¿Por qué de repente ahora todo debe procurar sentido?

El próximo jueves 31 de marzo de 2011 se realizará sin permiso en el Museo de Arte de Pereira la socialización de la galería Sisben, un espacio de apropiación.

En este escenario expositivo se ha proyectado la reja metálica y la cruda arcilla resinosa por la palma cerosa algunos dispositivos que sirven de soporte para la obra bidimensional de registro de acontecimientos variados de arte o el entorno artístico tecnológico apropiado para el desarrollo de acciones o eventos arte.

El Museo Tecmit influye en la región desde dos lineamientos de creación para la investigación, a saber, declive argonovisal a 30 grados describiendo la pendiente telúrica del museo de Arte de Pereira, lugar en declive psicogeográfico y encuentro de emisión irénico. Sobre esto último ya existen diversos pronunciamientos, en particular rescatamos de la cartilla proyecto editorial arte el comentario del beato Rigoberto (siglo XII, abadía Conceles, alto pirineo francés, de idioma Catalán cerrado) . Dice el beato F, o , Rigoberto F, dos de las formas como mejor se le conoce luego de desafiar la vertiente longitudinal que marca los 3 grados norte occidente de la cúpula crítica arte generacional ubicada en el ala norte del edificio mítico Museo tecnológico y de arte contemporáneo de la Universidad Tecnológica de Pereira en Colombia, “ resumidas las cuentas, ahora se presenta el momento de participar en algo que produzca sentido: hielo en sangre roja de pollo mancillado, comensal salubre y ala ganadora de exiguos libros sin nombre”.

La Galería Sisben sólo utiliza los espacios con sus significados, nada más. Ahora el Museo F, de fisicidad creíble emula la amistad como principio o gesto de curaduría. Queda en algo incierto el principio social que se debate o la función relacional de la directriz del escenario apropiado para la memoria inmediata. Por supuesto no entraremos a debatir el por qué de la función del arte para la gente, no tanto para el público, ya que, así como bien lo enuncia crípticamente Rigoberto F de lo que se trata es de participar en un “algo” que produzca sentido.

El Museo Tecmit propuso no hace mucho tiempo una acción de reconocimiento de lo social dado en la participación, también con la triste premisa de encontrar sentido. Nos preguntamos que el hielo en sangre roja dictaminado con superbia por el literato beatificado F ya debió, en su momento de tención crítica, inscribir a una buena profundidad ese pasado inmediato de que habla la crítica curadora Rosa Angel en su ya famoso y citado libro sobre las recetas para ganar enemigos con facilidad. ¿Por qué de repente ahora todo debe procurar sentido? Al parecer, no podemos alejarnos, por lo menos conscientemente del sentido, ya que inevitablemente caeríamos en un lugar neutralizado  gris, por no decir gris magnantina, único vestigio de color fulgurante extraído de los moscardones coléricos que merodean lastimeramente el prisma de cristal del museo Tecmit en épocas de lluvias y mierda humana.

He pretendido alejarme del sentido, no lo voy a negar, ahora que ya entiendo mi papel en el cuadrilátero donde pelea el enfermo mental reconocido por sí mismo en el reflejo y el asesino de padres y violadores de madres. No, no lo voy a negar a pesar del durísimo prólogo del libro de los encierros publicado por la exigua y pobre anterrectoría roja (corte vicérricas del anonimato y la limosna). Allí, en ese texto lamentable en referencias metafóricas, encontramos retratos de elegantes señores ingenieros sedientos de cuadros grandes y llamativos, un tanto inseguros de querer en sus casas imágenes con sangre o babas de galanes jóvenes e inexpertos en el manejo de la diplomacia. Todo esto nos lleva, increíblemente, al sentido ya que, como vemos, se procura una creación y con ella un abandonarse tranquilo sobre arenas inseguras. En otras palabras el sentido consiste en ser serio.

La galería Sisben no ostenta permiso alguno para generar un evento de apertura de sí misma en una institución arte. De hecho, la galería Sisben cuenta con ese no contar con permiso para accionarse, ya que cumple a cabalidad su mecánica de funcionamiento mediado en la manifestación clara y directa de un propósito. Aquellos que deseen participar pueden allegar el día 31 de marzo una obra MAESTRA  o en camino para alcanzar su maestría de creación estética, para ser representada y exhibida en el espacio de la galería, que a todas luces, es un espacio apropiado temporalmente. El Museo Tecmit simplemente podría no hacer nada, pero el sentido fuerza al grupo curatorial y de gestión “cultura de pasado inmediato” a hacer algo, con el objeto de continuar transmitiendo una voz, un estado, una situación en contexto, fuera del Museo de Arte de Pereira pero substancialmente pertinaz y dentro del nutriente mítico conceptual del Museo Tecmit y su espacio de proyectos galería Sisben.

Varios literatos profesionales han llamado la atención sobre aspectos meramente formales acerca del proceso de convocatoria y el uso de publicidad con algún dejo de engaño, pero las pruebas objetivas acusatorias fácilmente perdieron su efectividad cuando la producción del otro sentido, esta vez, sentido del arte a secas, nos arrojaba hacía la bahía estéril de la institución arte fuertemente atacada con puños arte por Salsita.

El sentido entonces, además de consistir en ser un artista serio, tiene que ver con la profesionalidad artística del fabricar barquitos de papel mientras se labora, quizá como una bondad más de los archivos enmohecidos y algunos calcinados que reposan en los viejos anaqueles empotrados de la fuente energética del Museo del niño cíclope. Los barquitos lograrán la participación y la relación afanosamente convocada en tiempos de carestía y cansancio también ideológico, independiente del gusto o la muerta cultura.

La clave de todo este asunto galerístico y de proyección social, tiene que ver con la tarea enunciativa e iniciática del vestigio fósil argumentado en extrañas filosofías clavijeras entre quebradas donde el profesor chamán salsita y púgil nada pueden ya satisfacer: nos encontramos en las manos de la ignorancia.

Museo Tecmit

http://museotecmit.blogspot.com/2011/03/imagen-de-paisaje-psicogeografico.html

 


La moda es fascismo

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Hace ya un tiempo que los medios de comunicación internacionales nos desayunaron con el escándalo Galliano. El famoso diseñador habia hecho gala públicamente de su amor por Hitler. En realidad el escándalo no dejaba de ser otra mercancía más para animar la producción de infoentretenimiento. Ya que el modisto no hacia sino expresar en voz alta lo latente, a saber: que el mundo de la moda no es sino una herramienta de dominación, uno de los peores brazos armados del capitalismo de ficción.

No es cosa nueva. Coco Chanel, interrogada por sus relaciones con la oficialidad nazi -al parecer un regimiento- durante la ocupación francesa, respondió: ” Mi corazón es francés, pero mi coño es internacional”.

Pero no solo se trata de actitudes privadas como la de Galliano o la de Chanel, sino que de vez en cuando el mismo mundo de la moda es incapaz de resistirse a mostrar su estructura oculta, como pudimos comprobar el año pasado con el desfile de presentación de la colección de Emporio Armani 2011.

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Un desfile del que, otro italiano experto también en desfiles, el mismísimo Benito Mussolini, estaría orgulloso. La referencia a los abrigos de cuero de la Gestapo, al uniforme de las SS y a los “camisas negras” fascistas es más que evidente.

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A los camisas negras se les podría reprochar muchas cosas, nunca su sentido estético, tan chic.

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Francesco Barbaro es otro modisto encantado con la estetización de la política

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Recuerda querido lector: FASHION IS FASCISM

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publicado por Contraindicaciones

 


¿Funciona la vitrina de Lugar a dudas como plataforma pedagógica?

En este ensayo hablare de la vitrina  de Lugar a dudas. La vitrina  es un espacio dentro de la fundación lugar a dudas en el que se exponen trabajos de artistas locales o extranjeros, este sitio se encuentra ubicado en la calle15 norte #8n-41 de Santiago de Cali.

Se habla en Cali de hacer expandir el arte, de que trascienda fronteras  entre público preparado y no preparado. A diario en los discursos de algunos artistas que cuentan sus experiencias,  se observa como estos en muchas ocasiones  han  manipulado a  personas  con el fin de llevar sus ejercicios o propuestas artísticas  a cabo. Supuestamente lo que se busca en muchas de estas propuestas es generar plataformas pedagógicas  para que  el lenguaje del arte sea decodificado por toda la ciudadanía.

No se si debido a esto las instituciones caleñas vinculadas al arte  han decidido  dentro de sus propuestas metodológicas  proponer espacios alternos para contribuir con el desarrollo pedagógico a nivel artístico, entre estos espacios  se encuentra la fundación lugar a dudas con su propuesta la vitrina,  que según ellos busca acercar al transeúnte del común hacia la experiencia estética, cosa que me resulta compleja  pues  creo que el espacio se queda corto en cuanto a lo pedagógico, convirtiéndose en como su nombre lo dice una  mera vitrina que es observada por quien  pasa sin saber o tener un vago indicio de que es lo que se vende allí en realidad.

Para profundizar en los conceptos respecto a la problemática que trataremos  es necesario observar lo que dice lugar a dudas respecto a su espacio de la vitrina: “se trata de seducir al transeúnte desprevenido, al “espectador no formado” que confronta en su imaginario, diversos tipos de soportes de exhibición (vitrinas). Es por eso que la finalidad de este proyecto a la fecha, es el de construir en el imaginario caleño un acervo cultural, lograr que el espectador asiduo de la vitrina, construya un museo en su cabeza, una especie de colección privada de arte contemporáneo. De total acceso, casi portátil y siempre vigente.  Al consolidar un nuevo formato expositivo para la ciudad y un discurso mas accesible, se propiciaría la formación de públicos, la labor pedagógica”.

¿Labor pedagógica?

¿Formación de públicos?

¿Museo en su cabeza?

Hablar de labor pedagógica es muy bonito, suena muy interesante la propuesta de lugar a dudas respecto  llevar a cabo una labor pedagógica que posibilite el acercamiento del transeúnte del común hacia las propuestas estéticas contemporáneas. Pero creo que allí hay un par de ideas  por revisar. Por estos días en nuestra ciudad  hay una discusión interesante en la manera en que la pedagogía debe ser llevada hacia el arte, algunos piensan que el arte la tiene de forma intrínseca  o cuenta con el componente pedagógico por si solo, otros creen que se debe nutrir a la gente de conocimiento para que pueda a la hora de enfrentarse a una propuesta estética (plástica)resolver el encuentro gracias a los conocimientos aprendidos, yo soy de los que piensa que hay que balancear un poco la cosa debido a que no toda   la gente que vive en Cali posee en su cerebro  nociones básicas sobre arte.

La pregunta que me hago es ¿se disfruta lo que no se conoce?, quien sabe a lo mejor si recurrimos a Kant o algún otro filosofo diría que si pero a mi no me interesa aquí sentar o traer voces ajenas y que no están presentes en este momento para hablar de la forma en que la gente lee las propuestas de la vitrina de lugar a dudas  en nuestra ciudad. Los tiempos han cambiado, por ende el arte también,  razón por la cual  es necesario tratar de que verdaderamente si se quiere que la “gente del común” asimile propuestas artísticas contemporáneas, hay que  lograr que de algún modo u otro conozcan  tan siquiera conceptos básicos que les  brinden las herramientas necesarias  para que a la hora de enfrentarse a estos acontecimientos expositivos puedan entrar en dialogo.

No es justo hablar de incluir a transeúntes del común y creer que esto se consigue con el mero hecho de presentarles imágenes o  artefactos sin despertar su necesidad de análisis. Se supone que el arte busca generar crítica, repensar contextos, vislumbrar, sentir, producir algo, cuestionar la sociedad, crear diálogos. Pero si no se tienen nociones los diálogos jamás realizaran su tan esperada aparición.

Es necesario formar públicos porque en Cali no hay. Es vergonzoso que cuando se realizan algunos eventos artísticos “grandes” como el pasado 41 salón nacional de artistas, la alcaldía tenga que echar mano de una publicidad barata para llevar a colegios, grupos de la tercera edad, reinsertados,  etc. Todo con el ánimo de mostrar que las exposiciones tuvieron acogida, arguyendo a que la gente  caleña tiene un conocimiento actual sobre arte gracias a que siempre asiste a  este tipo de eventos. Desafortunadamente más allá de las propagandas o del afán del alcalde por entregar resultados, esta la realidad diciéndonos que en Cali los públicos a los que les interesa el arte son escasos.  Como ven  no es una aseveración que hago de gratis cuando hablo de la carencia de públicos, aunque si aun lo están dudando los invito a  recordar las caras que fueron alguna exposición hace un mes y mirar las que fueron ayer o antes de ayer a otra.  Haber recuerden ¿Qué vieron? No me digan ya se, lo que vieron no es mas que a los mismos artistas de siempre,   los mismos estudiantes  o  los mismos profesores que acuden  en torno de una copa de vino,  a mirar caras conocidas para entablar charlas en las que lo que menos importa en algunos casos es lo que inicialmente los ha congregado en ese espacio (la exposición).

Creo que debemos preguntarnos si el interés en realidad es generar públicos o si por el contrario es mantener al arte y a quienes lo hacen en un estado de locura e incomprensión, porque déjenme decirles que para muchos de los llamados transeúntes del común lo que los artistas hacen o hacemos, no es más que  guevonadas, suena feo pero es real.  Como no van a llamarlo de ese modo si la gran mayoría de la ciudadanía caleña no asiste al museo, es mas algunos nunca asistieron y creo que jamás asistirán porque la función de inclusión de la que tanto se habla en espacios artísticos no es llevada a cabo de buena manera.  No es mi intención tampoco decir que todos estos intentos no funcionan o que son lo peor, lo que propongo es una revisión del discurso así como un mayor acompañamiento en estos procesos que buscan transformar el pensamiento del  transeúnte del común.

Por ejemplo en el caso de lugar a dudas  si se revisara la parte del discurso así como  la forma en que se le esta dando cumplimiento, quizás no quedaría tan desligada la practica actual del concepto primario con el que se creo el espacio de la vitrina. Desde la primera vez que leí la idea central de lo que es la vitrina, sin lugar a dudas lo que me pareció mas interesante sobre todas las ideas  allí  esbozadas, es la que propone que el transeúnte del común cree su propio museo en su cabeza.  Pienso que para lograr que esto sea  una realidad, toda la información que reposa en este espacio debe ser llevada hacia los transeúntes del común. No es una tarea fácil sin embargo pienso que hay que tratar de hacerla.

Lugar a dudas cuenta con  una gran cantidad de material de conocimiento (libros, videos, revistas, charlas) que se podría articular un poco más con la propuesta de la vitrina. Si de algún modo los transeúntes del común que pasan y observan las propuestas estéticas de la vitrina tuvieran una mayor familiaridad con todo ese material, a lo mejor se podría por fin dar cumplimiento a las ideas que se esbozan en el discurso que sustenta la  practica expositiva de la vitrina. Hay que conseguir que el transeúnte despierte un afán de conocimiento, que se interese más que en ver, en dar respuestas sobre lo que ve,  para que ingrese al espacio de la biblioteca de lugar a dudas a nutrirse de todo el conocimiento que reposa allí.  De ese modo se lograría que ellos no sintiesen brechas tan grandes entre el arte contemporáneo y sus cerebros.

Algo que hay que tener claro es que en ningún momento el transeúnte del común ha solicitado que estas propuestas estéticas le sean llevadas hacia su territorio (espacio publico), por el contrario ha sido la misma institución Arte, la  que en su afán de mantener la disciplina, ha buscado generar incógnitas por medio de sus propuestas estéticas  en la gente  con el fin de que los públicos crezcan y se involucren con la producción artística occidental. Estas propuestas  lo que han tratado de hacer es llevar el espacio del cubo blanco agonizante a la calle logrando con esto en algunas ocasiones choques conceptuales entre las piezas y quienes las observan. De esta manera se hace posible que los discursos de artistas día tras día sean menos fundamentados en discursos comprensibles, contribuyendo con esto a que la producción no sea vista con el suficiente análisis por parte de una sociedad que día tras día le va importando menos lo que suceda en el panorama artístico actual, posibilitando así  legitimaciones mediocres que se aprovechan de ese todo vale en el que nos estamos sumergiendo estudiantes, pedagogos, artistas y transeúntes del común.

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Jairo Alberto Cobo Leon


El Guggenheim de Abu Dhabi, arrinconado

A propósito de la polémica en la construcción de la nueve sede del Guggenheim. El arranque de la Bienal de Sharjah, que este año cumple su décima edición, no ha sido para algunos todo lo plácido y festivo que pudieran imaginar, especialmente para Suzanne Cotter. La comisaria de la Bienal es, además, la responsable de programación del Guggenheim de Abu Dhabi, aún en construcción en Saadiyat Island –que se traduce paradójicamente como la Isla de la Felicidad-, un museo que se ha visto envuelto en polémica desde el inicio de su planificación y que llevará la firma de Frank Gehry.

En plenos fastos inaugurales, con la presencia del jeque Sultan bin Mohammed Al-Qasimi III y de muchas de las grandes estrellas del universo del arte contemporáneo internacional, un artículo publicado en el New York Times por Nicolai Ouroussoff insistía en lo que ya había denunciado The Art Newspaper la semana anterior: el boicot por parte de 130 artistas al Guggenheim de Abu Dhabi a la vista del maltrato laboral que sufren los trabajadores que lo construyen, un proyecto que cuenta con un presupuesto de 800 millones de dólares. La plataforma, liderada por Walid Raad y Emily Jacir, ha escogido el momento idóneo para hacer de nuevo públicas sus demandas, cuando la atención del mundo del arte está centrada en los Emiratos Árabes con la bienal y la feria de Dubai inaugurando el mismo día.

La lista de firmantes, artistas, escritores y comisarios crece a buen ritmo. Para sonrojo de Suzanne Cotter, que echó balones fuera ante las preguntas de los periodistas, el jueves 17 de marzo se adherían Rasha Salti, co-curator de la bienal y Haig Aivazian, su comisario asociado. Además, grandes nombres no necesariamente vinculados al arte de la región como Tiravanija, Hirschhorn, Cardiff y Bures Muller o Andrea Fraser han estampado también su firma. Cotter, con quien no va la cosa pues no es ella quien diseña las tramas laborales de la construcción del edificio de Gehry (ella diseña otras tramas, y buenas, como “Plot for a Bienal”), era la punta de un iceberg que tiene visos de convertirse en escándalo.

La queja se hizo oficial a través de Human Rights Watch en 2009 a partir de las ínfimas condiciones de trabajo en que vivían los empleados por la factoría Guggenheim. Al parecer, muchos de los trabajadores habrían recibido un dinero previo a su contratación, tras la cual se habrían comenzado a sufrir prácticas deleznables, les habrían sido retenidos los sueldos y retirados sus pasaportes para evitar su huída. Como suena. Según el NYT, Armstrong negó todas las acusaciones y aseguró haber mantenido una reunión con los trabajadores de la isla, en torno a 15.000, en la que les habría prometido una mejora de su situación. Saadiyat Island es un complejo turbio. Situada a tan solo 500 metros de la costa de Abu Dhabi, ejemplifica con claridad los hábitos abusivos que se dan con preocupante frecuencia en los Emiratos Árabes, donde un altísimo porcentaje de la población está compuesto por trabajadores asiáticos, fundamentalmente indios, pakistaníes y bangladeshíes, y procedentes de otros países africanos que viven en condiciones paupérrimas. Nadie puede acercarse a ver las obras (pese a los intentos de no pocos comisarios, algunos de ellos de relumbrón, que preferían no ser vistos por los periodistas allí presentes) y todo está envuelto en el más escrupuloso silencio. Hay voces que advierten de que tanto retraso en la construcción del edificio, cuya apertura se prevé ahora en 2015, es sintomática de la precariedad de una situación que puede derivar en la cancelación definitiva del proyecto.

La postura de Raad, Jacir y compañía es inamovible: “Nadie debería ceder obras a un museo cuyo edificio ha sido construido con el esfuerzo de trabajadores explotados”, dijo el libanés al NYT. Los artistas son muy conscientes de la enorme importancia del papel que juegan en la estructura del arte de la región y saben que sin sus trabajos –y sin su asesoramiento- difícilmente se podrá montar una colección decente en el Guggenheim.

Es interesante ver cómo las revoluciones que estos días se gestan en el mundo árabe tienen también su eco en el ámbito no siempre solidario del arte contemporáneo. También el día de la inauguración, un grupo de artistas se manifestaba en el puerta del Sharjah Art Museum, la sede principal de la bienal, contra la represión que sufrían los manifestantes en el pequeño reino de Bahrein, donde, según ciertas fuentes, hasta 7 personas podrían haber muerto a manos de unas autoridades que contaban con la ayuda de tropas saudíes y de policías procedentes de los propios emiratos. Un grupo de 7 artistas liderados por la palestina Ahlam Shibli, portaban carteles con los nombres de los fallecidos al paso de la comitiva oficial. No duraron mucho, claro, porque los miembros de seguridad pensaron que quizá a los jeques no les iba a gustar mucho leerlos.

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Javier Hontoria

publicado por A Desk*

 


Documenta 13: Déjame ser una nave espacial

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El blog de arte Cathedral of Shit se hace eco del lanzamiento de la web de Documenta 13 y sus puntos rectores con su habitual estilo:

Detengan las imprentas !!!

La página web de la Documenta ha sido presentada hoy !!!

Y con ella nos llegan las sabias palabras de su Directora Artística, Carolyn Christov-Bakargiev: “Vivimos tiempos trágicos, por lo tanto, no nos los podemos tomar por la vena trágica.”

Si señora, toda una suerte porque con lo de Japón, Libia y Costa de Marfil nos estábamos preocupando un poco. Pero la Bakargiev Ladradora tiene razón, no debiéramos tomarnos eso a mal. Las cosas podrían ir peor – podríamos tener la segunda inflacción más alta de Europa o algo !!! De todos modos, en la web en cuestión se presenta una lista de puntos y preguntas retóricas de moda. Todas ellas fantásticas, en particular la última, que dice:”Podría dOCUMENTA 13 funcionar como nave espacial o como una cueva?”

Y la respuesta a esto es “Claro que no, vieja vaca loca”.

El post original

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publicado por Contraindicaciones

 


Cantinflas: del Arte del discurso al Discurso del Arte

Se atribuyen a Lacan, Derrida, Deleuze et al., las bases formales de la logorrea estética contemporánea. El fárrago gramatical, las megapirámides de cartas verbales y el vudú del enredo semiológico. El Arte de no decir nada de forma grandilocuente, heróica y pomposa. La noción de que la profundidad es directamente proporcional a la confusión y de que se puede dotar del aliento de la vida a lo inerte, a la estupidez misma y a la falta de talento por medio del embrujo chamánico del lenguaje. Se atribuye a éstos brujos el haber recuperado para el lenguaje los poderes mágicos del animismo. Gracias a ellos Perico de los Palotes y Eróstrato han sido redimidos y son ahora los nuevos Demóstenes. Gracias a ellos el petimetre analfabeta se pavonea hoy como un nuevo y hermético Cagliostro que posée los sellos secretos y los talismanes de la semiótica y el Gayatri Mantra de la iluminación trascendente. Y es gracias a ellos que al sofista necesitado de fondos le aparecen dos cabezas que no se conocen entre sí: una que asume la defensa heróica y la otra la critica despiadada… del mismo tema.

No obstante, mucho antes que éstos maestros del nudo marinero del lenguaje, es el genial Cantinflas, en una de las famosas “carpas” del Mexico de los años 30, quien inaugura para el siglo XX lo que más tarde se conocerá como “discurso cantinflesco”.

Examinado sus célebres discursos creemos que no sería descabellada la tesis de que en la Sorbona, Nanterre, París VIII, L´ École des Hautes Études en Sciences Sociales y las universidades norteamericanas, existíó desde los años 50 un conocimiento de Cantinflas que pudo haber inspirado el estilo y construcción del discurso post-estructuralista y las teorías del Arte Contemporáneo. Ésto, de comprobarse, sería ni más ni menos la demostración de que la colonización cultural inversa sur-norte, el Santo Grial de la teoría contemporánea del Arte Latinoamericano, es posible. Que el laberinto retórico de la contemporaneidad estaría inspirado en el discurso cómico de un mejicano sería una estimulante señal de que la contaminación periférica de las raíces del mundo intelectual occidental es más que posible.
El inefable Carlos Monsivais nos cuenta como se dió éste momento crucial.
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“Por fin logró salir de su laberinto de retruécanos”.
Carlos Monsivais en la muerte de Cantinflas en 1993 

De acuerdo a una leyenda con la que él está de acuerdo, el joven Mario Moreno, intimidado por el pánico escénico, una vez, en la Carpa Ofelia olvidó su monólogo original. Comieza a decir lo primero que le viene a la mente en una completa emancipación de palabras y frases y lo que sale es una brillante incoherencia. Los asistentes lo atacan con la sintaxis y él se da cuenta: el destino ha puesto en sus manos la característica distintiva, el estilo que es la manipulación del caos. Semanas después, se inventa el nombre que marcará la invención. Alguien, molesto por las frases sin sentido grita: “Cuánto inflas” o “en la cantina inflas”, la contracción se crea y se convierte en la prueba del bautismo que el personaje necesita.

¿Cuál es, de acuerdo a los testimonios de época, la renovación humorística y lingüística de Cantinflas que dio origen a la ideología estrictamente verbal llamada cantinflismo? Aventuro una hipótesis: él transparenta la vocación de absurdo del paria, en parte desdén y fastidio ante una lógica que lo condena y lo rechaza, y encuentra su materia prima en el disparadero de palabras, donde los complementos se extravían antes de llegar al verbo. Cada noche, en feroz competencia con charros cantores y títeres y tenores que no salen al escenario porque siguen borrachos, los movimientos ordenan el caos de los vocablos, y el cantinflismo es el doble idioma de lo que se quiere expresar y de lo que no se tiene ganas de pensar (por eso, cuando Cantinflas renuncia a la mímica, se deshace de la esencia de su sentido cómico).

Un cuerpo acelerado traduce temas urgentes: lo caro que está todo en el mercado, la chusquería involuntaria de gringos y gachupines, las bribonerías de la política, la incomprensión del acusado ante el juez, la estafa que acecha en todo diálogo entre desconocidos. Con trazos coreográficos, el cuerpo rescata sustantivos y adjetivos en pleno naufragio, y al acatar esta pedagogía, los campesinos recién emigrados, los obreros y los parias aprenden las nuevas reglas urbanas y se distancian como pueden del hecho estricto de la sobrevivencia.

A Cantinflas no lo apuntalan sus guionistas sino su don para improvisar las cosas que no se le ocurren. A la falta de recursos, Cantinflas le opone la feliz combinación de incoherencia verbal y coherencia corporal. El libera a la palabra de las ataduras lógicas, y ejemplifica la alianza precisa de frases que nada significan (ni pueden significar) con desplazamientos musculares que rectifican lo dicho por nadie. La lógica noquea al silogismo, la acumulación verbal es el arreglo (la simbiosis) entre un cuerpo en tensión boxística y un habla en busca de las tensiones que aclaren el sentido.

Carlos Monsivais

Examínese la técnica. La cabeza emprende un movimiento pendular y esquina a un enemigo invisible, los brazos se disponen a un encuentro con el aire, la expresión sardónica se ríe del mundo, las cejas se levantan como guillotinas, el choteo es igual y es distinto, no me diga, cómo no, ay qué dijo, ya se le hizo, a poco… La acústica se desliza de onomatopeya en onomatopeya y las frases detentan la coherencia interna del explícame-por-qué-ora-sí-ya-te-entendí. En el rompe y rasga verbal de la barriada, el Nonsense dispone de un significado contundente: uno dice nada para comunicar algo, uno enreda vocablos para desentrañar movimientos, uno confunde gestos con tal de expresar virtudes. Orale, arráncate con

“desde el momento en que no fui / quién era / nomás / interprete mi silencio”.
Embriágate de palabras en el laberinto donde

“cada quien por su cada lado / ya ve / pues vamos a ver / se acabó”.

Todos los diálogos de Cantinflas lo que intentan es rendir al interlocutor que, ante la incomprensión, acaba fatigado, desmayado y dispuesto a aceptar lo que el otro le diga. Es una especie de asedio sexual a través de las palabras… simplemente a fuerza de oponer un lenguaje que no va a ninguna parte ni sale de ningún lado, a un intento de racionalidad mínimo. Gozo al percibir que su fragilidad verbal se convierte en las arenas movedizas de la conversación. El habla para no decir, los demás lo escuchan para no entender.

Carlos Monsivais


Comunicado a la opinión pública

La Coordinación curatorial del proyecto Reemplaz0 hace saber que:

1.- Tras varios intentos (uno en español, otro en español con explicaciones y  un tercero en inglés), el día 16 de febrero se suscribió el proyecto de investigación curatorial Homenage, ante el programa de estímulos a la curaduría novel de la organización apexart.

2.- El día 23 de marzo de 2011, la coordinación curatorial del proyecto Reemplaz0 recibió la siguiente notificación:

 

Dear Applicant,

Thanks again for submitting a proposal to the 2011-2012 Unsolicited Proposal Program. We received 477 eligible entries, and 132 jurors from around the world submitted 7,037 votes to identify the two winners.

We are pleased to announce that Miguel Amado (Lisbon, Portugal) was the first place winner with his proposal The Walls That Divide Us, and Mark Feary (Melbourne, Australia) came in second place with his proposal A Postcard from Afar: North Korea from a Distance.  We look forward to presenting both of these exhibitions during our 2011-2012 season.

 

To see how your proposal fared in the voting, and to read Miguel and Mark’s winning entries, please visit: http://apexart.org/results/2011.htm. Proposals are listed by title and ID# only, and entries are listed in order of highest to lowest in terms of score. Proposals with the same total score share place positions and are ranked with the same number.

Thank you for your time and participation. Both Miguel and Mark submitted ideas to past Unsolicited Proposals before winning, and we hope that you will consider entering a proposal again next year. The process is anonymous and the jury changes each year. You may also be interested in our Franchise program, which will begin accepting applications this May. More information can be found here: http://www.apexart.org/franchise.htm

Best wishes,

 

3.- Que intentando comprender el valor de esos best wishes, la coordinación curatorial del proyecto Reemplaz0 indagó por el ranking del proyecto de investigación curatorial Homenage y, al fatigarse por no encontrarlo en los primeros doscientos lugares, utilizó la herramienta Ctrl+F para abreviar la búsqueda.

4.- Que luego de activar ese comando de búsqueda el resultado apareció inmediatamente.

5.- Que el puesto obtenido por dicho proyecto fue de 344 entre 452.

 

En vista del fracaso anterior, la Coordinación curatorial del proyecto Reemplaz0 añade:

1.- Que la esperanza es lo único que se pierde y que nunca es bueno abandonar un proyecto cuando hay corazón y ganas para hacerlo y, por lo mismo, postulará el proyecto Homenage al proyecto apexart Franchise, atendiendo las restricciones que pudieran surgir al proponer el proyecto ante otro proyecto de una entidad extranjera interesada en patrocinar proyectos.

2.- Que en vista del miserable desempeño de la Coordinación curatorial en relación con el proyecto Homenage, aquellas personas que enviaron propuestas a la convocatoria abierta el 7 de enero de 2011 y no quieran seguir haciendo parte de esta guachafita para convocatorias subsiguientes, por favor escribir a cadavezpeor@gmail.com, poniendo en el asunto “Desvincularme de esa guachafita”, incluyendo en el mensaje la ficha técnica de la obra presentada.

Agradeciendo la atención prestada y ofreciendo disculpas por armar proyectos de investigación curatorial tan pobres, tan sin referencia a los procesos de globalización, o al lugar del otro, o a la situación política del sujeto contemporáneo o embelezados en chistes internos de un microcampo artístico que ni quita ni pone, la Coordinación curatorial del proyecto Reemplaz0 se despide.

 

Atentamente

Coordinación curatorial

Proyecto Reemplaz0