Crítica en directo # 13: Museo La Tertulia

¿Debe un museo orientarse únicamente a un público académico y conocedor de los procesos del arte?, ¿exponer de forma permanente su colección es una forma de reactivar el Museo La Tertulia?, ¿cómo incide esta curaduría en la programación futura del Museo?, ¿cómo ha recibido el público de Cali esta exposición?, ¿qué sentido tuvo la presentación en el Museo de exposiciones taquilleras como Body’s y Leonardo Da Vinci?

Conversación con Nicolás Gómez, quien estuvo a cargo -con Felipe González y Julian Serna- del proyecto curatorial Exposición Permanente de la Colección que se abrió al público desde el pasado mes de marzo en el Museo La Tertulia.


Santiago Sierra quema el Futuro

El futuro se montó ayer en un solar en El Cabanyal y allí mismo se le prendió fuego. Fue un acto cargado de simbolismo y también muy tangible, porque la pieza de madera Future medía 17 metros. Fue ideada por Santiago Sierra, producida por el artista fallero Manolo Martín y comisariada por Rafa Tormo, de Perifèries.

Este colectivo de artistas lleva un año en contacto con Sierra para plasmar en Valencia una colaboración en alguno de los barrios amenazados de la ciudad, en este caso, por el plan municipal de prolongar la avenida de Blasco Ibáñez por mitad del área, declarada Bien de Interés cultural. Ayer se plasmó esa colaboración a través de una muy peculiar falla.

Sierra quiso ceder todo el protagonismo a los anfitriones y se limitó a explicar que la elección del inglés obedece a que “lo que pasa en El Cabanyal pasa en otros barrios del mundo”. Su primera intervención en Valencia fue grabada y emitida en directo por internet.


Fichas de museo: ¿arte conceptual?

En la exposición retrospectiva de Luis Camnitzer, en el Museo de Arte de la Universidad Nacional, hay cuatro obras con inmenso potencial pedagógico. Son frases impresas en rectángulos de cartón paja blanco que hacen pensar; un recurso tipográfico propio de la obra argumentativa de este artista que se caracteriza por formular paradojas en lacónicas oraciones expuestas bajo la apariencia de una convicción absoluta.

El cuarteto parece surgido de las pautas de creación que Camnitzer ha profesado canónicamente durante años a miles de estudiantes, publicistas y espectadores: “1) plantear y formular un problema creativo interesante, 2) resolver el problema lo mejor posible, y 3) empacar la solución en la manera más apropiada para expresar y comunicarla.”

La descripción e interpretación de las cuatro obras, a falta de explicación curatorial que las reseñe, es así:

Obra #1: “LES ROGAMOS SILENCIO EN LA SALA”

El “ruego” coral pide introspección, el “arte conceptual”, una suerte de sudoku de la plástica, nos exige permanecer callados para que cada uno resuelva por su cuenta el “problema creativo interesante”. Poética reflexión: estamos tan solos como el artista.

Obra #2: “NO TOCAR LAS OBRAS expuestas en las paredes. Agradecemos su colaboración”

Mayúsculo cuestionamiento que nos obliga a buscar lo que sí podemos tocar. Con algo de chantajismo moral se nos agradece de antemano y en plural por el civismo cultural que habremos de mostrar. ¡Hay que respetar el arte!

Obra #3: “Favor no tocar” (esta obra está al costado de una tarimita que soporta un mazo de fichas firmadas por el artista)

Atrapados entre dos pulsiones, tomar o no tomar las fichas autografiadas, acatamos la ley (dos celadores están listos para hacer un “performance” en caso de que no cumplamos la orden). ¿Solución única? Interactuar con el arte desde lo virtual, evitar la sensualidad y cualquier contacto físico, llevarnos solo el concepto. ¡Pura reflexión!

Obra #4: “Por motivos de conservación. ROGAMOS NO TOCAR LA OBRA” (esta pieza está al lado de unos sellos comunes de caucho encadenados a una lámina metálica)

Amplia en alusiones, esta composición desenmascara al complejo museal universitario. Por un lado expone el temor que el público sudaca genera en la firma suiza que gestionó la exposición y que atesora “la mayor colección institucional de obra de Camnitzer de todo el mundo”; por otro lado, expone el ruego de la directiva local que no quiere ser culpada por las aseguradoras en caso de daños al arte expuesto. A la par, expone al artista como un ser atrapado en el cuerpo de su obra y como víctima de su posterior “conservación”. Camnitzer busca el absoluto pero solo encuentra cosas, esta muestra itinerante lo envuelve en el papel decorativo del empaque museal, él quisiera transmitir sus ideas por telepatía pero es un Rey Midas del “arte conceptual”: todo lo que conceptualiza se convierte en cotizada artesanía. Obra crítica, irreproducible, conmovedora y trágica.

“El museo es una escuela: el artista aprende a comunicarse; el público aprende a hacer conexiones”, dijo el maestro al partir.

(Publicado en Revista Arcadia # 80)


(d)OCUMENTA o la redención del objeto

Si algo te sorprende de esta edición de Documenta es su calidad como exposición de obras de arte, que contrasta con la insuficiente calidad en este punto de la edición 11 – dirigida por Okwi Enzwor – y la mediocridad de la edición 12, la de Roger Bruegel. Esta mejoría de la calidad podría atribuirse en exclusiva al hecho de que Carolyn Christov-Bakargiev, la curadora, exhiba una trayectoria profesional caracterizada por el diseño de exposiciones y la dirección de centros de arte contemporáneo, que contrasta con la de sus dos antecesores en el cargo, ambos notables profesores universitarios que contaban sin embargo con una limitada experiencia en la curaduría de muestras de arte importantes cuando asumieron el encargo de Documenta. La Documenta, por muy importante que sea el programa de actividades de todo tipo que invariablemente la acompaña, es una gran exposición de arte, ese es su origen histórico, su núcleo, su razón de ser y quienes desde hace tanto tiempo somos sus visitantes asiduos agradecemos mucho que quién se hace cargo de diseñarla y realizarla nos ofrezca una experiencia artística de primer orden. Que es lo ha hecho Carolyn Christov-Bakargiev en esta ocasión. Pero esta calidad expositiva también puede explicarla su estratégica decisión curatorial de enfrentar el problema de la corporeidad de la obra de arte en la época de su aparentemente irreversible desmaterialización. En esta Documenta hay pocos vídeos y todavía menos fotografía y este cambio con respecto a ediciones anteriores – y a las tendencias dominantes en los últimos años en las bienales y mega exposiciones de muestras de arte contemporáneo – creo que responde al deseo de su curadora de replantear el problema de la obra de arte en cuanto ¨ materialidad corpórea¨ que se resiste a su absorción y/o disolución en la imagen digital o en el haz de relaciones e interacciones que es capaz de generar. Ya sea in situ, ya sea en red. Esta preocupación se transparenta en la declaración de intenciones que es su ensayo The dance was very frenetic, lively, ratting…, incluido en la publicación programática de Documenta The Book of books, que, aunque apunta en distintas direcciones al final se centra en aclarar el estatuto objetual de la obra de arte. Para lograrlo ella acude a Maurice Merlau-Ponty y al estado ¨ viscoso ¨ en el que comparece el objeto ante nuestra sensibilidad antes de convertirse en el ¨claro y distinto ¨ objeto cartesiano. Pero también al concepto de cuasi –objeto acuñado por Michel Serres y, sobre todo, al de objeto transicional, que en la elaboración del mismo por el psicoanalista Donald W. Winnicott resulta ser un objeto indisociable de ese estado igualmente transicional en el que bebé todavía se siente parte indistinta de su madre pero comienza a intuir o sentir que en realidad es irremediablemente distinto de ella. Y que ambos, en cuanto madre e hijo pertenecen a un mundo que es también irremediablemente objetivo. Carolyn Christov-Bakargiev concluye su estimulante argumentación comparando la relación con la red de los internautas contumaces en la que nos hemos convertido con la que los bebes mantienen con su madre cuando todavía se confunden con ella. Y proponiendo la obra de arte como el singular objeto transicional que indica la salida definitiva de ese insólito vientre materno, que ofrece ademas la posibilidad de jugar con esa anticipación.
Carlos Jiménez

Los doce apóstoles de la reforma

Los doce apóstoles de la reforma protestante: guión para una puesta en escena de las artes contemporáneas en Colombia.

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“Yo te amplío tu período, te extiendo la edad de retiro forzado y tu garantizas mi inmunidad”, dice José Fernando Isaza a propósito de la fallida Reforma Protestante en Colombia. La sentencia parece el guión literario para uno de los cientos de artistas Hip Hop que luchan por un lugar en un bus capitalino lleno de maniquíes parlantes, una verdadera revolución del automatismo global. Estos callejeros Hop o Hip, o Hip Hop, sueñan un espacio en que puedan ser libres e iguales al lado de los autómatas a quienes cantan. Pero, no obstante, quieren ser diferentes de ellos. Si no fueran así de ilusos e ingenuos, estos poetas callejeros no serían artistas verdaderos. Como bien sabemos, en la sentencia que recoge  Isaza de nuestra ignominiosa actualidad, no se trata de un guión literario para una telenovela de Caracol o RCN, no es una ficción verdadera, pero podría serlo en manos de un artista Hip o Hop, existente idóneo para oler el sentido de la vida porque sus luchas diarias lo han habilitado para ello. La sentencia expresa una verdad que tiene la potencia para algún día devenir verdadera, una verdad de a puño, no de Academia Peluquera del Poder. Pero toda verdad verdadera de apuño no es más que un epitafio que promete una vida diferente. En efecto, es necesario pasar por la experiencia de la muerte para comprender el sentido de la vida y de lo verdadero. El artista Hip Hop experiencia la presencia de la muerte en cada uno de sus actos.

 Ahora bien, la vida es un conjunto de ficciones en pugna, unas verdaderas, otras no verdaderas, como aquellas ficciones depotenciadas en que nos ocupan los medios masivos de incomunicación en Colombia. La ficción del artista Hip Hop es verdadera. Por tal razón, los artistas callejeros que vagabundean por el campo de concentración de autómatas capitalino, tienen claro que para poder constituirse en la mejor ficción de vida verdadera, primero deben deshacerse de todo aquello que no los deja pensar: la sustancia capital que las Galerías de Arte y sus respectivos curadores ponen debajo de su nariz, que no son precisamente ideas, ni el polvo que empolva el sentido del sentido de los colombianos. Sólo nada verdadera que es más letal. Nihilismo absoluto. Cada uno es un soberano con potestad sobre la vida y la muerte.

Los artistas que hacen sus guiones con base en experiencias de vida, SABEN LEERLA con sus narices, y, además, pueden llevarla más allá de la misma vida porque ella por sí sola es incapaz de salir de su Eterno Retorno de lo mismo sin diferencia. El artista introduce la diferencia de ser en medio de los autómatas. Ser es diferencia o no es ser. En los artistas existe un saber hacer que es potencia de ficción plástica, olida de la actualidad y modelada con las manos. La nariz del artista es múltiple, se ramifica en sus manos, es  la que nos permite modelar la realidad. Los artistas leen con la nariz desplegada en sus manos para hacer realidad, pues, la vista capturada por el Poder se queda corta cuando se trata de ver las ficciones verdaderas de los poetas detrás de las verdades verdaderas de las Academias Peluqueras del Poder, de los doctores de la Santa Madre Iglesia Capitalista (SMIC).

El exrector de la Universidad Jorge Tadeo Lozano nos dio su opinión el 28 de junio, acerca de AQUELLOS DOCE MAGNÍFICOS –la punta del iceberg– evangelistas convencidos del bien que propicia el mal, que saben con creces cómo autoridad que en Colombia no abusa y no se corrompe, se desgracia. En el texto breve publicado por El Espectador, Isaza nos recalca la importancia de la lectura para tener un pensamiento diferente al que promulga una clase dirigente esquizofrénica; una élite que dilapida los recursos que el Estado ha expropiado con dolo a los pobres, para promover sus propios intereses. Este es el caso de la Reforma Protestante que intentó oprobiar aún más a Colombia. Leer sí: sin duda. Pero leer con la nariz puesta en las manos para no equivocarnos con los sesgos de la vista capturada por el Poder. Al ver nos hacemos complices del poder. Es necesario entonces aprender a oler. De esto no sabe nada el Poder. Es preciso volver a hacer cosas con manos que huelan la actualidad que pretende esconder su inmundicia bajo la publicidad y la propaganda. Muchos artistas contemporáneos se quedaron sin memoria Ram porque olvidaron lo que las manos saben: oler. No se puede pensar sin olfato, así muchos artistas contemporáneos estén convencidos de lo contrario.

Los analistas del declive de la lectura con sentido, afirman que en Francia sus habitantes leen diez libros por año y que leen por lo menos tres durante cada verano. La lectura es una manera artística de hacer resistencia. Un artista francés hace resistencia de esta manera para quebrar la homogeneidad del pensamiento totalitario. Ahora, ¿a qué se debe el analfabetismo en Colombia, de este país de doctores y poetas? Lo patético de este otro nacional reality a propósito de la Reforma Protestante a la justicia ya de por sí injusta, es que como en cualquier secta del hermano Jim Jones, nuestros doctores promovieron y aprobaron un haraquiri nacional ante las narices sin manos de todo el mundo, unas narices que sólo saben oler buenos negocios privados en perjuicio del interés general. Posteriormente, lo festejaron con jolgorio y cánticos mediáticos, y a los dos días debieron anularlo alegando que ninguno había leído o comprendido lo que allí estaba prescrito para una nueva vida embadurnada aún más en la injusticia en que está sumida Colombia.

Nos sale al encuentro una pregunta después de estas acotaciones ingenuas, callejeras. ¿Se puede revertir un suicido? En Colombia SÍ. Aquí cualquier cosa es posible. Todo se ha vuelto ficción sin verdad, espectáculo sin sentido, velo mediático para cubrir las infamias del poder soberano que suprime la vida y legisla sobre la muerte. Poder detrás de los casos de Luis Andrés Colmenares, Rosa Elvira Cely y Juan Guillermo Gómez, el poder del mal entre otros miles de casos anónimos, que nacieron sin veta o arepa mediática. Sólo basta con recordar una vez más los niños de las Madres de Soacha.

¡Hoy por fin Exultamos! Hablamos de indignación, del poder ciudadano y otras venalidades. Pero eso es todo, no podemos ir más lejos. ¿Por qué no podemos andar un poco más lejos? ¡Porque no sabemos leer el presente y los signos que lo delatan! ¡Al presente se lo delata o nos hace su complice! Pues, se nos muestra como verdad verdadera no siendo más que una ficción ficción, simulacro, a saber, una ficción a la que le falta pueblo, como decía Klee. Marchamos por las calles una y otra vez, y no logramos concretar nada. ¿Por qué no renuncia Simón Gaviria a su delfinazgo? ¿Por qué no revocamos el Congreso? La razón es sencilla y por ello mismo no verdad verdadera: costaría mucho dinero y con ello no se solucionaría nada. Nosotros maniquís parlantes volveríamos a votar por los mismos maniquís corruptos por su iletricidad –también por la nuestra– pues, dentro del Campo de las Verdades Verdaderas de Academia Peluquera del Poder Soberano (CVVAPPS), no existe manera de romper el círculo que de manera suicida aprieta y aprieta sólo para producir el orgasmo final, total y fatal que llevara a Colombia a su colapso.

Colombia no es un país viable como paisaje de libertades en igualdad. Colombia aún no existe. Aún es una ilusión, un sueño de maniquíes. Aún no tiene pueblo. Es un proyecto olvidado en la cabeza de un dios borracho. ¿Podremos encontrar un remedio que no sea peor que la enfermedad? ¡SÍ! Una ficción verdadera, poética: poesía sin verdad verdadera. Poesía con pueblo. Sólo la poesía sin mediaciones, arandelas ni supuestos verdaderos puede romper el cerco de verdades verdaderas que nos impiden salir de nuestras carcasas de maniquíes, romper nuestro círculo vicioso de complicidades en la iletricidad. ¡Ay¡ ¡Atenas suramericana¡ ¡Ficción sin pueblo!.

Por lo menos esta vez renunció un Ministro de Estado a su coto. Con la Reforma a la educación no pasó nada. Finalmente hubo un arreglo por las buenas, pero como consecuencia de tanta bondad con el capital opresor, hoy las Universidades Públicas no están mejor que los hospitales del Distrito Capital. Finalmente, maestros y estudiantes salvaron su semestre universitario, se dejaron seducir por el interés privado.

Una última cuestión: nos permitimos una última ingenuidad. Preguntamos a los poetas exterminados: ¿quién acabó con el arte callejero? ¿En qué momento los poetas dejaron sus harapos y vistieron sus vistosos esmóquines con que se pavonean en las exposiciones de arte contemporáneo? ¿Quién asesinó la poesía? ¿Los artistas Hip Hop la recogerían moribunda en algún basurero del campo de concentración capitalino?

 

Jorge Peñuela

 

 

Artículo de Isaza en:

http://www.elespectador.com/opinion/columna-355796-lecto-escritura

 

Publicado originalmente en www.liberatorio.org, Otra Esfera para pensar el arte contemporáneo que se piensa en Colombia.

 

 

 


Una Documenta desquiciada

El galgo Humano forma parte del proyecto de Pierre Huyghe «Doce baladas…»

Tono desmesurado el de Documenta 13, pero con algunos aciertos destacables. Carolyn Christov-Bakargiev, su responsable, saca partido de la crisis reinante y de la anarquía.

Entre todas las desmesuras del bienalismo, Documenta encarnaba una suerte de imaginaria línea de resistencia, como si cada cinco años reapareciera la esperanza de algo que no fuera estricto dictado del mercado o complicidades varias con el galerismo y sus agentes glamurosos apoltronados en el mundo curatorial. Tras la sobredosis documental del proyecto de Okwui Enwezor y la mezcla desordenada de revisionismo y pretenciosidad que administró Roger Buergelen 2007, con aquel patinazo gastronómico-mediático del Bulli, asistimos a la Documenta del número de la mala suerte, que tiene un tono desmesurado pero con aspectos interesantes y discutibles que superan de largo la decepción que generaron ediciones precedentes.

«Leaves of Grass (2012)», collage made del canadiense Geoffrey Farmer

La filosofía escéptica

Carolyn Christov-Bakargiev quiere plantar cara a la crisis con una singular «filosofía escéptica» que le lleva a desconfiar tanto de la retórica de la interdisciplinariedad cuanto de las ínfulas curatoriales, lo que no impide que cuente con científicos, escritores o filósofos, que, junto a lo que llama «agentes», vendrían a plantear una escena que trata de sacar partido de lo anárquico. La oferta es descomunal y está deliberadamente desubicada, con lo que el desafío al espectador es bestial, que no podría ver la Documenta en su integridad salvo que tuviera todo el tiempo del mundo y estuviera dispuesto a desplazarse a Banff (para experimentar el «quitarse de en medio» en Canadá), Alejandría (una localización que asocia con la «esperanza» tras las revueltas del año pasado) o Kabul (la zona del estricto «estado de sitio»). Desde el principio –advertía la «curadora que no pretende serlo»– que la experiencia en Kassel va a ser «perturbadora e incompleta», pero que además lo que los participantes plantearan no tenía por qué ser etiquetado necesariamente como «arte».

William Kentridge es uno de los platos fuertes de esta edición de Documenta

Según la comisaria, la experiencia en Kassel va a ser «perturbadora e incompleta»

Pierde relevancia en Documenta la foto y son escasos los vídeos, abundando lo cuasi-performativo o una combinación de estética relacional y obras cuyo soporte principal es el relato. La reivindicación de una perspectiva fenomenológica y corporal se mezcla con sugerencias sobre la sincronicidad en la era de las conexiones hiper-tecnológicas. Es manifiesto que a Christov-Bakargiev le interesasacar partido de los lugares, que no está interesada en la ideología de la virtualización, combinando un discurso vagamente politizado con una sensibilidad derivativamente «ecológica».

Una de las apuestas más decididas ha sido la de okupar el gran parque de Karlsaue, donde podemos contemplar el enorme patíbulo de Sam Durant. Junto a la Orangerie está el jardín que ha montado Song Dong con los objetos que su madre obsesivamente acumuló durante sesenta años. En una zona boscosa se escucha un bombardeo preparado por Janet Cardiff y Georges Bures Miller. Es significativo que la mayor parte de los artistas estén «refugiados» en casetas montadas para la ocasión, lo que revela su incapacidad para afrontar las condiciones espaciales naturales. Mientras Rosemarie Trockel presenta un trabajo de unatrivialidad pasmosa, los paisajes de Tacita Dean son magníficos. Lo traumático puede afrontarse de múltiples maneras, sea en una indagación cartográfica como la obsesión por el One Hotel de Kabul que emprende Mario García Torres, con un tono paródico como en el sanatorio de «vudú positivo» de Pedro Reyes o haciendo que retorne lo reprimido como sucede al contemplar a Lee Miller.

Sanatorium, Pedro Reyes. Uno de los proyectos de cariz más sociológico de Documenta

El meteorito errante

Pasamos de la fascinación de Francis Alÿs por los juegos infantiles en Afganistán a los cuadros monumentales de Julie Mehretu o a las obras de Dalí y las cerámicas de Antoni Cumella, un tanto fuera de lugar. Los trabajos de Wally Raad son excelentes; la biblioteca de Mark Dion es una de las piezas más imponentes y la película de Javier Téllez sobre Artaud, memorable.

Merece la pena ir hasta un almacén periférico para contemplar el proyecto The refusal of time, de William Kentridge. El deseo de Guillermo Faivovich y Nicolás Goldberg de transportar un enorme meteorito de 37 toneladas hasta Kassel desde Argentina quedó frustrado, aunque tomaron la decisión de sublimar esa ausencia por medio de un cubo metálico tristemente instalado en la explanada del Fridericianum.

La oferta es descomunal y está a propósito desubicada. El desafío al espectador es bestial

El arte actual parece que ha terminado por desembarazarse del corsé minimalista para ofrecer un montón de anécdotas. El «apartamiento del mundo» que Documenta plantea no es el de los estilitas y ascetas, ni el del «preferiría no hacerlo» de Bartleby, glosado admirablemente por Vila-Matas, uno de los escritores que harán acto de presencia en el restaurante chino Dschingis Khan que forma parte de este rizoma expositivo.

No estamos ante un proyecto expositivo frívolo. «No hay fronteras para el arte», declaró la comisaria; ella y sus agentes quieren replantear los conceptos de espacio y tiempo, pero su Documenta apasionadamente excesiva viene a imponer una verdad shakesperiana: el mundo está desquiciado.

 «Ghost Keeping (2012)», del rumano Istvan Csakany

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Fernando Castro Flórez

publicado por ABC


Llegó diciembre con su alegría

Se acuerdan de PAPEL, esa convocatoria al final de año 2011 que el museo la tertulia saco y exhibió los proyectos de dos artistas locales, uno de Popayán (Diego Mendoza) y el otro local (Adrián Gaitán), que batió record ese año ganándose todo lo que había en la ciudad… (2 becas en total). Se acuerdan que dejo a más de uno con la boca abierta, con la quijada destemplada sin poder comer natilla y buñuelos a los artistas de Cali en tan felices fiestas; y no fue porque el museo después de tanto tiempo sacara una convocatoria para una expo individual dentro de sus salas, NO, lo que fue sorprendente es precisamente que el museo diera $2.000.000 de pesos libres de impuestos a los dos ganadores por trabajos ya realizados. Desde que tengo memoria, y si no estoy mal, (ahora necesito que me ayuden a recordar, más bien le pido a Jonás Balleneros o María Libreros que me ayuden con este dato) nunca el museo le había pagado tanto pero tanto dinero a un artista por exponer en sus salas y menos si es local y joven además.

Bueno este benéfico proyecto, fue iniciativa de la curadora Verónica Wiman, que ya no se encuentra en la ciudad. No voy a cuestionar las intenciones del proyecto, si es bueno o malo, tampoco me interesa pasarle cuanto cobro a la curadora por realizar y pensar el proyecto PAPEL, en definitiva se hizo y por primera vez en Cali se veía al museo pagando por una exhibición de artes visuales.

Lo que me interesa ahondar es en las reflexiones que se están dando. Primero quisiera pedirles a todos los interesados, aunque sé que es agobiante volver a leer una convocatoria, pero es indispensable volverla a releer para mirar cómo funcionan las políticas culturales para las periferias.

 

BECAS PARA LA REALIZACIÓN DE EXPOSICIONES

INDIVIDUALES DIRIGIDAS  A  MUSEOS Y  SALAS

DE EXHIBICIÓN  REGIONALES

 

 

Apertura: marzo 1

Cierre: abril 29

Estímulos: siete (7)

Cuantía: treinta millones de pesos ($30.000.000) para cada entidad seleccionada

Línea de acción: circulación

Contacto del proceso: Jaime Cerón: artesvisuales@mincultura.gov.co

 

Objeto:

La convocatoria responde a la heterogeneidad de las regiones del país  y a las diversas necesidades de circulación del trabajo de los artistas. Se busca generar un proyecto piloto de una plataforma de circulación artística, consistente en ciclos de muestras individuales de obras ya creadas, que se exhibirán en distintos escenarios artísticos en las diferentes regiones del país.

Se espera contar con un ciclo de exhibiciones en cada una de las siete (7) regiones en que se compartimenta el país para los Salones Regionales de Artistas, a saber:

 

• Región Caribe: Atlántico, Bolívar, Cesar, Córdoba, Guajira, Magdalena y Sucre.

• Región Oriente: Santander, Norte de Santander, Táchira.

• Región Centro Occidente: Antioquia, Caldas, Quindío y Risaralda.

• Región Pacífico: Choco, Cauca y Valle del Cauca.

• Región Sur: Caquetá, Huila, Nariño, Putumayo y Tolima.

• Región Orinoquía: Amazonas, Arauca, Casanare, Guainía, Guaviare, Meta, Vaupés y Vichada.

• Zona Centro: Bogotá, Cundinamarca y Boyacá.

Un interés adicional de esta convocatoria es fortalecer el vínculo entre los artistas que están activos en las distintas regiones y las entidades que se dedican a la circulación de las prácticas del arte en cada una de ellas.

 

Pueden participar:

Museos o espacios de exhibición, conformados como personas jurídicas sin ánimo de lucro, que presenten una propuesta de un ciclo de dos exposiciones individuales de artistas jóvenes y/o emergentes (entre 25 y 45 años de edad). Los artistas deben provenir de las regiones respectivas, desarrollar sus proyectos en ellas y ser seleccionados mediante convocatoria pública. Estos espacios de exhibición deben haber realizado actividades similares al menos durante tres años y deben contar con los requerimientos técnicos adecuados para montar exhibiciones de artes visuales.

Los museos o espacios de exhibición de las regiones Oriente, Centro- Occidente,

Pacífico y Centro que incluyan en su ciclo de muestras un artista de las regiones Orinoquia o Sur, tendrán un 10% de valoración adicional a la propuesta para el proceso de selección.

Ministerio de Cultura • 98

 

Documentos requeridos:

Administrativos

Remitirse a las condiciones generales de participación.

 

Para el jurado

Tres (3) copias idénticas de la propuesta para realizar el ciclo de exposiciones, argolladas por separado, que incluyan:

 

Lineamientos generales de la convocatoria

• A realizar, considerando un premio en efectivo para los artistas de mínimo un 10% del estímulo recibido. (Es decir $1.5 millones para cada uno).

• Estrategia de difusión de la convocatoria a realizar en la región.

• Características físicas de la sala o salas disponibles para el ciclo de muestras, incluyendo planos con medidas y fotografías.

• Condiciones técnicas de la sala o salas y disponibilidad de equipos audiovisuales con que cuenta.

• Plan de producción del ciclo de exposiciones, incluyendo embalaje y transporte de las obras desde el taller del artista hacia el espacio de exhibición y de regreso al finalizar la exhibición.

• Opciones de adecuación del espacio de exhibición para el ciclo expositivo.

• Propuesta de señalización y textos de apoyo de las muestras.

• Machote preliminar del catálogo o memoria del ciclo de exhibiciones.

• Cronograma general que contemple un máximo de 5 meses de ejecución, incluyendo el tiempo de convocatoria, selección, producción, exhibición y memoria.

• Presupuesto general desglosado (que incluya los costos de convocatoria, producción, adecuación y memoria).

• Certificado de otros aportes (en caso de cofinanciación). Las exposiciones deberán realizarse durante el 2011.

 

Nota: la carpeta de los documentos administrativos y las tres (3) copias de los documentos para el jurado, argolladas y marcadas por separado, deberán enviarse en un solo paquete por correo certificado o entregarse personalmente en horas y días hábiles en la siguiente dirección:

 

Ministerio de Cultura • 99

Ministerio de Cultura

Programa Nacional de Estímulos

BECAS PARA LA REALIZACIÓN DE EXPOSICIONES

INDIVIDUALES DIRIGIDAS A MUSEOS

Y SALAS DE EXHIBICIÓN REGIONALES

Calle 8 No 8-26

Bogotá, D. c.

 

Criterios de evaluación:

Legibilidad de la propuesta de convocatoria

 • Publica dirigida a los artistas jóvenes y/o emergentes (entre 25 y 45 años de edad) de sus respectivas regiones y pertinencia con el objeto de la presente convocatoria.

• Eficacia de las estrategias de difusión propuestas para la convocatoria pública de acuerdo a la región en que se presenta.

• Idoneidad de la entidad proponente.

• Condiciones técnicas de la sala o salas de exhibición propuesta (s) para el ciclo de las dos (2) exposiciones individuales propuestas.

• Propuesta de machote de la memoria del ciclo de exhibiciones. Derechos de los ganadores

Remitirse a las condiciones generales de participación.

 

Deberes de los ganadores

Además de los contemplados en los requisitos generales de participación, los ganadores deberán:

• Concertar con el área de Artes Visuales del Ministerio de Cultura las fechas y condiciones de la convocatoria pública, el ciclo de exhibiciones y la edición de la memoria.

• Presentar un informe final que dé cuenta del cumplimiento de todos los lineamientos de la propuesta presentada, que tenga como anexo el registro fotográfico de las exposiciones (tanto del montaje, como de la señalización y las obras) en formato digital a 300 dpi y el catalogo o memoria del ciclo.

• Los artistas que integren los ciclos de exposiciones conservaran los derechos morales y patrimoniales sobre su obra, pero autorizaran al Ministerio de Cultura o quien haga sus veces, los derechos concernientes a la comunicación pública y la reproducción en medios de comunicación derivadas de la difusión y divulgación cultural, propias de la convocatoria.

Nota: los artistas y/o muestras participantes en estos ciclos de exhibiciones serán un insumo adicional dentro de la conformación del 43 Salón Nacional de Artistas, por lo que sus resultados serán dados a conocer por el área de Artes Visuales al comité curatorial que se conforme para tal fin, para que este, a su vez, decida cuales artistas serán incorporados a sus respectivos componentes.

PAPEL es un proyecto que participo en esta convocatoria anual del Programa Nacional de Estímulos del año 2011  en dicha categoría, adjunto los resultados de los premiados en el siguiente enlace http://www.sinic.gov.co/SINIC/paginaInicio.aspx

Hay un problema con las actas de premiación no están disponibles en la página del ministerio de cultura, pero doy fe que las vi en diciembre, no sé qué pasa ahora que intente volverlas a ver para anexarlas en este documento. He resaltado unos aspectos que me parecen pertinentes a la discusión y a la generación de preguntas.

  1. ¿Por qué el ministerio da ($ 30.000.000 de pesos) a museos para exhibir dos individuales, y solo les otorga a los artistas el 10%?
  2. Bueno la tertulia con su generosidad puso de su bolsillo $ 500.000 pesitos más, buena esa vallecaucanos.
  3. ¿no soy matemático, pero quisiera saber cuánto vale hacer un catálogo más o menos de 10 hojas divinamente impresas con una edición de 500 ejemplares?
  4. ¿será que PAPEL se vuelve a realizar como un proyecto piloto para la circulación de los trabajos de los artistas?
  5. ¿Qué paso con los $ 26.000.000 de pesos restantes? ¿dónde quedaron? ¿qué hicieron con ellos? ¿en que los gastaron?

 

Pero en definitiva el museo no tiene la culpa, es el ministerio que realiza este tipo de convocatorias pilotos, para generar circulación de los trabajos de los artistas regionales, esas son sus políticas. Bueno esperemos que a final de este año vuelva a llegar diciembre con su alegría y la anhelada  convocatoria del museo la tertulia con su proyecto PAPEL, pero en esta nueva versión no contaremos con la curadora, hay que mirar que doliente ponen administrar este proyecto.

 

Leonardo Herrera Madrid