Quedó en libertad Nicolás Castro

En libertad quedó el creador del grupo virtual “me comprometo a matar a Jerónimo Uribe Moreno”, Nicolás Castro, por decisión de un Juez de Bogotá, que consideró que ya se habían vencido los términos que la Ley prevé para el inicio de la etapa de juicio.

La decisión se produjo luego de que se hubiera decretado la nulidad de todo lo actuado en contra del estudiante de bellas artes, capturado en Chía, Cundinarmarca, en diciembre de 2005.

Recientemente, el Tribunal Superior de Bogotá ordenó a la Fiscalía General de la Nación rehacer todo el proceso, tras acusar a Castro de instigación a delinquir.

El organismo jurídico consideró que había errores insalvables en la actuación, por cuanto no había lugar a continuar con el proceso en contra del joven de 23 años.

fuente >

http://elespectador.com/noticias/judicial/articulo-211134-libertad-autor-de-amenazas-facebook-contra-jeronimo-uribe

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Lgbt Bogotá: Artistas En Pulso Con La Vida

El domingo 27 de junio de 2010, los artistas de la comunidad LGBT se tomaron la carrera séptima de Bogotá, desde el Parque Nacional hasta la Plaza de Bolívar, el paseo más tradicional de esta Ciudad de Dios, de almas bellas e impolutas, dignas de la ascendencia de Felipe II de España. Los marchistas no eran artistas de Academia, son artistas que sostienen su existencia en un pulso permanente con la vida bogocitadina, –egoísta, violenta, intransigente y fanática; ésta es Bogotá, ciudad-pueblo al cual aprendimos a amar, «golpe a golpe, verso a verso», situación que los expertos han denominado condición siniestra de nuestra existencia. Son hombres y mujeres que apenas están asomándose a la existencia y necesitan estas expresiones para iniciar procesos de reconocimiento que les permitan existir en la esfera pública como seres humanos con derechos plenos.

Pero no solamente estos performers en pulso permanente con la vida requieren reconocimiento por parte de una lengua bella, ilustre, pero que se caracteriza por su intransigencia y por su fanatismo religioso. La lengua es una forma de vida determinada y determinante. Los miles y miles de jóvenes que los siguieron con música y comparsas creativas durante toda la tarde del domingo, exigían un orden de cosas menos dogmático; con su entusiasmo querían proyectar la creación de un nuevo hombre y una nueva mujer, un ser lo suficientemente fuerte como para poder dejar ser lo extraordinario que determina nuestra existencia, habitándola a nuestro pesar. A diferencia de los artistas en pulso con la vida, muchos de los artistas académicos ignoran estos llamados que nos hace la vida y optan por un reconocimiento superficial, mecánico, más elemental: el virtuosismo en las prácticas profesionales de alguna técnica práctica o teórica con fines comerciales; por su supuesto, no confesados abiertamente, pues este impulso espontaneo les ha sido reprimido por una crítica bella, especializada, que les ha enseñado a ser desinteresados.

Durante una acción políticocultural de cinco horas, miles de hombres y mujeres unieron su necesidad de reconocerse como homosexuales, lesbianas, bisexuales y transgeneristas, y salieron a exponerse al escarnio público y silencioso por parte de una ciudad cuasi-estado que no desaprovecha ninguna oportunidad para hacer mofa-de y reprimir la condición sexual de estos cuasi-ciudadanos y ciudadanas: “sin libertad sexual no hay libertad política”, fue una de las pocas consignas repetidas durante la marcha. La comunidad LGBT se hizo visible ante los ojos escépticos de los bogotanos y las bogotanas, quienes, en el mejor de los casos, los toman más como espectáculo de carnaval que como una acción políticocultural que busca oxigenar los espacios democráticos locales contaminados por el fanatismo religioso que determina nuestros criterios para comprender lo bello, lo bueno y lo justo. Sus acciones buscan reconfigurar los dogmatismos ideológicos y religiosos que han mantenido a la comunidad LGBT amedrentada y sin reconocimiento pleno de sus derechos humanos, y, en especial, sujetos a todo tipo de oprobios por parte de una sociedad blanca, católica y feudal que arrogantemente preconiza su justicia con bombos y platillos a través de los medios de los cuales disponen para comunicarse con sus masas.

La marcha Arco Iris del pasado domingo en Bogotá, pese a esa mentalidad mítica que nos impide salir de nuestro círculo de muerte y opresión, no dejó indiferentes a los transeúntes domingueros de nuestra ciudad, pero no sólo por la vistosidad del acontecimiento artístico y civil que pudimos apreciar. Los miles de no-reconocidos que colmaron la carrera séptima no dejaron de suscitar en el espectador desprevenido cierto terror placentero. “Yo soy normal, pero me estoy gozando la fiesta”, me dijo una señora muy sonriente y entusiasmada con la alegría de los jóvenes que bailaban, se abrazaban y se tomaban fotografías con los performers del evento. (Afirmar ser normal es declarar eufemísticamente cierto horror ante la presencia de algo que nos resulta familiar, por lo tanto amado.) La marcha no dejó indiferentes a los bogotanos, más por el reconocimiento de algo familiar en lo que nos resulta no-familiar, y menos como deseo de solidaridad con los y las que se atreven a no ser como Dios y el Estado lo establecen. Esta emoción ambivalente es lo que he denominado condición siniestra de la humanidad, siguiendo las meditaciones de Stanley Cavell a este respecto.

Los medios masivos de comunicación apenas mencionaron el acontecimiento, pues sus jefes de redacción saben de ante mano qué es lo bello y lo feo, qué lo justo y lo injusto, qué bueno y qué malo, y desidentifican todas aquellas manifestaciones que rebasan sus atavismos traumáticos. Digo que la marcha de la comunidad LGBT fue un acontecimiento porque de manera inédita los miles de hombres y mujeres que marcharon por la Carrera Séptima y sus andenes, no todos pudieron llegar a la Plaza de Bolívar. La capacidad de ésta fue desbordada. Las decenas de policías apostados a lo largo de la avenida no salían de su asombro, ese asombro que es manifestación del horror placentero que suscita lo siniestro, –el reconocimiento de lo humano que somos y nos condiciona. Nos horroriza porque nos recuerda algo familiar, reprimido, nos recalcan los intérpretes contemporáneos de Freud.

Poco arte y mucha gracia fue lo que pude apreciar en este día soleado, disfrazado de 25 de diciembre, como dijo algún poeta en el pasado. Pero, ¿quién demandaría arte a quien muestra gracia en la expresión? Tener gracia es estar en condición de expresar artísticamente una necesidad espiritual, es decir, sin pretensiones de ser reconocida como arte, como discurso para el entendimiento que entretiene. Entiendo por arte la sorpresa y el entusiasmo que una reconfiguración del orden de las cosas suscita en un grupo humano, la posibilidad de ampliar las libertades de quienes han padecido opresión y humillación por ser diferentes a aquellos que padecen normalidad, que creen ingenuamente ser normales. Esta necesidad espiritual diferencia una acción artística de una acción mecánica, una acción pensada para dar símbolo y palabra a la represión, de otra que sólo busca reconocimiento económico por la habilidad en el manejo de herramientas técnicas, ya sean prácticas o teóricas.

Los atuendos exhibidos por algunos entusiastas de la marcha, quienes sólo esperan la mirada despiadada y horrorizada de aquellos que a diario y con cualquier pretexto les infligen todo tipo de reproches y afrentas, terminaron por deslumbrar a propios y extraños, porque hasta los más rehaceos a aceptar la presencia de lo extraordinario en lo ordinario, observaban no tanto para aprobar los gestos y la motivación detrás de ellos: «ni delincuentes ni antisociales», fue otra de las arengas más repetidas. Todos y todas observaban a los performers, maravillados por la creatividad con que se manifestaba la condición siniestra propia de ese ser cómico que un buen día se atrevió de manera desvergonzada a andar en sus patas traseras, dejando expuestas sus vergüenzas.

La normalidad humana de la cual me habló la dama que se gozó la fiesta LGBT sin ser lesbiana, está gobernada por la Condición de lo Siniestro. Esto es lo que han planteado teorías recientes inspiradas en Freud. Lo siniestro consiste en la recurrencia constante de lo reprimido como algo extraordinario que es ordinario, consiste en algo odiado que es amado; en términos más coloquiales, es la visibilización de algo anormal que nos parece normal porque siempre ha estado ahí, así sea reprimido. La gracia de los performers y de los miles que con ellos marcharon, consistió en horrorizar a los transeúntes con su presencia, porque la acción les recordaba el regreso ominoso de lo reprimido. Lograba que el espectador comprendiera que eso terrible ante sus ojos, era de lo más familiar, que consistía en ese otro en sí mismo silenciado, al cual siempre se le negó su posibilidad de existir mediante la palabra, mediante el reconocimiento de la condición humana. Esta emoción debió sentirla el pueblo griego de Pericles ante una presentación de Edipo, cuando Edipo regresaba a hacer presencia en la escena pública para recordar la condición siniestra que gobierna lo humano. No somos muy diferentes del pueblo acabado de mencionar, con perdón de Aristófanes y Sócrates, Platón y Aristóteles, Praxíteles y Fidias y Esquilo y Sófocles. Esta misma emoción experienciamos el pasado domingo en la acción políticocultural de los artistas en pulso con la vida, de aquellos que la retan para mejorar su condición y la de la vida misma.

Finalizando la tarde, a eso de las 6 y 30 P.M., la coordinadora de LGBT Bogotá, a quien no identifico pero a quien me gustaría conocer algún día, se dirigió a la multitud. Nadie la escuchó, no podían hacerlo, el sonido instalado no dio la capacidad para llenar todos los espacios de la Plaza de Bolívar. Falla excusable, si pensamos que los organizadores no esperaban el alud de alegría con el cual hombres y mujeres colmaron la totalidad de la Plaza.

A los organizadores les queda un reto, no defraudar a los miles que aceptaron su convocatoria. A pesar de que este un es mérito administrativo de la ciudad, al gobierno local le corresponde pensar a fondo la manera de seguir implementando aún más políticas de reconocimiento, post-fiesta. La fiesta está bien, sí y sólo si después de ella no sigue imperando la discriminación por las preferencias sexuales de los hombres y mujeres que habitamos Bogotá, que la sufrimos y la amamos. Sí todos y todas las que marcharon con sus novios y con sus novias recuerdan que juntos se puede más.

Por favor ver video complementario en: http://www.youtube.com/watch?v=QMVHvWiJesg

Jorge Peñuela

BIBLIOGRAFÍA:

Cavell, Stanley. (2002) En busca de lo ordinario. Líneas del escepticismo y romanticismo. Valencia: Cátedra.
Freud, Sigmund. (1988) Lo ominoso. En Obras Completas, Volumen 17. Buenos Aires: Amorrortu.


Artistas Protestan Por Fiesta De La Tate A La B P

http://www.youtube.com/v/Pz-_2KLt1W0&hl=es_ES&fs=1&

En la noche del 28 de junio a las 7:15 pm aproximadamente, el grupo Liberate Tate protestó por el patrocinio de BP a las artes y llevó a cabo un “solemne derrame de petróleo”, en la entrada de la Tate Gallery minutos antes de iniciar la Fiesta de Verano, donde se celebraría el apoyo a la BP.

Artistas, curadores y críticos envían carta de protesta por fiesta de la Tate a la BP

Un numeroso y destacado grupo de artistas, escritores, críticos y comisarios de exposiciones denuncian la fiesta que con la que este lunes 28 de junio  la galería Tate Britain celebra los veinte años de patrocinio de la petrolera British Petroleum, BP.

En una carta que publica el diario The Guardian (anexa al final), los representantes del mundo de la cultura critican el hecho de que los ejecutivos de BP acudan al cóctel que ofrece esa galería mientras el derrame de petróleo sigue causando estragos en el Golfo de México.

“Estas relaciones ayudan a las grandes petroleras a enmascarar la naturaleza destructiva del medio ambiente de sus actividades con la legitimación social asociada a tan destacadas instituciones culturales”, escriben.

Los 161 signatarios, que dicen ser representativos del mundo artístico, afirman que el logotipo de BP representa un baldón en la reputación internacional de la Tate.

“Muchos artistas están furiosos por el hecho de que la Tate y otras instituciones culturales nacionales sigan soslayando el asunto del patrocinio de una petrolera”, agrega el escrito.

“Hace poco menos de una década se consideraba a las empresas tabaqueras socios respetables para tales patrocinios, algo que ya no sucede. Confiamos en que pronto ocurra lo mismo con las petroleras y las empresas gasistas”, denuncian los firmantes.

Entre los 61 signatarios figuran los artistas Hans Haacke, John Keane y Adam Chodzko, los dramaturgos Davey Anderson y Caryl Churchill, el compositor Matthew Herbvert, el filántropo Gordon Roddick, y las críticas Suzi Gablik, Rebecca Solnit y Lucy R Lippard.

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Fuente: EFE >

http://publimetro.com.mx/entretener/artistas-y-criticos-denuncian-la-fiesta-de-la-tate-por-el-patrocinio-de-bp/ejfB!1311665/

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London art oil sponsors

Artists and musicians plan to protest against BP’s sponsorship of Britain’s most prestigious galleries, theatres and museums. Graphic: guardian.co.uk

Curators, crude oil and an outdated cultural mix

Tonight, the Tate Britain is holding a summer party in which it is also celebrating 20 years of BP sponsorship (Galleries and museums face summer of protest over BP arts sponsorship, 25 June). As crude oil continues to devastate coastlines and communities in the Gulf of Mexico, BP executives will be enjoying a cocktail reception with curators and artists at Tate Britain. These relationships enable big oil companies to mask the environmentally destructive nature of their activities with the social legitimacy that is associated with such high-profile cultural associations.

We represent a cross-section of people from the arts community that believe that the BP logo represents a stain on Tate’s international reputation. Many artists are angry that Tate and other national cultural institutions continue to sidestep the issue of oil sponsorship. Little more than a decade ago, tobacco companies were seen as respectable partners for public institutions to gain support from – that is no longer the case. It is our hope that oil and gas will soon be seen in the same light. The public is rapidly coming to recognise that the sponsorship programmes of BP and Shell are means by which attention can be distracted from their impacts on human rights, the environment and the global climate.

Hans Haacke, artist

John Keane, artist

Caryl Churchill, playwright

Matthew Herbert, electronic artist and composer

Suzi Gablik, art critic and writer

Gordon Roddick, art philanthopist

Rebecca Solnit, writer and art critic

Lucy R. Lippard, writer and curator

Davey Anderson, playwright

Adam Chodzko, artist

siguen firmas aquí


Manifiesto Para Una Democracia De La Tierra -justicia, Sostenibilidad Y Paz

1. Todas las especies, pueblos y culturas tienen un valor intrínseco: todos los seres son sujetos dotados de integridad, inteligencia e identidad, y no objetos susceptibles de convertirse en propiedad de otros, de ser manipulados, de ser explotados o de ser desechados. Ningún ser humano tiene derecho a ser dueño de otras especies, de otras personas o de los conocimientos de otras culturas por medio de patentes y otros derechos de propiedad intelectual.
2. La comunidad de la Tierra es una democracia de toda la vida en su conjunto: todos somos miembros de la familia de la Tierra y estamos interconectados a través de la frágil red de la vida del planeta. Todos tenemos el deber de vivir de un modo que proteja tanto los procesos ecológicos de la Tierra como los derechos y el bienestar de todas las especies y de todas las personas. Ningún ser humano tiene derecho a inmiscuirse en el espacio ecológico de otras especies y de otras personas ni a tratarlas con crueldad o con violencia.
3. Debe defenderse la diversidad en la naturaleza y en la cultura: la diversidad biológica y cultural constituye un fin en sí misma. La diversidad biológica es un valor y una fuente de riqueza (tanto material como cultural) que crea condiciones para la sostenibilidad. La diversidad cultural genera condiciones para la paz. Todas las personas tienen la obligación de defender la diversidad biológica y cultural.
4. Todos los seres tienen un derecho natural a su sustento: todos los miembros de la comunidad de la Tierra, entre los que se incluyen todos los seres humanos, tienen derecho a su propio sustento, es decir, a la comida y al agua, a un hábitat seguro y limpio, y a la seguridad del espacio ecológico general. Los recursos vitales para tal sustento deben seguir siendo comunales. El derecho al sustento es un derecho natural porque es el derecho a la vida. Son derechos no otorgados por ningún Estado ni por ninguna empresa, y tampoco pueden ser anulados por acción estatal o empresarial alguna. Ningún Estado y ninguna compañía empresarial tienen derecho a cercenar ni a debilitar estos derechos naturales, nia cercar los ejidos que sostienen la vida.
5. La democracia de la Tierra está basada en las economías vivas y en la democracia económica: la Democracia de la Tierra se basa en la democracia económica. En la Democracia de la Tierra, los sistemas económicos protegen los ecosistemas y su integridad; protegen los medios de vida de las personas y satisfacen sus necesidades básicas. En la economía de la Tierra, no hay personas ni especies ni culturas prescindibles. la economía de la Tierra es un economía viva. Está basada en sistemas sostenibles, diversos y pluralistas que protegen la naturaleza y las personas, que son elegidos por éstas y que obran por el bien común.
6. Las economías vivas están levantadas sobre economías locales: es en el nivel local donde más cuidadosa, creativa, eficiente y equitativamente se consigue la conservación de los recursos de la Tierra y la creación de medios de vida sostenibles y satisfactorios. La localización de las economías es un imperativo social y ecológico. Sólo deberían ser producidos de forma no local y comerciados a larga distancia aquellos bienes y servicios que no pueden ser producidos localmente -es decir, empleando recursos y conocimientos locales-. La Democracia de la Tierra está basada en unas economías locales vibrantes que sostienen, a su vez, economías de alcance nacional y global. En la Democracia de la Tierra, la economía global no destruye ni aplasta las economías locales; tampoco genera personas prescindibles. Las economías vivas reconocen la creatividad de todos los seres humanos y crean espacios para que las diversas creatividades alcancen la plenitud de su potencial. Las economías vivas son economías diversas y descentralizadas.
7. La Democracia de la Tierra es una democracia viva: la democracia viva se basa en la democracia de tanto de toda la vida en su conjunto como de la vida cotidiana en particular. En las democracias vivas, las personas pueden influir en las decisiones que se toman sobre los alimentos que consumimos, el agua que bebemos y la sanidad y la educación de las que disponemos. La democracia viva crece como un árbol, de abajo a arriba. La Democracia de la Tierra se basa en la democracia local; en ella, son las comunidades locales -organizadas sobre los principios de inclusión, diversidad y responsabilidad ecológica y social- las que gozan de la máxima autoridad en aquellas decisiones relacionadas con el medio ambiente y los recursos naturales, así como con el sustento y los medios de vida de las personas. La delegación de autoridad en niveles de gobierno más distantes se realiza conforme al principio de la subsidiaridad. La autonomía y el autogobierno son los cimientos de la Democracia de la Tierra.
8. La democracia de la Tierra está basada en unas culturas vivas: las culturas vivas promueven la paz y crean espacios libres para la práctica de religiones diferentes y la adopción de credos e identidades distintas. Las culturas vivas permiten permiten el florecimiento de la diversidad cultural partiendo del terreno de nuestra humanidad común y de nuestros derechos compartidos como miembros de una comunidad de la Tierra.
9. Las culturas vivas nutren la vida: las culturas vivas se basan en la dignidad de (y el respeto por) la vida en su conjunto (humana y no humana), las personas de todos los géneros y culturas y las generaciones presentes y futuras. Las culturas vivas son, pues, culturas ecológicas que no favorecen estilos de vida ni pautas de consumo y producción que sean destructivas para la vida, ni la sobreutilización y la explotación de los recursos. Las culturas vivas son diversas y están basadas en la veneración por la vida. Las culturas vivas reconocen la multiplicidad de identidades basadas en el lugar y en la comunidad local, pero, al mismo tiempo, reconocen también una coincidencia planetaria que vincula al individuo con la Tierra y con la vida en su conjunto.
10. La Democracia de la Tierra globaliza la paz, la atención y la compasión: la Democracia de la Tierra conecta a las personas mediante círculos de asistencia, cooperación y compasión, en lugar de dividirlas mediante la competencia, el conflicto, el temor y el odio. Frente a un mundo de codicia, desigualdad y consumo excesivo, la Democracia de la Tierra globaliza la compasión, la justicia y la sostenibilidad.

Vandana Shiva
Ediciones Paidós Ibérica S.A, 2006
Traducción de Albino Santos Mosquera
Impreso en España


Museo Y Esfera Pública

Versión en pdf del libro “Museo y esfera pública” compuesto por siete artículos acerca del campo del arte contemporáneo entendido como esfera pública, en la que coexiste no sólo la voluntad por llegar al acuerdo y el consenso, sino el conflicto y el disenso entre distintas subjetividades, políticas y economías.

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Indice

Las esferas de lo público
Jaime Iregui

Un óptimo instrumento para ganar la confianza del público. Notas sobre coleccionismo institucional en Colombia
Guillermo Vanegas Flórez

¿Cómo queremos ser curados? Reflexiones antes y después de Documenta 12
Cordula Daus

Contrapúblicos. Mediación y construcción de públicos
Jorge Ribalia

Poltrona (reclinable): apuntes de comodidad y acomodo
Víctor Albarracín Llanos

El museo contemporáneo y la esfera pública
José Luis Brea

Micromuseos
Investigación sobre dispositivos mínimos de exhibición de arte
Tomás Ruiz Rivas Aguados

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Museo y esfera pública hace parte de Cuadernos Grises, una colección de la Facultad de Artes y Humanidades de la Universidad de los Andes que recoge ensayos en torno a temas específicos del mundo del arte.


El pensamiento libre

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Despersonalizar, despsicologizar de una maldita vez el saber, su producción, la forma de su territorialidad, la presuposición de su organicidad y pertenencia a la circunscripción de la biología pura, nuda. No hay tal, y toda inteligencia es juego de artificio. No hay otra vida para lo psíquico que esa instrumentalizad de los aparatos (abstractos, pero efectivos). No hay inteligencia sino artificial, y lo que llamamos vida psíquica es la travesía que un ciclo de producción retroalimentado efectúa negociando la producción innovadora de formaciones de discurso, y el modo en que ellas se encastran en alineaciones, dispositivos, objetos, operadores de producción de mundo que a su vez se constituyen en los mismo generadores del sentido –a cuya pasión por otro lado invencible siempre responden.

Así, todo el movimiento del pensamiento es siempre un vaivén, una oscilación ultrarrápida y apenas perceptible entre el momento genésico y la cristalización en un sistema-mundo instantáneo que, a su vez, se vuelve la condición misma de esa productividad que los viene generando. Claro que aquí hay una vida historizable –casi una historia natural del pensamiento- que relaciona la potencia del producir sentido, concepto -la vida de lo mental- con la producción de los objetos del mundo, pero lo esencial de este flujo de innovación y cristalización de los momentos de fábrica en constelaciones aurales de dispositivos –biopsíquicos- no es tanto ya su regulación bajo órdenes de sincronía, su presunta historicidad –ese juego de apertura de la forma de su presente entre un memorar la cristalización espesada de su pasado inmediato con la prefiguracuión virtual de su proyección indecidida, futura, como innovación de algo que aún no estaba. Sino fundamentalm ente el orden y el espacio socioinstrumental en que todo ese vaivén- oscilación se da: que no es otro que el espacio de lo técnico.

Es entonces de una inteligencia técnica –una inteligencia-artificio, pero nunca ha habido otra, todo saber es el producir de los artilugios que él mismo ha venido activamente generando, y la secuencia de sus sedimentaciones y entropías- de lo que hablamos. Este es el reto por excelencia de nuestro tiempo, reconocer un desplazamiento de los dispositivos de saber a su juego y movimiento, a esa eficiencia exenta y potenciada de los dispositivos técnicos. Todo lo que hoy podemos llamar conocimiento es de este orden, juega en esta mesa de apuestas. Fin por tanto de esa voluntad de narrativizar la aventura del espíritu como trazado de concavidades: hacia atrás, hacia lo profundo, hacia lo anterior, hacia lo que ya fue –de un sujeto y su memoria. Fin, sí, de toda la teología esencialista de las almas y sus fantasmas-sujeto

Aquí memoria es tan sólo pura dispersión y solapamiento de suscesos, un oscilar entre la distancia y el roce, trazos en planicies –fogonazos, momentos de sinapsis, relampagueos magnéticos- que describen indistintamente escenarios de sincronía o sintopía –pero siempre entre sucesos tan alejados entre sí como queramos imaginar. Galaxias sin centro ni origen, el plano de este modo de ser de la memoria es una superficie sin límite –y con todas las conexiones entre los puntos pensadas como posibles, como equiprobables, como equidistantes incluso. El centro está en todas partes porque todo es periferia, exterioridad pura: y nada arraiga hacia lo profundo, hacia el arqué, el big bang, o cualquier otra singularidad tensionada que en su opacidad mistérica quisiéramos reponer –jugando todavía a cambiarle los nombres a dios, negrura vacía, usura del ser –para la nada.

En esta diseminación matricial, los recorridos no hacen línea ni orden, sino que fugan multidireccionales en un fragor de secuencias posibles, cursivas, en rizoma. Todo se cruza con todo y cada roce deja sonar su canto: de él surge el sentido como esa mera caricia-chispa de lo encontrado con lo encontrado. No, aquí no hay logocentrismo ni memoria, no hay la regencia de una palabra madre sobre la serie mnemotécnica por ella administrada –en su regular el parecido.

No, aquí la diferencia choca sólo con la diferencia y escucha la producción de secuencias que de ello se sigue: conocer es aquí cualquier cosa menos rememorar, retraer, repetir: es dar flujo y curso y deriva a una cascada de enunciaciones imprevistas, imprevisibles, nuevas en el ser, poéticas.

Sí: esta es la narrativa promisoria que el instalarse de los dispositivos de la tecnología en el campo del conocimiento –y debemos aprender de una vez a relacionarnos con las imágenes como operadores de su índole- acabarán por brindarnos, acaso como primer microrrelato maestro de una episteme aun porvenir. La de un modo de conocer que nunca antes habíamos ni sospechado, no por asimilación sino por deriva, no por resonancia y eco, sino por desinencia –por disonancia – átona, por vibración de ámbito, de copertenencia (a un plano de consistencia instantáneo, provisorio) a un espacio hologramado, totalizado –por la instantaneidad de un pulso que toca, fulguración, la totalidad de sus puntos posibles.

Aquí el concepto es esa rozadura gramatológica de los signos-materia que en su perfecta mudez absoluta ecualizan nuestra capacidad de escuchar el sentido como puro rumor desecado, tensión de incontenida pasión de ser que surca e inventa lo psíquico –justamente allí donde él se sabe siempre en falta, siempre insuficientemente prometido y puesto, siempre atraída en suplemento –como generosa dación posterizada al trabajo de lectura (ese por hacer siempre alucinatorio).

Y toda voluntad de trazar una epistemología interpretativa de rigor sobre este macroescenario habrá de apuntar primero y acaso único al reconocimiento de esas movilidades fulgurantes que en horizontal aproximan lo distinto a lo distinto –bajo el signo de la copertenencia instante-sistémica a un orden de totalidades siempre en suspenso. Lo que se dice –bien dicho- se dice por respecto a ese juego –antisimétrico, antropología enfrentada a su espejo negro- de casi azarosa coincidencia bajo el cielo protector de una unanimidad signada –como espacio total de posibilidades, universo de discurso eventual, incluso dado …

Ahora y allí el espíritu avanza como guía ciega y muda, materialidad absoluta, certera fuerza de producción que va dejando atrás corporaciones imprecisas –cuerpo, documento, archivo, socialidades truncadas y truculenta solapadas en iglesias, razas, etnias, naciones o estados, formaciones de identidad cristalizadas … para aposentarse en el puro territorio de la virtualidad logical, teatrología abstracta de los signos-aparato lábiles, fungibles, movedizos.

Aerolitos imparables que continúan sus curvas de viaje desde el núcleo más oscuro de la materia muda hasta cada flujo sutil de puras temperaturas, infraleves envíos de pensamiento libre …

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Jose Luis Brea

publicado en ::salónKritik::


Apuntes para una didáctica de la educación artística

“El hombre es un dios cuando sueña

y no es más que un mendigo cuando piensa”

Holderlin

1.  GENERALIDADES SOBRE ARTE:

Leonardo Da Vinci decía que la pintura es un asunto mental, pues para él mental quería decir, no meramente intelectual sino algo subjetivo, algo propio del artista y no del paisaje que pinta; el arte era para él  “un idealismo  de la materia”. ¿Cómo pedirle así objetividad al arte?(1)

Lessing advirtió que, a diferencia de las artes plásticas, que son esencialmente espaciales, la novela es esencialmente temporal. De ahí el absurdo  de intentar una literatura según los cánones del cine; puesto que el cine, aun cuando participa de los atributos del arte narrativo tiene, en grado decisivo, peculiaridades de las artes plásticas.

En un cuadro vemos de golpe y simultáneamente toda su realidad, la vivencia estética es integral e instantánea, podemos sentir el todo, estructuralmente, antes de sentir sus partes o de reflexionar sobre ellas. En la narración es al revés.(2)

En cuanto al arte contemporáneo, Juan Antonio Marina, citado por Juan José García Posada en el Colombiano, afirma que “Hoy en día cualquier objeto, el más vulgar, -un urinario, por ejemplo-  se convierte en una obra de arte al exponerlo en una sala”. (…) “La  libertad como espontaneidad conduce a la anulación de la libertad”. De ahí que que en su búsqueda por responde a la pregunta: “¿Dónde está el arte actual?”, este ensayista español, advierte que el arte moderno, como aventura metafísica, nos brinda una enseñanza” La libertad no consiste en una espontaneidad sin criterio, sino en una transfiguración de la realidad. No podemos vivir sin admirar. Cuando cambie la idea de libertad cambiará el estilo de las ocurrencias artísticas”.

Al referirse a los que tienden a decirle arte  a cualquier cosa, amparados en tendencias contemporáneas, termina afirmando: “El arte contemporáneo se ahorcó con la propia soga que había cuidadosamente trenzado”(3)

2.  EL ARTE MAYORITARIO:

Contra los que pretenden, demagógicamente que toda gran obra de arte a la larga es mayoritaria y contra los exquisitos que pretenden lo contrario, creo que es fácil demostrar que ambas pretensiones son sofísticas.

–  Hay Literatura grande y sin embargo minoritaria: Kafka.

–  Hay literatura minoritaria y sin embargo mala; la mayor parte de los poemas que hoy se escriben, meros logogrifos o logomáquicos.

–  Hay literatura grande y mayoritaria: “El Viejo y el mar”.

–  Hay literatura mayoritaria y mala: Historietas, fotonovelas, literatura rosa, casi toda la literatura policial.

3.  SOBRE LA ENSEÑANZA DE LAS ARTES:

Una de las observaciones que debe tener en cuenta el Profesor de Artes, en instituciones educativas, consiste en reflexionar acerca de la institución donde ofrece sus servicios.

Esta reflexión indudablemente determina su forma de trabajar, en otras palabras, determina los procedimientos Didácticos que debe ejercer en clase.

Lo que ocurre es que, no es lo mismo educar e instruir en las artes en colegios convencionales de Educación Básica Primaria o Secundaria, que trabajar en Instituciones creadas para tal fin, como es el caso de la Escuela Popular de Arte, el Instituto de Bellas Artes, las Academias de Música, las Escuelas de Artes y Oficios… etc.

La diferencia tenemos que hacerla porque quienes allí estudian, tienen  intencionalidades concretas: En los colegios de Bachillerato no existen (ni deben existir) requisitos artísticos para su ingreso. No pueden exigirse habilidades artísticas previas para poder aceptar o negar matrícula a los aspirantes.

En cambio en las Instituciones Artísticas, se espera que, quienes allí se matriculan necesariamente buscan poner al servicio de sus estudios, una vocacionalidad tácita o expresa respecto de las artes. Es por esto que en estas instituciones generalmente practican exámenes de admisión a los aspirantes, para poder ser aceptados. Pero son exámenes que no son susceptibles de preparación previa. A esos exámenes no se les puede estudiar nada, porque lo que revisan son habilidades (generalmente innatas o estructuradas desde la primera infancia) y nunca conocimientos.

En un examen de admisión para estudiar guitarra clásica, no importa saber de qué país es originario este instrumento, o a cuántas corcheas equivale una negra con puntillo; lo que interesa es que el aspirante pueda demostrar su capacidad de entonación, su capacidad para ubicar sonidos, reproducir ritmos o señales rítmicas, que pueden ir de lo sencillo a lo complejo. Este tipo de aptitudes no se aprenden, se perfeccionan y se desarrollan, pero -como dirían los poetas- se traen consigo y se llevan por siempre entre las venas, como el germen que prodiga la belleza.

4. COMO SENSIBILIZAR FAVORABLEMENTE HACIA LAS ARTES:

Aquí debemos recurrir a la creatividad de los Maestros para cumplir con este propósito; sin embargo haciendo reconocimiento a los aportes de algunos pedagogos, podemos vislumbrar estrategias como las siguientes:

–  Demostrando nuestro asombro por las cosas bellas donde quiera que se encuentren, desde los elementos más sencillos hasta los más grandes y complejos. Los estudiantes pueden desarrollar su capacidad de asombro, si los motivamos con nuestro ejemplo.

–  Procurando la observación directa de eventos artísticos, por ejemplo: Audiciones de conciertos, Visitas a museos, exposiciones, obras de teatro, recitales, conferencias, cursos extraescolares…etc.

–  Reconociendo que una de las formas de conocernos a nosotros mismo y a los demás es mediante las obras o las expresiones artísticas. Una Obra de Arte lo es, no tanto por ser bella -porque al fin y al cabo este es un concepto subjetivo- sino por ser única, por provenir de un ser que también es único y tiene su propio pasado histórico. Las Obras de arte dejan de ser obras de arte cuando se producen en serie o cuando se las dejamos a las máquinas para que las reproduzcan.

–  Evitando contaminar el contacto con las artes asumiendo el papel de jueces evaluadores o de dictadores antidemocráticos que ordenan con arrogancia ejercicios y tareas que ahuyentan temerosos a los desprevenidos estudiantes ocasionando comportamiento defensivos y aversivos frente al arte.

– No descalificar en ningún sentido y en ninguna forma, aquello que nosotros no consideramos arte, es decir que no podemos hacer de la subjetividad un objeto generalizador y destructor de manifestaciones artísticas. “Sobre gustos no hay nada escrito” -dice el viejo refrán-. Si un estudiante nos oye descalificando una obra o hablando mal de determinada manifestación o estilo, estamos indirectamente descalificando anticipadamente -y sin quererlo- sus aproximaciones al arte.

  1. 5. CONSIDERACIONES  METODOLÓGICAS:

–  Cada vez que deba trabajar las artes y la estética con estudiantes, piense en las diferencias individuales; reconozca que -probablemente- no está trabajando ni total ni parcialmente con artistas.

–  Con esta base ninguno de sus estudiantes está obligado, ni se le puede obligar a actuar como artistas. En este punto debemos pensar en los riesgos y en las “amenazas” que constituyen para ellos el enfrentamiento a un público, -así sea doméstico-  a la censura,  al análisis escrutador y a la crítica de los demás. Nosotros no sabemos cómo funcionarán, en un momento dado, las estructuras psíquicas de los educandos. Cuántas marcas, cuántos complejos desarrollados inconscientemente  y de buena fe por parte de los profesores , al creer que obligándolos o forzándolos a actuar artísticamente, con el poder de las calificaciones, hacemos artistas consumados.

–  El abordaje de las artes nos obliga a considerar la diferencia entre: sensibilizar favorablemente hacia las artes y pretender formar artistas contra la voluntad de los estudiantes.

6.  ¿PARA QUÉ SIRVE LA EDUCACION MUSICAL? (4)

Para clarificar el criterio básico de lo que es Educación Musical, y comprender su nuevo enfoque es importante diferenciar los siguientes términos:

INSTRUIR: Corresponde a dar información.

EDUCAR: Es un proceso esencial de comunicación a través del cual transmitimos vivencias, actitudes y orientaciones. Educar es formar.

Dentro de este último criterio van involucradas las acciones de enseñar e instruir, como resultado de un doble proceso de enseñar-aprender.

Respecto de la música, el cambio se da en la acción misma: ya no se trata de enseñar o instruir musicalmente a unos pocos, sino de educar a muchos, ojalá a todos, desde su primera infancia, desde su primera edad escolar y a lo largo de las diferentes etapas de su desarrollo y de su escolaridad.

Lo ideal es que esa educación musical se le proporcione al niño dentro del aula escolar que allí realiza, y como una materia básica en el proceso de aprendizaje y desarrollo del niño en la escuela.

7.  ELEMENTOS DE LA EDUCACIÓN MUSICAL

La educación como formación se basa precisamente en el desarrollo de las capacidades musicales del individuo, como son: La capacidad auditiva, la capacidad vocal, la capacidad de entonación, el desarrollo rítmico, el desarrollo psicomotriz. Además todos los aspectos que relacionan directamente los elementos musicales con las características humanas: memoria musical, imaginación musical, sensibilidad, sensorialidad, inteligencia, creatividad, capacidad de análisis (espíritu crítico) disciplina mental y física.

Para lograr estos desarrollos, la música se vale de elementos variados que tienen que ver con las acciones de:

Escuchar:  En cuanto a recibir estímulos sonoros variados, aparear, discriminar, seriar, clasificar diferentes sonidos, , objetos e instrumentos sonoros, voces, motivos y trozos musicales.

Cantar: En cuanto a repetir o reproducir lo que se escucha, entonatr  motivos y trozos musicales e interpretar canciones, muchas canciones, infantiles, populares, folclóricas, clásicas…

Moverse: En cuanto a desplazarse, caminando, corriendo y saltando en distintas formas y direcciones. Reaccionar corporalmente a diferentes estímulos sonoros, realizando cambios en la velocidad y la intensidad de los movimientos. Vivir la música, su ritmo, su fraseo, sus matices, sus melodías, es decir todos sus elementos, corporalmente.

Tocar: Que va desde percutir corporal e instrumentalmente ritmos y trozos musicales hasta interpretar un instrumento.

Inventar (Improvisar): Ritmos, melodías,  movimientos, canciones, etc.

Para poder orientar la acción, es necesaria una formación profunda de la persona que la va a dirigir: un maestro con conocimientos tanto de la música como de la Pedagogía, para que su labor con los alumnos sea transformadora y creativa.

Aportes y ventajas.

Estos son los aspectos que más preocupan en la actualidad. Algunos maestros y no pocos padres de familia, a veces preguntan: ¿Y para qué todo esto si mis alumnos, si mis hijos, no van a ser músicos?

Ahí está el error. Cuando la Educación Musical se “mete” en el aula de clase, como acción impulsadora, como acción transformadora, como acción creativa, va más allá, va mucho más lejos que la simple acción de enseñar a cantar, de enseñar a tocar un instrumento… ¡de enseñar música!

Entonces, ¿Cuáles son esos aportes?

7.1.  Un buen desarrollo  auditivo:

7.1.1.  Incrementa en el niño su receptividad sensorial, que le permite una mayor concentración  en las clases, para escuchar las explicaciones y exposiciones, para recibir y aclarar mensajes, para asimilar y comprender con una mayor precisión. Además le facilita el aprendizaje de los idiomas (lengua materna, segunda lengua).

7.1.2.  Los pasos en los cuales se basa este proceso, o sea discriminar, comparar, diferenciar, aparear, seriar, clasificar, le están dando al niño las bases de la lógica en el proceso del pensamiento.

7.2.  El proceso vocal o de entonación, que se basa en una buena respiración  y relajación  articulación y vocalización , colocación y emisión de la voz y pronunciación de palabras y frases.

7.2.1.  Contribuye a que el niño utilice esas mismas técnicas, al leer, hablar o pronunciar cualquier idioma, así sea su lengua materna o un segundo idioma.

7.2.2.  En la parte expresiva tanto del cantar, como del resto de la producción musical, va a proporcionar una búsqueda de nuevas y diferentes formas de expresión para hablar, leer, exponer, comunicarse…

7.3.  El desarrollo rítmico que se realiza utilizando diferentes medios lenguaje -movimiento-, percusión corporal e instrumental, permite al niño:

7.3.1.  El equilibrio de sus desplazamientos y movimientos de locomoción.

7.3.2.  Control psicomotor en su desarrollo, para efectuar dos o más acciones a la vez.

7.3.3.  Destreza y control en el movimiento de cada una de las partes del cuerpo.

7.3.4.  Es una experiencia preventiva para los problemas de aprendizaje de la lectura y la escritura.(5)

7.4.  La atención y concentración que exige la práctica musical:

7.4.1.  Facilita la asimilación del conocimiento.

7.4.2.  Agiliza los procesos mentales dentro del aprendizaje.

7.4.3.  Proporciona destrezas en la disciplina mental para la adquisición de nuevos conocimientos.

7.5.  Los trabajos musicales específicos de memoria musical:

7.5.1.  Incrementan las funciones de la memoria, en cuanto a: repetir, retener y recordar.

7.5.2.  Proporciona técnicas que agilizan el aprendizaje.

7.5.3.  Facilitan los mecanismos asociativos.

7.6.  Los trabajos musicales que se basan en la imaginación, sensibilidad y  creatividad:

7.6.1.  Amplían el ámbito de la expresión, inherente a la condición humana.

7.6.2.  Abre el panorama artístico en dimensiones amplias y enriquecedoras.

7.6.3. Impulsa la acción creadora, la investigación y el estudio.

7.7  El trabajo musical de análisis y síntesis que se da a través de la apreciación musical y del estudio de la forma y la armonía musical:

7.7.1.  Contribuye a la estructuración del pensamiento analítico, fundamental en el estudio de las ciencias matemáticas y biológicas.

7.7.2.  Amplía la criteriología (sic.) de especial utilidad en el estudio de las Ciencias Sociales y en las humanidades.

Así  podríamos seguir  enumerando ventajas, aportes, beneficios que proporciona la experiencia musical al desarrollo integral del ser humano.  Al finalizar esta parte, es bueno recordar esta frase “Una vida sin música, es como un día sin sol”; que nuestros colegios y escuelas inunden de sol las vidas de nuestros alumnos, de nuestros niños colombianos. Reclama  la pedagoga musical Gloria Valencia.

8.  ¿CUÁNDO ACTUAMOS EN CONTRA DE LOS PRINCIPIOS DIDÁCTICOS DE LAS ARTES?

  • Cuando hacemos de la clase un escenario de angustias y temores.
  • Cuando decidimos “obligar” en vez de “seducir” .
  • Cuando desconocemos las diferencias individuales.
  • Cuando consideramos que todos deben y pueden ser artistas consumados.
  • Cuando utilizamos la memorización para empequeñecer y frustrar.
  • Cuando nos dedicamos a evaluar aptitudes, en vez exaltar las actitudes.
  • Cuando aislamos las artes de los procesos de integración curricular.
  • Cuando confundimos la instrucción artística con la educación artística.
  • Cuando trabajamos a espaldas del contexto artístico que nos rodea.
  • Cuando desconocemos la historia de las artes.
  • Cuando no estudiamos sobre los valores artísticos de nuestro medio.
  • Cuando no enseñamos a amar lo nuestro.
  • Cuando no propiciamos las investigaciones en las artes.
  • Cuando creemos que las aptitudes innatas para las artes se pueden adquirir, como se adquieren las actitudes hacia las artes.
  • Cuando no respetamos la personalidad de los demás.

9.  LOS PENSADORES OPINAN:

” La misión del arte no es copiar la naturaleza, sino darle expresión” (Honore Balzac)

“Se debe tratar a la obra de arte como a un gran hombre: quedaos delante de ella y esperad pacientemente a que se digne hablar” (Shopenhauer)

“El arte es contemplación: es el placer de un espíritu que penetra en la naturaleza y descubre que esta también tiene un alma” (August Rodin)

“El deber del artista no es traicionar su destino” (José Carlos Mariátegui)

“¿Qué es el arte, después de todo, sino un mensaje de amor a toda la humanidad?” (Charles Chaplin)

“La belleza perece en la vida, pero no en el arte” (Leonardo Da Vinci)

“Aunque recorramos el mundo en busca de belleza, si no la llevamos dentro, nunca la encontraremos” (Ralph Waldo Emerson)

–  “Quien diga que los pensamientos no se pueden ver, no conoce el arte”  Wynetka Ann Reynolds.

–  “Uno de los secretos del arte de alargar la vida y hacerla fructífera es perdonar todo y a todos, todas las noches antes de acostarnos”. Ann Landers.

–  “Yo no entiendo nada de arte… solo sé que frente a tus cuadros, se deleita mi mirada”. B. Giraldo.

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Julio Roberto Sanabria Salamanca

Documento en estudio, elaborado en colaboración con los Profesores de las Escuelas adscritas al Proyecto “Pléyade”, asistentes al Curso “Didáctica de las Artes”. Escuela Normal Superior de Medellín. 1999

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BIBLIOGRAFIA

BOU, Lluis Ma. “Cómo enseñar el arte”. Ceac. Barcelona. 1989

GARCIA POSADA, Juan José. ¿”Dónde está el arte ahora?” en: Literario Dominical. “El Colombiano”. 29 de Junio de 1997

SABATO, Ernesto. El escritor y sus fantasmas. Seix Barral. Barcelona. 1983. p. 56

VALENCIA MENDOZA, Gloria. Educación Musical. En periódico “El Tiempo”. s.f.

® J-Didáctica

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(1).  SABATO , Ernesto. El escritor y sus fantasmas. Seix Barral. Barcelona. 1983. p. 56

(2).  Ibid. p.58

(3).  GARCIA POSADA, Juan José. “¿Dónde está el arte ahora?” en: Literario Dominical. “El Colombiano”. 29 de Junio de 1997.  p. 3.

(4). Aportes de VALENCIA MENDOZA, Gloria.  En: Periódico “El Tiempo” s.f.

(5).  No les denominamos DISLEXIAS ó DISGRAFIAS, porque para poderles llamar así,  es necesario un diagnóstico que muestre oligofrenia en algún grado, o en su defecto, lesión cerebral.   J.R.S.