomada en Cartagena de Indias, durante una muestra del folklor local en la Plaza de Bolivar.

  

 

¿Quien es ese otro?

Es mercancía pura.

Pura en el sentido en que no es solo mercancía en el sentido tradicional y moderno del término de mercancia inanimada sino que es, en el sentido posmoderno y cultural del término, quien da Valor Reputacional a la mercancía creada por el artista; mercancía que sin el valor moral que proviene de la vampirización política del Otro no tiene valor artístico o monetario alguno.

Desde Beuys y en una vuelta al Neoclasicismo, el arte ya no es más Conceptual sino Moral. Y El Otro es el plus que da un prestigio no ya conceptual sino moral al artista y su producto antes de introducirlo en la corriente del mercado. La mercancía que es el Otro introduce el valor mágico, el geist sin el cual el objeto, que no tiene en si valor alguno, no puede sostenerse en la corriente de mercado del Turismo con Reputación o "Arte Contemporáneo". En términos religiosos el Otro es el que "consagra" publicitariamente al objeto y al artista.

Lori Jirouzek en su trabajo sobre espectáculo etnográfico encuentra las raíces del concepto contemporáneo del Otro ni mas ni menos que en la noción de Museo de personajes bizarros del empresario circense P.T. Barnum (1810 -1891).

El Museo contemporáneo no tendría sus raíces en el Museo neoclásico sino…

¡en el Circo!

"En 1850 el Museo Chino de Barnum presentó en vivo una familia china completa para diversión de los americanos. Los periódicos se maravillaban de que Barnum no se detenía ante nada que fuera bizarro en el mundo. Con su dama china genuina…lista para exhibir su ser encantador, su curiosa postura, sus encantadores pies de tan solo dos pulgadas y media ante un maravillado y novelero público, capitalizando el ansia del mercado por el Otro Ëtnico. Barnum presentó a los chinos como juguetes, como seres eroticizados,  y "primitivos" (…).

La exhibición de Barnum  anticipa un complejo del fenómeno la cultura americana a la vuelta del suglo XX. El americano desarrolla el gusto por observar los siempre cambiantes desfiles de maravillas, observando frecuentemente al Otro por Diversión".

Desde luego hoy en día nadie, y menos un artista, se atrevería a confesar que el fin de su trabajo es, aunque así lo sea dentro de un nuevo concepto de diversión con contenido moral, diversión liberal burguesa. Es imprescindible, dentro del método de ocultación de la perversión, decorarla con un discurso benévolo humanitario, sentimental y solidario. Si vamos a comerciar con plomo no lo vendemos puro, lo ocultamos en juguetes pintados. Y eso es el Otro para el presente. Un juguete: el "chinese toy-like" del que habla Lori Jirouzek.

Es usual dentro del discurso "contemporáneo" dar por sentado que

"turismo cultural es lo que hacen los demás, no yo"

De ello es ejemplo  el fugaz debate que se dió en Esfera entre Pascual Gaviria y Cristian Zapata en esa gran Temporada de Caza del Otro y Trofeo Reputacional que fué MED 2007 y en el que éste último, en un texto ambigua y poéticamente construido nos habla de una demostración de que él y sus artistas no son asi, demostración que no aparece por ninguna parte, y solo dando por sentado que, si lo hace un artista ello vale como demostración o que el hecho artístico es en si moralmente correcto y por tanto vale como demostración.

Es cierto por ser quien sois. El artista según Zapata, por serlo, posee inmunidad ética y coherencia moral:

"Ahora lo más importante es el proceso de relación con las personas que trabajan en la elaboración de la obra arte. Ahora el espectador también es parte activa. El artista crea la obra, y luego hay mediadores y espectadores participantes. Hoy el artista es un ser político, un ser que apuesta por una cantidad de problemas que estamos viviendo, han demostrado que no es un turista cultural". (1)

O como lo formula Villamil en su "nosotros no hacemos eso", o "lo nuestro no es efectista" simple y llanamente porque somos nosotros:

"Ese efectismo que es referirse al otro, exhibir sus costumbres, prácticas o formas de representación sin un interés temático o conceptual que sustente la inserción del término "arte".

¿Cual es pues, señorita Villamil, la solvencia ética para decirnos lo que el artista "debe" y "tiene que"?

El artista no tiene que nada y máximo cuando quienes estimulan  la dictadura cultural no hacen más que desprestigiar la ética política habiendo vue
lto la política y la marginalidad el entretenimiento del capitalismo liberal y hacen parte constante, aún dentro de un aparente espíritu "naïf", de ese  pozo de arena movediza ética sin salida moral o ética alguna que es mercado del Otro Étnico. Más si son parte del mundo del arte que no es otra cosa que una gran agencia turística con Reputación Moral de Mercado. Por más Agua de Lévinas con que lo intentemos lavar  las manos de Lady Macbeth, Lady Macbeth tiene sangre del Otro en su cofre de joyas.

 

Carlos Salazar

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(1) Debate completo en http://www.encuentromedellin2007.com/?q=node/2668

(2) Lori Jirouzek. Spectacle Ethnography and Immigrant Resistance: Sui Sin Far and Anzia Yezierska
MELUS, Vol. 27, No. 1, Contested Boundaries (Spring, 2002), pp. 25-52

 

 

 

El otro es asunto de otros

"El otro es comprar colombiana. Lo cultural "es" estar en la mitológia. De hecho: ¿es colombiana la nuestra?. El término es apadrinado y equivale a hacernos parte de un horizonte socioeconómico. Equivale a una categoría, cuya superación depende del extensivo análisis sobre el ámbito político: (abajo los ricos por malos, arriba los pobres por buenos). La visión optimista hace parte entonces de la vertiente moral del mejoramiento de la protesta y la acumulación (socialista) que surge al desentrañar la naturaleza aberrante de nuestra supervivencia como "otros", si no, ¿dónde estamos "nosotros"? Así pues, ¿cómo concebiremos un mero ideal, (una toma de decisión) y de paso cómo examinar las características del mapa? Más allá del individualismo, el texto complejisa. Más allá de aproximar al otro, apreciémoslo en su trama. Maquine. Más allá de tramar, negar la posibilidad social. Resta solo lo individual: Efecto de la gramática. Interacciones de redes: el que más grite vuela. Censura al que monta. Reconocimiento del dualismo corporal. Ello implica caminar hacia un sentido renovado de continuidad."

Nota:

En efecto, para agregar a esta confusión, hasta aquí, esta primera entrega (sufrida) de "textos contemporaneos, quien más confunda gana un pito, volumen 1".

(a proposito los textos alquimistas de desentrañar ideas confusas en la Edad Media tambien parece que tenian el mismo efecto. Solo que al menos habia ideales metafisicos alli insertados.)

Dimo García

 

la “farandulización” de la cultura

El texto de Salazar en torno al Otro es uno de antología de la serie Esfera Pública. De la aparición del otro como coreografía circense en el vaudeville norteamericano hasta la traición africana de Rimbaud a su principio visionario “Je est un autre” (en sus cartas desde Harar se refiere a “esos miserables negros”), el asunto es mundial. Me interesa referir el tema a esta Nueva Granada. Desde la pirámide de castas con su taxonomía bestial (zambos, mulatos, albarracinos y demás) en la proximidad del humus y angelical para los vecinos al cielo virreinal hasta Carreño y su mirada cruel o el modelo epidemioteólógico (EVITAR EL CONTAGIO CON LOS NO LIMPIOS) de la Regeneración o los tecnocráticos y cibernéticos siguientes, el jibarismo hacia el otro de “abajo” es monumental. De leer para el caso, el ensayo de Barthes sobre SADE para entender a Colombia: la sociedad colombiana no puede comprenderse de modo distinto a una pasarela o un performance social (por eso la moda es el espectáculo de espectáculos actual): somos estéticos hasta en la crueldad.

Ahora bien, he elaborado la siguiente tesis sorprendente: el pueblo llano opuso en la colonia una disidencia (prefiero esta palabra a la de resistencia, que tan mimética es de aquello que se opone, nuestras guerritas hablan de ello) que consistió en la performance o puesta en escena en la calle de una contraseducción cultural: a la suscitación de la envidia de “arriba”, la “envidia” de abajo: carnaval, socialbacanería, sexualidad, comida, todo lo que tiene que ver con estilos de vida de la comunitas (de ahí derivan compañero de cum pannis y comensalidad de cum mensa).

La astucia de la elite colombiana consistió (y ello se puede ver en la fundación de RCN y Caracol, entre 1946 y 1948, vecino al 9 de abril) en captar y cooptar esta contraseducción cultural: para ello estaban Julio Mario Santodomingo, fútbol, cerveza, carnaval, Alfonso López Michelsen, política, el vallenato, el gallo) y muchos otros, como fabricato la tela de los hilos perfectos y coltejer. Ello ha mi modo de ver creó desde entonces esa “farandulización” de la cultura colombiana que lleva a las gordas Fabiolas y a los Patiño a los Concejos y a otros al Congreso y nos hace el país más feliz del mundo, siendo uno de los más violentos y dramáticos. También es un poderoso estuco neobarroco para ocultar que somos después de Haití y Brasil el país de América Latina con mayor inequidad, siendo la de América Latina la penúltima del mundo después del África al sur del Sahara.

Las consecuencias de esta tesis son infinitas. Una, siguiendo a Dimo, que hay una especie de neomagia mediática, una alquimia detergente posmoderna. Otra, que las artes tienden por gravedad a ser una espuma de estos lavaderos político sociales. Otra, que el artista debe mirarse críticamente a sí mismo para producir una obra que salga de esta olla de presión que premia lo trivial. La última, si se quiere, es que requerimos con urgencia de un encuentro de artes, letras y ciencias sociales para afrontar el tema del estado de la cultura en generar para comprender estos asuntos. Colombia es un país de aporías donde por ejemplo no podemos comprender el clientelismo tecnocrático presidencial sin el clientelismo familiar y comunal local.

Apelo a Esfera, al Malpensante, al Instituto Pensar, a los Andes, a Jesús Martín Barbero, a Fernando y a Gustavo Zalamea y a muchos más.

Pero mucho me temo que dadas las disgregaciones, esta propuesta se anule en el acto mismo de
formularse: cuatro, tres, dos, uno y cero.

Cambio y fuera.

Gabriel Restrepo


contextualizando la esfera pública

La participación de Esfera Pública en las actividades de Documenta 12 en Kassel se desarrolló en varios niveles: las reuniones entre los editores para concretar temas a discutir e intercambiar experiencias, la exposición de los magazines en el Documenta Halle y, por último, la presentación pública de cada proyecto en una serie de paneles llamados lunch lectures.

Dado que hay más de ochenta proyectos invitados, el equipo de Documenta 12 magazines (D12M) programó las presentaciones a lo largo de los cien días que dura Documenta 12. Para el caso específico de Esfera Pública, su presentación se hizo en una serie de lunch lectures que con el título de Paper and píxel reunió experiencias que utilizan tanto plataformas on line como impresas y, buscaba a su vez, resaltar sus implicaciones en la esfera pública del campo artístico y cultural.

Paper and píxel fue organizada por Alessandro Ludovico y Nat Muller, quienes trabajan conjuntamente en proyectos independientes como Magnet (magazine network que antecedió a D12M, a la que actualmente asesoran) y Neural, magazine on line editado por Ludovico.

Aquí vale la pena resaltar que la casi totalidad de los proyectos invitados a D12M son magazines impresos que, a diferencia de los únicos espacios de discusión participantes (Empyre, de Australia, y Esfera Pública), implican dinámicas editoriales distintas: están liderados por un editor o comité editorial que por lo general define un tema y encarga sus artículos a una serie de colaboradores.

En el caso de Empyre, sus dinámicas no difieren mucho de las que acabo de mencionar: las discusiones se generan a partir de un tema que propone el moderador a un grupo de teóricos, curadores y artistas que no necesariamente hacen parte de la lista de afiliados. Cada mes se propone un tema distinto. Por su participación en D12M, invitó a reflexionar en torno a las preguntas planteadas por Documenta: ¿es la modernidad nuestra antigüedad?, ¿qué es la nuda vida? y finalmente,  ¿qué hacer?

En las reuniones entre editores que se dieron en el marco de Paper and píxel, participaron además de Empyre y Esfera Pública, los magazines Concrete reflection (Macedonia), Zehar (San Sebastián), Neural (Bari), Mute (Londres), Canal Contemporáneo (Rio de Janeiro), Magnet (Roterdam) y SabOt (Tijuana). El objetivo de estas reuniones era compartir experiencias de cada proyecto, así como buscar intercambios y alianzas para la realización de proyectos conjuntos a mediano y largo plazo.

Aparte de los intercambios de contenidos que desde ya comienzan a darse entre varios de estos espacios, quedaron planteados otra serie de proyectos conjuntos, como el de un website que reúna discusiones y artículos destacados de cada magazine y espacio de discusión.

Las presentaciones al público de cada proyecto se hicieron a lo largo de la semana de Paper and píxel, donde cada día había un lunch lecture con un tema específico, como fue el de Publishing the public: contextualizing locality, que sirvió de marco para la presentación de Concrete Reflection, Esfera Pública y SabOt, donde se reflexionó en torno al significado de lo público en relación con el concepto de la esfera pública como dimensión de la reflexión crítica y con el público como lector crítico y participativo.

En cuanto a la noción de lo local, ésta no se planteó únicamente en el sentido convencional del término (nacionalidad, región, lugar), sino también en su condición de conjunto o red de especificidades donde se localizan modos de publicar, discutir y hacer públicos los asuntos que preocupan a una comunidad determinada.

Nat Müller (Magnet) actuó como moderadora y comenzó c
ontextualizando las presentaciones del día con una serie de reflexiones en torno a la forma como la esfera pública es reducida por hechos como la privatización y comercialización del espacio público, donde la "cosa pública" está siendo permeada por la "cosa privatizada", tal y como sucede cuando creemos que nos encontramos en un espacio público, y en realidad es un espacio privatizado, vigilado y/o excluyente, donde la libertad de movimiento y circulación es restringida.

Y no se trata -afirmó Nat Müller- únicamente de restricciones en el espacio público entendido en su dimensión física, se está presentando también en el espacio mediático y/o la esfera pública, donde la libertad de reflexionar críticamente está desapareciendo ante nuestros ojos: cada vez más se cierran los espacios para la crítica en los medios masivos (ver entrevista a Miren Eraso) para entregar el espacio a un tipo de pensamiento regulado por los principios del mercado.

Luego de enfatizar que su magazine no tiene por el momento ningún interés de tener una versión on line, Nebojsa Vilic, editor de Concrete reflection, se refirió al concepto de esfera pública desde un punto de vista filosófico, enfocándose en los aspectos de responsabilidad y tomando el Ágora griega, el libro y el blog como casos de intercambio público, mediación y autoría, donde varía la responsabilidad del autor.

Nebojsa señaló que a medida que se democratiza la esfera pública gracias a la red, se hacen más flexibles los niveles de responsabilidad. Es decir, que las prácticas de publicación on line necesitan de un tipo de responsabilidad distinta del autor hacia sus lectores. Acto seguido hizo énfasis entre la diferencia entre el qué publicar y el por qué publicar.

La presentación de Esfera Pública se inició relatando cómo surgió como espacio de discusión y cómo sus dinámicas de discusión cambian según los debates y el paso de los años. Después de señalar que las discusiones no son propuestas por el moderador sino por sus mismos afiliados, se presentaron distintos debates y dinámicas de participación.

Están los debates en torno a prácticas institucionales, curadurías y estructuras de grandes eventos donde participan -entre otros- Carlos Salazar, Catalina Vaughan, Pablo Batelli, Jose Roca, Pedro Falguer, Gabriel Merchán, Mery Boom, Guillermo Vanegas y, últimamente, la crítica de exposiciones, como fue el caso del seguimiento al Premio Luís Caballero y las discusiones que generaron los artículos de Lucas Ospina (quien también estuvo en Kassel presentando la revista Valdéz) y Jorge Peñuela.

También se señalaron otros aspectos de Esfera Pública, como el hecho de que también opera como archivo de reflexiones y debates que es consultado por sus mismos afiliados y por investigadores, estudiantes y personas que acuden a este espacio, tanto por su interés en sus contenidos, como por el hecho de que la reflexión crítica sobre el arte ha desaparecido casi por completo de los medios masivos.

En su presentación, Fran Ilich (SabOt) comenzó señalando la forma como la sociedad mexicana se encuentra fuertemente clasificada en torno a cuestiones de “clase” y casta, donde el arte es básicamente producido y consumido por -y para- un clase alta blanca y de descendencia europea.

Luego relató su experiencia como editor en varios proyectos que van desde Cinematik (proyecto de auto-edición) hasta Sputnik, on line magazine de tecnologías, y seguidamente a otro proyecto editado con el apoyo de una institución cultural mexicana. Experiencias que señaló llenas de tensiones y luchas de poder que llevaron a su desaparición.

Inmediatamente entró a presentar SabOt, una publicación que de alguna forma reacciona contra sus procesos anteriores: se trata de una publicación impresa que edita cada vez que puede que tiene un tiraje de 10.000 ejemplares. En ella presenta temas relacionados con la lucha de los Zapatistas. También se refirió a “Posible worlds”, un proyecto on line de su autoría que apoya una serie de iniciativas que confrontan la cultura de elite mexicana (cultura oficial), razón por la cual ha sido censurado y catalogado como cómplice de actividades terroristas.

Fran Ilich también produce y dirige telenovelas para Internet como Adry la fea (censurada por estos días en You tube) y La rebelde , donde convierte al activismo a personajes bastante conocidos en México como Betty la fea y Shakira.


La exposición de los magazines en el Documenta Halle (del 16 de junio al 23 de septiembre) había causado más de una pregunta por parte de los participantes: ¿cómo presentar unos proyectos cuyo valor es más discursivo que expositivo?, ¿se trata de promocionar con volantes y afiches las publicaciones, o de propiciar la lectura de sus contenidos?, ¿van a estar la publicaciones complementadas con presentaciones por parte de sus editores, charlas y discusiones, o se van a disponer como objetos artísticos?

Finalmente se optó por una forma de presentación muy sencilla (nada de volantes, afiches y videobeams) donde lo que se pr
ivilegia no es la promoción sino el acceso a los contenidos. Para los magazines impresos el asunto era relativamente sencillo, pues se trataba de seleccionar un número del magazine y disponerlo en la mesa.

Para Esfera Pública se pensaron varias posibilidades, entre ellas un computador para que el público la accediera directamente o una versión impresa de los debates y contribuciones con que participó Esfera Pública en D12M. Se optó por ambas, pues permite la lectura de las contribuciones en un formato electrónico, y en uno impreso directamente de la red, tal y como queda cuando los usuarios de Esfera Pública imprimen en sus casas los debates o artículos de su interés.

La plataforma on line (Documenta magazines on line journal) reúne las contribuciones de todos los participantes y es la fase de D12M que está pensada más a largo plazo, pues seguirá abierta de forma indefinida una vez termine la exposición. Aunque se pensó -ver entrevista a Cordula Daus– que además de espacio de intercambio de contenidos, lo sería también de debates, éstos no se han producido todavía, en parte porque entró a funcionar más tarde de lo proyectado, y por la gran cantidad y diversidad de contribuciones. La plataforma es por ahora un archivo cuyos contenidos se organizan a partir de las preguntas o leitmotifs planteados por Documenta 12 .

Habrá que esperar un tiempo para ver cómo es apropiada por los proyectos involucrados y los lectores, pues tanto las dinámicas de discusión, como el intercambio y articulación de nuevos temas, preguntas y contenidos es algo que, a estas alturas, se ha de producir desde el público y los mismos espacios participantes.  

 

Jaime Iregui 

 

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la escuela abierta (y la desaparición de la crítica)

Zehar es una revista dedicada al arte y a la cultura contemporánea. Empujada por la convicción de la necesidad de consolidar bases estables que enriquezcan el contexto y conformen un entorno plural, la revista mantiene un espíritu crítico y de reflexión.

Zehar se publica cuatrimestralmente, y con el objetivo de impulsar la diversidad de ideas, cada número presenta un tema de debate y reflexión, que se elabora con un editor invitado. La sección En red está dedicada a dar noticia de exposiciones, eventos, películas, y publicaciones de actualidad.

La orientación de Zehar es la de publicar los textos en castellano, euskera e inglés, y dar protagonismo a la versión original. En la versión papel no se publican todos los textos en los tres idiomas, pero la edición electrónica, más completa, es trilingüe: Zehar castellano, Zehar euskera, Zehar inglés, y conformamos así la complementariedad del papel y el píxel.

La Escuela Abierta
La revista Zehar -del Centro de arte Arteleku- participa con La escuela abierta (artículos y foro) en el proyecto documenta 12 magazines

Miren Eraso
Editorial

Irit Rogoff
La academia como potencialidad

Muriel Andrin
Por un sincretismo educacional

Ariella Azoulay
Cuando las fotografías empiezan a convertirse en pruebas en el proceso histórico

Rebecca Gordon Nesbitt
El Arte como educación

Marina Garcés
La experiencia del nosotros

Catherine Walsh
Las geopolíticas del conocimiento y colonialidad del poder. Entrevista a Walter Mignolo

Forum

Introducción

Imanol Agirre
Juan Vicente Aliaga
Laura Baigorri
Anna Barseghian
José Luis Brea
Critical Practice
Tony Chakar
Guadalupe Echevarría
Daniel García Andújar
Marina Grzinic
Iñaki Imaz
Juan Luis Moraza
Carmen Navarrete
Carme Ortiz
Carmen Pardo
José Pérez de Lama
Platoniq
Eddie Prévost
Juan Antonio Ramírez
Jane Rendell
Natxo Rodríguez
Martha Rosler
Francisco Ruíz de Infante
José Antonio Sánchez
Joost Smiers
Begoña Vicario
Gabriel Villota

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Participación relacionada:

Entrevista con Cordula Daus
para verla, pulse este enlace >
http://esferapublica.org/nfblog/?p=931


la mona lisa

La casi totalidad de los ocho millones de personas que recibe anualmente el Museo del Louvre visita la sala donde se encuentra la Mona Lisa. Hasta abril del 2005 la pintura estuvo en la Sala Rosa, pero debido al enorme flujo de público -y al apoyo económico de Nippon Television– se remodeló la espaciosa Salle des Etats específicamente para exponer esta obra de Leonardo. A sólo dos años y medio de haberse inaugurado, el lugar parece no dar abasto. La experiencia de contemplar la obra sigue siendo practicamente imposible. Además de los reflejos del vidrio de seguridad, está la baranda curva de protección y, a dos metros, una cinta que separa a los cientos de visitantes que se agolpan para verla de cerca.

Dado que la cinta es desplazada constantemente por el público, tres guardias se encargan de ponerla en su lugar advirtiendo en voz alta que no se debe mover la cinta! y, en algunas ocasiones, empujando al público hasta recuperar la distancia establecida.

fotografía y texto: Jaime Iregui