Grupos católicos protestan contra la Bienal de Sao Paulo

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Hace un par de semanas Grupos católicos se manifestaron en Bogotá por la muestra de las custodias en el Museo Santa Clara. A través de cartas de petición online, publicaciones en redes sociales y 50 tutelas lograron que un juez dictara medidas cautelares y se suspendiera temporalmente la muestra. Pasaron los días y el juez autorizó la exposición luego una inspección judicial a la muestra en el Museo Santa Clara.

Por estos días en la Bienal de Sao Paulo se han manifestado grupos del Opus Dei, protestando por obras (Del Grupo Etcétera, Nahum Zenil, León Ferrari y Museo Travesti del Perú) que en su opinión resultan blasfemas, sacrílegas y atentan contra la moral cristiana.

Aquí el manifiesto acompañado de imágenes (seguido de una nota publicada en Fohla de Sao Paulo)

Aborto, blasfemia y sacrilegio en la 31 Bienal de Arte de Sao Paulo

Es muy posible que su hijo, sobrino o nieto serán invitados por la escuela, si no lo han hecho ya, a visitar la Bienal de Arte de São Paulo. Eso es lo que suele ocurrir…

Este año, qué podrá ver?

Un conjunto escandaloso de blasfemia y sacrilegio contra Nuestro Señor Jesucristo y de la Santísima Virgen, una incitación a la legalización total de aborto y una promoción abierta de la homosexualidad!

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Imagen de Nuestra Señora cubierta de insectos y escorpiones

Proteste ahora y envíe su mensaje a los directores de las escuelas de São Paulo para que que no promuevan la gira de sus estudiantes a la 31a Bienal de Arte de Sao Paulo!

Representantes Instituto Plinio fueron a la Bienal a producir un documental y quedaron horrorizados por lo que vieron:

1 – La exposición “Errar de Dios” expone la sagrada figura de Jesucristo crucificado y comido por los cuervos.

2 – A continuación, una imagen de la Virgen con el Niño Jesús todos cubierta por cucarachas y escorpiones.

3 – Una serpiente enroscada en el cuerpo de la Virgen María, con la clara intención de revertir el concepto católico de la Virgen aplastando la cabeza de la serpiente. (Gen 3, 15)

4 – La última cena en una sartén para freír, y una imagen de Nuestra Señora a punto de ser aplastado por un rallador de cocina.

5 – Al final de esta exposición, los guías a los visitantes de la Bienal invitan a firmar una petición al Papa Francisco, pidiendo la “abolición total del infierno.” La mayoría de los visitantes no lo leen y firman sin darse cuenta de que el abajo firmante es promovido por CIHABAPAI (Club Wicked, herejes, apóstatas, Blasfemos, ateos, paganos, agnósticos e infieles). Se le pedirá a su hijo o pariente a firmar esta petición al unirse a un club tan blasfemo!

6 – Una exposición llamada “Abortar Space” incluye varios “vientres” gigantes. El objetivo es que las mujeres a tomar ellos y escribir “testimonios” de “experiencias”, abogando por la legalización del aborto en Brasil! (Cf .. El País, 09/04/14)

7 – También hay “una habitación llamada” Dios está [palabra no imprimible], con obras que subvierten iconos católicos, como una Virgen con barba “(Folha de S. Paulo, 09/06/14). En la misma habitación “registros andróginos de cuerpos y relaciones homoeróticas a través de las imágenes religiosas como la Virgen de Guadalupe” (OESP 31/08/14).

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Los escolares hacen fila para visitar la Bienal de Arte de São Paulo

8 – En la misma muestra encuentra la obra Casa Particular, que según el sitio oficial de la Bienal, “promulga la Última Cena de Jesús con sus discípulos en una calle de burdeles de San Camilo en Santiago [Chile]. En esta acción, una de las prostitutas, sentada en la mesa, toma el doble papel de Cristo y Pinochet, diciendo (…), después de ofrecer el pan y el vino: “Esto es mi cuerpo, esta es mi sangre ‘” (cf .. http://app.31bienal.org.br/pt/single/1110).

9 – “El Giuseppe Campuzano peruana y su ‘Transexual Museo del Perú”, que incluye a la Virgen de los rasgos masculinos “(El País, 04/09/14), en la” línea de tiempo “exposición.

10 – Exposición de postales de iglesias, conventos e imágenes por los comunistas durante la Guerra Civil española (1936-1939).

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Los patrocinadores de la Bienal

Protesta ahora y enviar su mensaje a los directores de las escuelas de São Paulo, que pidió no promocionar la gira de sus estudiantes a la 31a Bienal de Arte de Sao Paulo!

Pablo Lafuente, uno de los curadores de la Bienal, dijo: “Esperamos que este sea un sondeo de la sociedad y también una oportunidad para abrazar una fuerza artística transformadora” (El País, 09/04/14).

En otras palabras, quieren cambiar nuestra mentalidad y nuestros hijos, y nos llevará a una sociedad en que el aborto, la inmoralidad y la maldición de Dios llegan a ser comunes…

“Dios Es Marica”, Nahum Zenil

“Dios Es Marica”, Nahum Zenil

¿Los brasileños pueden permanecer indiferentes a este arsenal de blasfemia de esta Bienal hasta el 7 diciembre 2014?

Podemos dejar que nuestro Señor y su Santísima Madre se ofendan de esa manera?

Podemos dejar que las escuelas bajo el pretexto de la “educación artística”, lleven a nuestros niños y jóvenes a asistir a estos y otros delitos contra la fe y la moral?

La blasfemia no es arte, no es “libertad de expresión”: La blasfemia es una grave falta de respeto al segundo Mandamiento de la Ley de Dios!

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Arte? Blasfemia! Blasfemia? Arte!

Bienvenido a “una verdadera Babel de odio a Dios.”

La virgen María es ahora un travesti, está cubierta de cucarachas. Una sala se llama “Dios es Marica” (Dios es raro). Los visitantes son invitados a “procesión” dentro de úteros gigantes donde cortinas rojas delimitan “espacios para abortar.” Daniel Martins, 28, se horroriza. “Es una provocación a la religión, el Señor nuestro Dios. Una guía invitó a los estudiantes a firmar una petición para la abolición del infierno “, dijo el coordinador de la joven acción Folha IPCO (Instituto Plinio Corrêa de Oliveira).

El grupo lleva el nombre del fundador de TFP (Tradición, Familia y Propiedad), organización católica conservadora que cree: “empobrecer la familia destruye la civilización.” Ahora quieren hacer ruido. Tocar la bocina, para ser precisos, en contra de la 31 Bienal de São Paulo oficialmente -anunciada como una muestra de “transgresión, trascendencia y transexualidad”. Según Martins, imprimieron 50.000 panfletos denunciando “el aborto, la blasfemia y sacrilegio” en la exposición.

Tenemos una lista de diez obras blasfemas que se pueden ser vistas por “su hijo, sobrino o nieto” en las giras de colegios. Por lo tanto hay que fomentar el envío de mensajes de protesta a directores paulistanas escuelas. La medida también sugiere presionar el cardenal de Sao Paulo, Dom Odilo Scherer. Se debe aprovechar “su gran influencia -como corresponde a su sagrada misión de pastor- para prevenir estos sacrilegios se siguen cometiendo en su jurisdicción.” El aviso dice que la Arquidiócesis de São Paulo don Odilo pronto visitará la Bienal y, a continuación, evaluar si vale la pena tomar alguna posición. CRUZADA Cerca de 40 voluntarios han estado distribuyendo el manifiesto de la ciudad.

Esta semana que estuvimos en frente del metro Butantã y PUC. La Avenida Paulista es una de las próximas paradas. “La blasfemia no no es arte, es ‘libertad de expresión'”, dice el documento. El IPCO también grabó un vídeo de la exposición de la “dictadura feminista” del boliviano colectivo “Mujeres Creando”, responsable de la instalación pro-aborto. En el material publicado en Internet, varios “piiiis” sustituyen a las mujeres profanidad lesionados con la presencia del grupo en el pabellón de la Bienal. Una mentira tiene patas cortas para ocho Martins. En su opinión, la exposición ya ha demostrado que vino a elegir como símbolo de dibujo “de un hindú” (Indian Prabhakar Pachpute).

Para el equipo de curadores de la Bienal, “El arte refleja en los temas que afectan la vida de las personas”. “Hablar de cosas complejas, invisibles u ocultas es la clave. Creemos que el debate público que está emergiendo es importante para hacer frente a temas tan sensibles como el derecho de las mujeres a decidir sobre su propio cuerpo, el tema de la libertad sexual y el lugar y el papel de la religión y de la fe en nuestra sociedad “.

 

* Traducido para esferapública por Manuel Tenreiro. Manifiesto en Contraindicaciones.


Concentración

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Un público cualquiera, portada de “Público”. Ana Guerrero,
Nicolás Vizcaíno,
Juan Conto,
José Sanín,
Nicolás Samper,
Carlos Pérez, FOGUEO, 2014. Bogotá.

Lo mejor del Mundial anterior fueron las manifestaciones de resistencia al sistema por parte de colombianos notables, el imposiblemente hermoso gol con que David Luiz confirmó la eliminación de la selección Colombia y un conjunto de seis revistas, cuyo orden de lectura dependía de no separarlas tras haber sido compradas. Si sucedía, entonces uno empezaba a ser lector-creativo y decidía organizar el grupo de alguna manera. Yo comencé en lo intemporal (“Un público cualquiera”), y continué con lo cronológico (“Uniforme de visitante de Luis Enrique en el Mundial de Estados Unidos 1994”, “Uniforme de visitante de Davor Suker en el Mundial de Francia 1998”, etc.). Problema grave porque me encantan las soluciones rebuscadas y no sé leer: tras haber terminado tres de los fascículos, noté que tenían textos de apertura. Entonces, los reordené tal y como se organizarían en un capo de juego: Arquero, Defensa, Mediocampo, Delantera, Público, Banca. Igual no los releí.

FOGUEO es una edición que comienza y termina en cada librillo pero cuenta con la conciencia de que es una novela por entregas. Así, se da la oportunidad del reinicio. En esto se parece a las trampas de la FIFA y a la popularización de la literatura: como los ciclos del fútbol corporativo (que nos enseñan de Ciencias Políticas, contacto cultural y nos condicionan la vida), sabemos que nunca va a llegar a su fin.

De otra parte, FOGUEO se convierte en un trabajo que no deja de relacionarse de manera problemática con su objeto de estudio. Es como ese novio que critica la ropa de la persona que ama “para que después se vea mejor”. En este caso, se repasan las prácticas mafiosas de esa linda empresa que todos amamos, se abunda en anécdotas de jugadores díscolos-glotones, se escriben cartas en tono intimista/desmesurado a futbolistas amados-odiados, se destacan las lacras de organizar torneos deportivos mastodónticos. Se recomienda leer a Gerhard Vinnai.

Esto acompañado de una selección de imágenes casi tan, o más, imposibles que el gol de David Luiz, mediante las que vamos conociendo un universo de desastres previsibles, exageración de gestos, rotura de piernas, lágrimas, derroche económico y espectadores dormidos. Un Radamel Falcao con corona de espinas.

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Carlos Pérez, ilustración del artículo “Ibra toma vacaciones de verano”, de Doménico di Marco. FOGUEO, “Uniforme de visitante de Luis Enrique en el Mundial de Estados Unidos de 1994”.

Su producción abarcó un año, llegando a cruzarse (afortunada coincidencia) con el fiasco de Brasil 2014. Sus responsables encargaron una serie de textos a comunicadores sociales, críticos de televisión, politólogos, historiadores y filósofos. La parte visual fue su tarea. Posee capítulos dedicados al fútbol local (¡la historia de Leyder Preciado!) acompañadas del eterno complejo de inferioridad respecto a lo que sucede/procede de Argentina. Repite como un mantra la respuesta que Cristiano Ronaldo le dio a un periodista que quería saber si entendía por qué despertaba tanta envidia. Reimprime esquemas de algunos de los mejores goles del universo. Se burla de las equivocaciones de artistas como René Higuita. Y de su ropa (es que era un asco).

Es un fanzine en toda regla, pero alejado de la estética punk de la mayoría de sus compañeritos editoriales. Apuesta más por el ingenio visual (identificar las revistas con base en patrones de color procedentes de los uniformes de arqueros o jugadores) e incluye una adecuada curaduría de textos. De hecho la variedad de opiniones salva lo que podría terminar convirtiéndose en un novelón de partidos perdidos, nostalgia por mundiales que no se vivieron o erudición inútil. Como primer intento pone la vara muy alta. Por lo mismo (y porque la parábola del triunfo de la selección de Colombia jamás se va a cumplir –básicamente por la estupidez administrativa de DIMAYOR, porque no hay inversión en las escuelas de formación, porque no hay interés por capitalizar esa empresa, porque el fútbol local es como la ropa de René Higuita-), cabría esperar FOGUEO para rato. Pero, como cuesta, quizá demore. Ojala nunca se le ocurra a sus editores apelar a la obtención de patrocinios que terminen canibalizándola. Ojalá vuelva a salir.

 

Ana Guerrero,
Nicolás Vizcaíno,
Juan Conto,
José Sanín,
Nicolás Samper,
Carlos Pérez.

FOGUEO

Bogotá

2014

 

–Guillermo Vanegas

 

 

 

 


Los 10 posgrados en arte más influyentes del mundo (II)

El pasado mes de abril Artspace publicó una primera parte de esta lista de posgrados, la cual estaba enfocada en programas que se ofrecen principalmente en los Estados Unidos. Esta segunda parte se enfoca en instituciones que en su mayoría se encuentran situadas en Europa.

Esta lista no está completa sin los debates (ver enlaces al final) que se han dado por el fuerte impacto que implica para un recién graduado asumir, en caso de que haya solicitado un crédito, el pago de la deuda por haber cursado un posgrado en una de estas influyentes instituciones educativas.

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You may have noticed that our recent survey of 10 of the world’s most influential MFA programs was heavily focused on the United States. That’s because we’re patriots. But there are numerous other art schools around the world that have also made enormous impacts on the history of art, yielding generations of exalted alumni, boasting world-class faculty, and operating on a totally different scale and historical timeframe from schools of the U.S. model. (To give some perspective, the Staatliche Kunstakademie Düsseldorf, included in the list below, opened 14 years before the Declaration of Independence was written.)
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While Europe certainly has more than its fair share of art schools with major institutional gravitas, newer institutions in emerging contemporary-art centers—like China, for example—are pushing cutting-edge programs that upend traditional notions of what an art program should be. With that in mind, we’ve compiled an addendum to our original list that considers the most influential, prominent, and respected graduate-level fine-art programs outside the U.S. Not all of them are technically Masters programs—but given the international scope we’ve considered any school that either grants an MA degree or has an equivalent post-graduate program.

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STÄDELSCHULE HOCHSCHULE FÜR BILDENDE KÜNSTE
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LOCATION: Frankfurt am Main, Germany
NOTABLE FACULTY: Judith Hopf, Douglas Gordon, Isabelle Graw, Michael Krebber
FAMOUS ALUMNI: Anton Burger, Nora Schultz, Maria Loboda, Wolfgang Winter, Sergei Jensen
TIME TO DEGREE: 4 years
SELLING POINTS: The Städelschule, as it’s known, was established in 1817 by a foundation set up by Johann Friedrich Städel to house his art collection and to establish the school. Forty percent of the student body comes from abroad, making this one of the most international art schools in Europe. The school’s contemporary exhibition venue Portikus was opened in 1987 by the school’s director, noted art historian and curator Kaspar König, adding to the Städelschule’s reputation for progressive initiatives. We should note that the school doesn’t technically grant either Bachelors’ or Masters’ degrees—at the end of their studies students receive the title of Mesterschüler(in) (literally “school master”), a special honor.

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AALTO UNIVERSITY, SCHOOL OF ARTS, DESIGN, AND ARCHITECTURE
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LOCATION: Greater Helsinki, Finland
NOTABLE FACULTY: Irit Rogoff, Peterri Nisunen, Nora Sternfeld
FAMOUS ALUMNI: Marita Liulia, Magnus Charmanoff, Helena Hietanen, Klaus Härö
TIME TO DEGREE: 2 years
SELLING POINTS: Named for Alvar Aalto, prominent Finnish architect and designer, Aalto University was founded in 2010 by merging Helsinki’s University of Technology, School of Economics, and University of Art and Design (formerly known by the abbreviation TaiK). The school’s Pallas Fine Arts degree program launched in 1994. Based on the interdisciplinary nature of art and the linkages between art and science, Aalto’s highly individualized program mixes fine art, art history, and theory, taught by professors who are all working artists in the fields of painting, sculpture, visual composition, environmental arts, and art history. As a contemporary answer to the Bauhaus’s combination of the fine and applied arts, Aalto’s faculty also includes lecturers in drawing, color theory, printmaking, design history, theory, and aesthetics.

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OSLO NATIONAL ACADEMY OF THE ARTS
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LOCATION: Oslo, Norway
NOTABLE FACULTY: Ingjerd Hanevold, Hans Hamid Rasmussen, Ellen Kjellberg
FAMOUS ALUMNI: Dag Hol, Karen Holtsmark, Svein Nyhus, Aase Texmon Rygh
TIME TO DEGREE: 2 years
SELLING POINTS: Oslo’s National Academy of the Arts offers specialized programs in the textile, metalwork, graphic art, ceramics, and ever-popular “interdisciplinary” tracks. The school’s structure acknowledges that contemporary artists have to be trained at the intersection of several fields—an approach exemplified by the school’s new pilot program, the Masters in Art and Public Space, a two year program starting in fall 2014 that focuses on art in spaces outside of the traditional museum or exhibition institution.

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STAATLICHE KUNSTAKADEMIE DÜSSELDORF
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LOCATION: Düsseldorf, Germany
NOTABLE FACULTY: Tomma Abts, Peter Doig, Max Dudler, Katharina Fritsch, Rosemarie Trockel, Rebecca Warren
FAMOUS ALUMNI: Thomas Ruff, Joseph Beuys, Sigmar Polke, Andreas Gursky, Thomas Demand, Gerhard Richter
TIME TO DEGREE: 4 years
SELLING POINTS: Düsseldorf’s famous academy—which incubated the talents of the now well-established artists like Thomas Ruff and Sigmar Polke in the 1960s—was originally founded as a school for drawing in 1762. It became world-renowned in the 1850s when the genre and landscape painting associated with the “Düsseldorf School”—a century’s worth of painters including Peter Behrens, Hans Dahl, and Otto Hupp, among many others—gained widespread international attention, attracting students from the United States, Scandinavia, and Russia. Then, in the postwar era, another Düsseldorf School was born in a different medium, when the famed teachers Bernd and Hilla Becher ushered in a new era of documentary-style photography through such students as Ruff, Candida Hofer, and Andreas Gursky.

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ROYAL ACADEMY OF ARTS
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LOCATION: London, England
NOTABLE FACULTY: Fiona Rae, Richard Wilson, Dara Birnbaum, Marc Camille Chaimowicz, Brian Dillon, VALIE EXPORT, Haroon Mirza
FAMOUS ALUMNI: Richard Hamilton, William Blake, William Heath Robinson, Sandra Blow
TIME TO DEGREE: 3 years
SELLING POINTS: One of Britain’s most competitive and well-respected art schools, the Royal Academy of Art accepts only 17 students per year for its three-year program, the only one of its kind in Europe. Student painters, sculptors, and draftsmen enjoy access to state-of-the-art facilities including a digital media suite, sculpture workshop, video-editing suite, printmaking studios, and world-class library.

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CENTRAL ACADEMY OF FINE ARTS, SCHOOL OF FINE ART
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LOCATION: Beijing, China
NOTABLE FACULTY: Yu Hong, Xu Bing, Liu Xiaodong, Zhan Wang
FAMOUS ALUMNI: Zhang Dali, Zhang Huan, Fang Lijun, Jin Shangyi
TIME TO DEGREE: 3 years
SELLING POINTS: The only art academy of higher learning directly under China’s Ministry of Education, the Central Academy of Fine Arts (or CAFA) was founded in 1950 by incorporating the National Beiping Art College and the Fine Arts Department of Huabei University. The school drew international media attention during 1989’s protests in Tiananmen Square, when CAFA students created a plastic-foam-and-papier-mâché statue they called the “Goddess of Democracy” as part of their demonstration. The school’s graduate programs get incredibly specific—for example, students can enter with a concentration in “research on the expressive language of concrete oil painting.” (That’s within the Oil Painting sub-department.) There are also departments for Mural Painting and Experimental Art, among many others. Despite its wide variety of specializations, CAFA is highly selective, turning away 90 percent of its applicants every year.

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EMILY CARR UNIVERSITY OF ART AND DESIGN
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LOCATION: Vancouver, British Columbia, Canada
NOTABLE FACULTY: Paul Mathieu, Richard Clements, Keri Smith, Julie York
FAMOUS ALUMNI: Terence Koh, Michael Snow, Neko Case, Stan Douglas
TIME TO DEGREE: 2 years
SELLING POINTS: Of Canada’s four standalone art and design universities, Emily Carr has received the highest number of major awards for students and alumnus across Canada over the past five years. The school (the namesake of artist Emily Carr was formerly known as the Vancouver School of Decorative and Applied Arts) offers Masters of Applied Arts programs in Visual Arts (subdivided into Animation, Film/Video, Illustration, Visual Arts, General Fine Arts, and Photography), Design, and Media.

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ÉCOLE NATIONALE SUPÉRIEURE DES BEAUX-ARTS
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LOCATION: Paris, France
NOTABLE FACULTY: Christian Boltanski, Marina Abramovic, Richard Deacon, Jean-Marc Bustamante, Annette Messager
FAMOUS ALUMNI: Bernard Buffet, Edgar Degas, Henri Matisse, Pierre-August Renoir, Hubert de Givenchy, Ouattara Watts
TIME TO DEGREE: 3 years
SELLING POINTS: Of the many Écoles des Beaux-Arts across France, Paris’s is the original. You’d be hard-pressed to find an institution with a catalogue of alumni comparable to the École’s, which includes many of the foundational figures of European Modernism as well as major figures in the fashion and contemporary art worlds spanning its 350-year history.

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UNIVERSITY OF THE WITWATERSAND SCHOOL OF THE ARTS
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LOCATION: Johannesburg, South Africa
NOTABLE FACULTY: Jo Ratcliffe, Donna Kukama, David Andrew
FAMOUS ALUMNI: Robyn Nesbitt, Kendell Geers, Sandile Zulu
TIME TO DEGREE: 1-2 years
SELLING POINTS: As part of South Africa’s University of the Witwatersand, located in the industrial and commercial heartland of South Africa, Wits School of the Arts (as it’s known) is a major hub for artistic development across the country, the continent, and internationally. The school offers graduate programs in the digital, dramatic, and fine arts.

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Debates relacionados

Debating an MFA? The Lowdown on Art School Risks and Returns | Coco Fusco 

Jerry Saltz: An M.F.A. Degree Is Too Expensive, and That’s Only the Start of the Problem | Jerry Saltz

Carta Abierta | Víctor Albarracín

EducARTE | Jorge Sarmiento


El Fin de la Infancia

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Francisco Fernandez

– Para una economía de la crítica, Arte Postindustrial –

Prólogo

“El porvenir de la literatura (contrapartida de la literatura industrial). Flaubert, Bouvard y Pecuchet

“¿Ha advertido que todos los días salen al aire unas quinientas horas de radio y televisión? Si uno no durmiese, y no hiciese ninguna otra cosa, no podría seguir más de una vigésima parte de los programas. No es raro que los seres humanos se hayan convertido en esponjas pasivas, absorbentes, pero no creadoras. ¡Sabe usted que el tiempo medio que pasa un hombre ante una pantalla es ya de tres horas por día? Pronto la gente no tendrá vida propia. ¡Vivirá siguiendo los episodios de la televisión!

Aquí en Atenas, los entretenimientos ocupan su justo lugar. Además son algo vivo, nada mecánico. En una comunidad de estas proporciones es posible logar una participación casi total del público, con todo lo que eso significa para artistas y ejecutantes.” Arthur C. Clark, El fin de la infancia.

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Francisco Fernandez

No hay crítica. Ningún hablar sobre nada. Solo esta economía rastreando el comienzo de la infancia. De la inocencia.

Escapada de la biología. Ninguna previsión. Algo parece mutar en otra parte.

Esta manzana persigue todavía su forma. Su sabor. Y el gusto pareciera aprobarlo.

La economía crítica se retira hasta su propio intersticio. Los censores acechan todavía tras las puestas en escena de la regularidad. Todavía se habla de Derecho y de Ley. El Arte quiere ser pura Pedagogía. Y los pedantes, esperan su ración crítica para informarse y saciar la curiosidad del público. Todavía esperan un espectáculo. El acuerdo de un público con alguna representación. Cualquier divertimento en que la crónica diaria pasará revista.

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Beatriz Eugenia Díaz

Escribo ese algo entonces. Pero no sobre algo. Ninguna preposición. Sería el comienzo de esta economía.

El Arte habría librado así su primer embate. No sería nada. Casi ni siquiera la idea. Pura Decoración. Entonces todo deseo de decir se habría extinguido definitivamente. Antesala de la economía crítica. Su corolario: que toda su axiomática sea sólo este rodar con Alicia. Ninguna categoría. Una axiomática sin registro. Los copistas transcribieron el blanco. La nada. El libro sobre nada. Lo penúltimo anunciando su propia anulación.

El Museo comenzó a desbaratarse. Un montón de trastos viejos inservibles. Precariedad. Cientos de figuritas artificiales recogidas en las playas del Turismo Cultural.

Fase terminal del Arte. Arte Industrial.

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Beatriz Eugenia Díaz

I. El Fin de la Infancia

Supongamos que el Arte se ha hecho puramente mental. Que en realidad es una idea. Que ha cesado toda representación.

El Arte sería entonces su pura axiomática.

No Arte. Cesación de la reproducción. Final de la creación.

El Arte encuentra su matriz de sí misma. Ningún proceso. Ninguna construcción.

Un modelo puro. La mente.

Se habrá retirado toda noción. Todo concepto. Será la cesación de la materia.

La matriz se reiterará infinitas veces. Sin desconcierto alguno. Hasta que una nueva aberración no determinada ni determinable jalone la matriz hacia otro espacio no previsto.

La matriz genera sus propias desviaciones. Todavía no es aberrante la permutación. Son ligeros y leves desajustes. Desarreglos de la iteración. Alguien podría suponer se trata de errores. El error pertenece a otro universo de sentido. A otro espacio. Aquí el error es más bien un desvío no calculado y sin embargo esa sutil variación quizá producto del azar habrá generado ese ir hacia otra parte.

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El fin de la infancia

La iteración podría traicionar su tendencia de sí. Entonces el monstruo sería posible. La aberración.

La imagen se dislocaría y generaría la falta de reconocimiento. La huella de una mano sería un impensable.

El error es todavía representable. La huella de un recorrido que todavía se puede rastrear. Una construcción a la que se llega puramente desde el trabajo.

Pero también la idea de trabajo desaparece. Ninguna factura. Solamente este remontarse de una mente sobre sí.

Y entonces deviene casi autosuficiente.

Seriación. Los imponderables a los que llamaremos originales son sutilísimos fallos en la matriz.

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Rodrigo Fernández Bahamón

II. Fase terminal del Arte

Bouvard y Pecuchet entendieron que toda idea es irrealizable. El plano de la experiencia se hallaba suspendido. Entonces abrieron sus cuadernos y con sus lápices y demás instrumentos de escritura se dedicaron a copiar. Inicio de toda transcripción.

Lo que llamamos creación habría sido previsto por la serie.

¿Y si el hombre escapara de sí mismo por esa escalera lógica? Habría traspasado las barreras de su propio entendimiento.

Era necesario abandonar la ciudad. Las ropas elegantes. El campo se abría. La comodidad. Los libros que faltarían todavía por copiar.

Imagino que ese collage de citas en forma de libro era un anticipo, El libro de los Pasajes.

Lo que llamamos cuadro. Soporte. Superficie. Museo. Exposición, etc. Es todavía una suposición de la idea. Todavía necesitada de su biología.

Abandonado el sentido sólo queda La Decoración. Ideas flotantes. Una escritura en procura de su propio concepto.

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Victor Albarracín

En la horizontal. Desplegada sobre el plano. Esa escritura se corporaliza. Ningún plan. Un juego casi autosuficiente habría suprimido en forma casi total al ejecutante. La mano todavía sería un obstáculo.

En los extramuros la circunstancia. La cháchara que todavía simula este estado de humanidad que comienza a desleírse.

El dictum de acusación sobre los copistas, sobre los transcriptores, no lleva a lugar alguno en la administración de La Ley, si el conocimiento no se produce. Y necesariamente todo conocimiento cesa. En el momento del Arte Industrial se borra el ansia. Ningún progreso. Entonces puede levantarse la cesión. Ningún terror. Bouvard y Pecuchet escapan a toda necesidad de dictamen. A toda vigilancia. Será necesaria otra economía crítica que logre discernir apenas en este escaso furor de la energía vital. Cuando en sus pupitres. Lápiz en mano. Se despliega La Transcripción y el Museo desaparece.

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Juan David Giraldo

III. Un Arte en la era del Arte Industrial.

No había error porque era apenas una ligerísima desviación de la matriz.

La matriz como tal es el comienzo de la serie. Ninguna reproductibilidad.

Apenas si podría hablarse de encuadre. De mirada encuadrada sobre sí. No hay mirada. Separación. Discernimiento. Por eso La Decoración. El mundo escueto de Lo Simple. Algo se itera. Sin ruido. Ningún pensable. Nada que pueda evocarme todavía la idea de mundo. La infancia desaparece. Parecería posible esa escapada por la lógica. La cháchara se silencia. Ninguna conversación sobre nada. Un espacio vertido sobre sí. En blanco. En gris. Quizá hasta la noción misma de color se hace innecesaria. Y la necesidad da paso a esto otro. Un arreglo a esto otro. Esta lógica. Este pasaje todavía imprevisto.

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Pablo Batelli

Podría pensarse que es una conversación silenciosa. Pero toda idea de interlocución ha sido suprimida. La comunicación es dual. Un canal. Un pasaje. Algo se hace médium. Aquí la lógica yace como un animal impensable que descansara su animalidad en el vacío. Pero todavía ese descansar lo hace real. Conceptualizable y clasificable. La Decoración no admite el archivo. Se sitúa simplemente. Es la sola supresión. Ningún contacto. Ningún escalofrío. La piel se ha retirado. También su vestigio. Lo que llamamos Paisaje. Cualquier organicidad.

Si quiere prevalecer sería una esperanza. Todavía un imprevisto en que ese universo en que la vida es sólo esta plantilla iterada hasta su extinción. La idea de vida mutaría. Se habría introducido la falla. El pasaje de Alicia. Un rodadero hacia otra parte.

No es un original. Ninguna creación. Sino un introducirse de una zona. Lo llamamos Silencio. Pero es todavía un referente de esta clausura que da paso a la Idea.

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Pablo Batelli

Sueño de una Biología con arreglo a otra cosa.

Ninguna Psicología. Incapacidad de La Novela. Toda narración se hace fútil. Ingenua.

Oulipo. Imaginar una marca en gris. Una placa sobre el espacio. Depositada todavía en el plano en que unos ojos encuadran La Visual.

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Alberto Baraya

IV. Ideas flotantes

Spinoza. La Biblia sería un contrasentido. También allí Lo Editorial fue una estrategia de La Ley. Y se impuso El Espíritu. Algo que insuflara la letra. Entonces el ser literal devino en posibilidad y se impuso La Interpretación.

Decoración. Subsiste ajena a toda idea de interpretación. Sin arte. Sin manufactura. Casi al límite de La Idea. Simplemente Bouvard y Pecuchet transcriben. Y luego destruyen el original. La matriz. Entonces, quizá El Espíritu. Los antiguos hablaban de Inspiración. Humor. Existen cinco tipos de humor. Bifurcaciones previsibles de la especie hombre.

Novela. Cansancio infinito tener que responder todavía a un argumento para La Novela. La sola palabra se sostendría. Su noción. Y la necesidad narrativa entraría en retirada. Entonces el idiota. Un idiota sin Religión. Sin Patria. Sin noción de nada. Mallarmé acumuló cientos de notas sobre esa posibilidad. El Libro quedó sin escribirse. Puro naufragio. Entonces Oulipo. Quizá también La Patafísica, Jarry. Convencionalizar la escritura. El artista como tal desaparece. Su simulacro de ingenio. Goethe previó esa ansia fáustica.

Economía crítica. Un arte postindustrial

Máquina analítica. Bouvard y Pecuchet se quitan sus corbatas, abandonan los bastones. El Museo es apenas un túmulo. Bajo las vitrinas los miles de objetos inservibles acumulados. La máquina analítica se detuvo y se pusieron a copiar.

Imposibilidad Crítica. Se comienza abandonando una preposición. Escribir “sobre”. El Monstruo es arrojado sobre su propia persistencia.

No Arte. Futilidad. Y sin embargo todavía recostado contra el muro. “Don Por Tanto”. Iguitur. Stephan Dédalus vagando todavía en las playas de lo ineluctable.

Arte analítico. Enciclopedia, acto fallido.

Lugares Comunes. En un entierro. En la crítica. Un periódico. Emular algún estado anímico. Simulacro.

Implacable. Flaubert despreció a Epicuro.

Exabrupto de la crítica. Su necesidad de adjetivos es consecuente con su necesidad de aprobación. Entonces el Lugar Común. El Consenso. Su escritura periodística. Apasionada. Escribir con celo.

Futilidad. Y las circunstancias, ¿cesarían? Heridas de la pasión. Superar toda ansia crítica. El celo.

La idea como arte. Un Arte Postindustrial.

Cultura decadente. Pleonasmo. Artes Muertas.

Después del Arte Industrial. Necesidad de economizar la crítica.

La Vegetación del Saber. La Biblioteca. Flaubert.

Arte mental. La obra ha sido creada para La Crítica. Su soporte es este texto. Estas palabras son su Museo. El Libro. No hay, no habrá puesta en escena. Se yergue autosuficiente en este nombrarse. Encierra su deseo de escritura. Esa representación imposible. Hacerse letra. Un impreso. La idea. Hacerse mente. Arte Mental.

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Alberto Baraya

El Museo de la crítica. En el intersticio de la letra se abre otro Museo. El Museo de la crítica. La idea es autosostenible. Precipita las palabras. El Libro. Esta “Tentación” de escritura.

EL Libro. El Libro es el lugar de la idea. La crítica es la idea.

Corolario. Copiar es no hacer nada. Es ser. Pura estupidez. El santo una especie de artista. Dice Flaubert de San Antonio. Su tentación.

Copiar. Final del deseo. Estupidez. El Idiota. El Transcriptor.

Nervios. Flaubert escapa de la ciudad. La Gran Mediocridad se cierne sobre sí. Escapar como Montaigne. A caballo.

Desaparece. Está absorto en esta “idea” que habrá de Transcribirse.

 

Epílogo

Lo demás sería enfermedad. El desgaste todavía de la materia. (San Antonio, El movimiento sin lenguaje de la materia). Referencia inútil a construcciones humanas. Filosofía, Metafísica, Religión, Política, Arte. Todo habrá de superarse. En el pupitre de escritura sólo es pensable La transcripción. Y los copistas. Ninguna ciencia. Ningún conocimiento. Tampoco La Ciudad. Bouvard y Pecuchet abandonan toda elegancia. Se ponen cómodos y se disponen a copiar. La máquina de escritura es incansable. Y las piezas de escritura se despliegan al infinito sin ningún fin. No hay útil. No hay cosa. La vida es esta iteración sobre sí. Unos cuantos instrumentos bastan. ¿Qué copian los copistas? Todavía La Transcripción no es autosuficiente.

 

Claudia Díaz, Bogotá- Villa de Leyva, Septiembre 2014.

 

 


Juan Cárdenas: hay un arte político que no lo parece tanto

Conversación con Juan Cárdenas* en torno a los debates sobre el arte político, la pregunta por el papel del arte en nuestra sociedad y otras formas de arte político.

* Juan Cárdenas nació en Popayán en 1978. Es escritor, crítico y traductor. Ha publicado las novelas Los estratos (Periférica, 2013) y Zumbido (451 Editores, 2010). En 2013 obtuvo el Premio Nacional de Crítica y Ensayo otorgado por el Ministerio de Cultura y la Universidad de Los Andes. Vive y trabaja en Bogotá.


El proyecto Casa Desorientada de Mateo López y Lucas Oberlaender ganó la Bienal de Arquitectura

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La casa es un cubo de cuatro metros de ancho, tres y medio de alto, y cuatro de profundidad, construida en madera prensada. No tiene ventanas y puede flotar como una suerte de barco sin dirección.Para orientarse, el posible habitante debe observar el cielo a través del patio central, que conecta el exterior con el interior, el arriba y el abajo.

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Además, la casa se puede armar en menos de dos días. El proyecto, que lleva el nombre de ‘Casa desorientada’, resultó ganador de la XXIV Bienal de Arquitectura Colombiana, en la categoría arquitectura de interiores y arquitectura efímera, que este año premia obras hechas por colombianos conscientes de la realidad de un país que busca la transición hacia la reconciliación.

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Dos bogotanos, Lucas Oberlaender y Mateo López, fueron los creadores de esta vivienda individual, que problematiza de alguna forma las bases de la arquitectura tradicional.

“Yo la hice como arquitecto y para mí es una obra que plantea cuestiones sobre vivienda. La casa, finalmente, no tiene todos los elementos para que pueda funcionar como una casa. Los tiene en potencia, como posibilidad. Pero, en el fondo, es una casa que puede llegar a ser un poco agobiante”, cuenta Oberlaender, arquitecto de la Universidad de los Andes.

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La entrada está localizada en el techo, que sirve también como terraza y balcón. El lugar está pensado como un espacio sostenible, pues, además de reciclar el agua, genera energía a través de paneles solares.

Aunque el cubo cuenta con todos los elementos típicos de una casa corriente (baño, cocina, cama, comedor), la estructura se mueve en esa frontera entre la arquitectura y el arte, pues casi todos los objetos que la componen, diseñados por Mateo López, son reproducciones, simulaciones de una vida que nunca se ha dado allí: los cubiertos están hechos de balso, los platos son de cartón. Todo lo demás (el radio, la peinilla, la caña de pescar) conserva esa misma levedad de lo efímero, de lo cambiante.

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“En el 2011, Mateo me buscó y me dijo que andaba mirando casos en los que ciertas casas habían sido trasladadas de un lugar a otro. La idea entonces era hacer una casa flotante. La reflexión iba dirigida a arquitecturas que no estuvieran atadas a algún lugar”, agregó Oberlaender.

Esas exploraciones por una arquitectura que conservara la posibilidad de desplazarse por un entorno acuático le dieron origen a la obra.

López, artista plástico de la Universidad de los Andes, se había enterado de la historia de Newfoundland, una provincia atlántica de Canadá que se había establecido en los alrededores de un lago hasta que el Gobierno reclamó la pertenencia del territorio.

Los habitantes, en su mayoría personas de escasos recursos, que no tenían dinero para construir un nuevo hogar, montaron, entonces, las casas que ya tenían sobre barcos, como en un naufragio masivo.

Por otra parte, en su viaje a la isla de San Andrés, descubrió que gran parte de la madera de las construcciones de los isleños venía de Canadá. Hace unos años, las casas se movían entre las islas y eran desbaratadas para transportarlas.
Casas parecidas se han visto en películas como Primavera, verano, otoño, invierno… y otra vez primavera, en donde se creó una ermita flotante, que va variando según las estaciones.

También Le Corbusier, siempre preocupado por la vivienda individual, había construido, entre los años de 1951 y 1952, Cabanon de Vacances, una casa de dimensiones precisas para una sola persona, donde el arquitecto pasaba los veranos.

“Tengo un castillo en la Costa Azul que tiene 3,66 metros por 3,66 metros. La hice para mi mujer y es un lugar extravagante de confort y gentileza. Está ubicada en Roquebrune, sobre un sendero que llega casi al mar. Una puerta minúscula, una escalera exigua y el acceso a una cabaña incrustada debajo de los viñedos. Solamente el sitio es grandioso, un golfo soberbio con acantilados abruptos”, solía decir el arquitecto.

‘Casa desorientada’, por otra parte, se construyó en La Calera, en la carpintería de Benjamín Umaña y fue presentada por primera vez en la 44 edición de Art Basel, en Basilea (Suiza), que contó con la participación de 304 galerías de 39 países.

Luego, para la edición 43 del Salón de Artistas, fue ensamblada en el lago del Jardín Botánico de Medellín junto con Lacustre, del artista Germán Botero.

La idea de los artistas no es convertir este módulo habitable en un objeto reproducible.

En definitiva, ‘Casa desorientada’ rompe la lógica habitual de toda arquitectura, pues su relación con el paisaje, con el sol y con el entorno nunca es la misma.

 

publicado por El Tiempo

Fotografías de Julián Roldán – Cortesía de Galería Casas Riegner


Camnitzer: la estética vende, la ética derrocha

Afín en lo formal al movimiento conceptual estadounidense de las décadas de 1960 y 1970, Luis Camnitzer desarrolló a lo largo de los últimos 50 años una producción escencialmente autónoma por su detallismo, fruto de una intensa observación, su ingenio mordaz, sus cualidades lúdico-líricas y su polivalencia irónicamente metafórica, así como por su firme compromiso sociopolítico, a diferencia de sus colegas de Estados Unidos.

Esta entrevista de lujo nos da la oportunidad de escuchar directamente desde la fuente, y en sus propios términos, las nociones que este artista maneja sobre las ideas de belleza, ética, mercado, política y educación.

publicado por lalula.tv