Conversaciones en torno al lugar del museo

—Adentro, afuera, en medio—
Conversaciones en torno a los lugares/espacios NC-arte y Museo de Arte de la Universidad de Colombia

¿Está el Museo de Arte de la Universidad Nacional más enfocado en darle visibilidad internacional a sus propuestas curatoriales que en fortalecer sus vínculos con la comunidad artística local y universitaria?, ¿es un museo con vocación pública o responde a políticas propias de una entidad privada?, ¿cómo fue su devenir con los anteriores directores?, ¿qué hace este Museo de Arte en NC-Arte?

Una discusión necesaria es la que propone elespaciosemuevedespacio, un nuevo portal que inicia actividades con una serie de entrevistas en torno al Museo de Arte de la Universidad Nacional. La idea ofrecer una aproximación plural que nos de a todos un contexto histórico (no solamente expositivo) del Museo, así como una reflexión sobre su situación actual.

Compartimos con los lectores las entrevistas con Germán Rubiano, William López -ex directores del Museo- y María Belén Sáez de Ibarra, quien define lo que se realiza en el Museo desde la Dirección Nacional de Divulgación Cultural de la Universidad Nacional. Más adelante se estarán publicando en elespaciosemuevedespacio otras entrevistas con Santiago Rueda Fajardo, Juan Fernando Herrán y José Alejandro Restrepo

Discusiones relacionadas

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¿Qué hace el Museo de Arte de la UN en NC-Arte?, ¿qué institución está fagocitando la otra?, ¿qué crítica plantea esta propuesta al formato site specific y las instituciones que lo promueven?, ¿los proyectos específicos para un lugar tienen sentido si se exponen en otros lugares y contextos?, ¿cómo doblega el mercado este tipo de propuestas? ¿por qué el silencio ante proyectos específicos que no funcionan en el espacio público?

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En esferapública se han dado discusiones -así como en otros espacios y la misma Universidad- desde hace cerca de cinco años en torno al rumbo que ha tomado el Museo en la última década, en la que dejó de tener representatividad en su comité la Facultad de Artes y sus exposiciones se han orientado hacia la internacionalización de proyectos curatoriales a cargo de la Dirección Nacional de Divulgación Cultural de la Universidad Nacional.

Un Museo de Arte Universitario: entre la tradición y las urgencias de la contemporaneidad

Sobre la exposición de Luis Camnitzer en el Museo de Arte de la Universidad Nacional

Museo Universitario

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Performance Mediático: Marina Abramovic y Ulay se reconcilian

Para nadie es un secreto que después de su muestra en el MoMA, la Abramovic se convirtió en una estrella mediática. En un nuevo documental revive su relación con Ulay, artista y compañero con quien realizó sus performances más memorables. Compartimos con los lectores de esferapublica esta crítica de Beatriz Miranda publicada en El Mundo.

Marina Abramovic y Ulay se reconcilian definitivamente por dinero y amor a su arte

La historia de amor entre la madre, ya abuela, de la ‘performance’, Marina Abramovic (70 años), y su pareja artística y sentimental más importante, Ulay (73), está resultando más sólida y duradera de lo que sus protagonistas llegaron a imaginar jamás.

Ellos, que recorrieron el mundo en una furgoneta en los 70 sin nada que llevarse a la boca, tejiéndose sus propios jerséis e intentando hacer reflexionar al mundo sobre las relaciones de pareja a través de sus delirantes instalaciones. Ellos, que hicieron de su ruptura, en 1988, la más sonada y original de todos los tiempos, fundiéndose en un abrazo eterno tras recorrer, cada uno desde una punta, los más de 21.000 kilómetros de Muralla China. Ellos, que están viviendo a su vejez el reconocimiento tras años de penurias y descrédito.

El Louisiana Museum of Modern Art de Dinamarca exhibe una muestra sobre la obra de la artista serbia, pero se centra en el fructífero romance entre Marina y Ulay, quienes estuvieron, (supuestamente, ya nadie sabe si es verdad o no, pero qué importa), sin verse ni tener contacto alguno durante 22 años, de 1988 a 2010, hasta su famoso reencuentro en el MOMA en la retrospectiva que le dedicó el museo neoyorquino a ella bajo el epígrafe ‘The artist is present’.

Ellos han jurado y perjurado que ese golpe de efecto tan sentimental fue real. Es más, no costaría creer que orquestaran tal cual esta obra de arte amorosa 20 años atrás. Con lágrimas. Manos entrelazadas. Aplausos del público.

Fue tal el éxito de ese reencuentro que se hizo viral y por eso los ex han decidido exprimir al máximo su relación por amor al arte. De hecho, protagonizan un documental sobre su relación que hoy se ha convertido en una bonita amistad y un modo de vida, ya que dan conferencias sobre lo que significó para ellos su vínculo amoroso y artístico, que no han dejado de explorar.

Marina Abramovic es hoy una septuagenaria atractiva, operaciones de cirugía estética evidentes aparte, y Ulay un anciano flaco que preserva su magnetismo. Hoy parece que están a partir un piñón, pero tras su coincidencia, orquestada claramente, en Nueva York, a la vista de todo el público, han tenido sus enfrentamientos. En 2015, Ulay demandó a Abramovic para reclamarle una parte de los derechos de las obras que realizó con ella. El juez le dio la razón y ella le ha tenido que pagar 250.000 euros.

Marina, que también tuvo relaciones turbulentas con sus dos ex maridos, también artistas (Paolo Canevari, más joven que ella, y Nesa Paripovic), dijo en su defensa que Ulay fue una especie de nefasto marchante de sus obras durante una temporada, que vendió a muy bajo precio a personas que no sabían apreciarlas.

Pero bueno, todo esto es ya papel mojado. Sus instalaciones, como la de besarse hasta desmayarse por quedarse sin oxígeno, o la de abofetearse hasta la extenuación, pasando por sostener un arco y una flecha al borde de la muerte, incluso dar vueltas en círculo sobre su furgoneta durante toda una noche, forman parte ya de la historia del arte. Echen un ojo al documental, que va mucho más allá del reencuentro romántico en el MOMA.

 

Beatriz Miranda, publicado por El Mundo


¿Cada vez menos artistas viven del arte?

“No todos los artistas viven del arte” es el titulo de un artículo publicado en El Cultural que intenta llamar la atención de algunos que aún se imaginan que todos los artistas viven del arte. El titulo podría ser “Sólo el 15 % de los artistas viven del arte” o si el porcentaje ha bajado en relación con otro estudio anterior: “Sólo uno de cada diez artistas viven del arte” cosa que en España puede ser un indicador bajo, pero que en nuestro contexto podría ser alto. Si no hay estudios con datos precisos, la pregunta podría ser si en estas épocas de crisis y postboom ¿cada vez menos artistas viven del arte?

En esferapública se han publicado varios artículos sobre este tema y hace tres años se realizó el seminario #VivirDelArte, donde un grupo de artistas, curadores y galeristas (Lorena Espitia, María Buenaventura, Alejandro Mancera, Mauricio Gómez, Juan Sebastían Ramírez, entre otros) relataron sus experiencias y el modo en que viven del arte. Compartimos el artículo de Saoia Carmezana, seguido de una selección de videos que abordan el tema en el encuentro #VivirDelArte

No todos los artistas viven del arte

Aunque sorprenda a muchos, el porcentaje de artistas que viven del sector no llega al 15%. Un dato sorprendente que muestra el estudio La Actividad Económica de los/las Artistas en España. Ante esto, ¿qué medidas urge tomar?

Vista de la exposición de Mateo Maté en la sala Alcalá 31

Los artistas siempre han criticado la precariedad de un sector en el que tan solo una pequeña parte de ellos puede vivir exclusivamente del arte. Esta profesión, denostada por muchos, no ha sido pocas veces criticada y calificada de elitista y de pretender ser algo que no es, de vender humo, de no ser necesario para la vida y, por ende, prescindible. Es obvio que los artistas y muchos otros actores de la cultura no opinan así siguiendo la máxima de que, de alguna forma, el arte es goce, como lo calificó Magritte. Claro que ese es otro debate que podría conllevar horas y horas de conversación. El asunto aquí es que los artistas que viven de ello con unos ingresos totales comprendidos entre el 80% y el 100% es, probablemente, inferior a lo que muchos creen: un 14,8%. El resto combina el arte con otras prácticas, algunas de ellas relacionadas con el sector, y en otros muchos casos incluso con otras profesiones que les aporta el sustento básico necesario.

El germen de esta investigación llegó por la falta de datos fidedignos. Por un lado, “había que renovar los datos porque la crisis ha traído cambios estructurales, nuevos modelos de negocio y ha cambiado el relato por lo que había que volver a reestructurarlo”, arranca Marta Pérez Ibáñez. Para empezar, fueron encuestados más de 1.100 artistas de todas las edades y disciplinas. Los primeros datos que se extraen del estudio es que el grupo de edad más cuantioso es el comprendido entre los 31 y 40 años (son el 28%), seguido de los que cuentan entre los 41 y los 50 años (el 25%). Además, el 29,9% de todos ellos se concentra en Madrid mientras que tan solo un 5,4% vive fuera de España (sobre todo en el Reino Unido, Alemania y Francia), siendo estos, sin embargo, quienes más formación tienen.

“Hemos llegado a todo tipo de artistas en toda clase de circunstancias”, añade Pérez Ibáñez. “El artista, en muchos casos, tiene que compatibilizar su labor creativa con otros trabajos y queríamos demostrar que el mayor mecenas del mundo, en contra de lo que se cree, son las propias bases del sistema”, amplía Isidro López-Aparicio, que continúa: “Muchos de los artistas están trabajando en otras cosas, viviendo en situaciones económicas precarias con sus familias, parejas y amigos que los apoyan. Todo esto suma un enorme capital de micromecenazgo que es lo que realmente sustenta al ecosistema del arte. Sin este altruismo provocado por la necesidad que tiene el artista por crear el ecosistema del arte se caería, como se ve en los datos”. De hecho, el 46,9% de los encuestados ha afirmado recibir beneficios directos del arte inferiores a 8.000 euros anuales, lo que significa que casi la mitad de nuestros artistas tiene un salario inferior al salario mínimo interprofesional, situado ahora en 825 euros mensuales. Tan solo el 6,8% de ellos cobra más de 50.000 euros al año por su rendimiento artístico. En total, el 73,8% de los artistas no subsiste exclusivamente con los ingresos percibidos por su actividad artística. (sigue aquí)

 

Vivir del Arte | Modus Operandi 2014

¿Qué sigue en términos de su producción y reflexión artística para un estudiante de arte una vez se gradúa de la universidad?, ¿de qué vive un artista, crítico o curador en un contexto como el nuestro?, ¿qué tácticas desarrollan para financiar su proyectos?

En el seminario Modus Operandi -organizado por el Departamento de Arte de la Universidad de los Andes- se abordaron diversas situaciones relacionadas con la práctica artística, entendida como modo de vida, y tuvo como título “Vivir del arte”

¿De qué vive un artista, un galerista o un curador?, ¿qué tácticas desarrollan para financiar su proyectos? María Buenaventura, Lorena Espitia, Juliana Angel, Kevin Mancera, Andres Matías Pinilla, Mauricio Gómez, Juan David Laserna, Alejandro Mancera y Juan Sebastian Ramírez responderán a estas preguntas de manera sencilla e informal a través de 15 imágenes y en sesiones de 15 minutos cada uno.

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Kevin Mancera | De manera espontánea contó la forma como ha realizado sus diversos proyectos a través de los años. Empezó trabajando como recreacionista de fiestas infantiles para obtener dinero, luego empeñó sus objetos de valor para poder realizar un libro con ilustraciones, después aplica a una residencia en Brasil y aprende a subsistir con muy poco dinero. Ha realizado proyectos que le han salido exitosos pero otros no tanto, pero independientemente del proyecto, solo en muy pocos como en el Salón Inter-Nacional de Artistas en 2013 realmente ganó dinero y no se tuvo que endeudar para armar su obra. Ha realizado diversos trabajos como profesor de niños en un taller de dibujo en el Huila, o como el haber creado los personajes de Rafael Pombo para la feria del libro, pero lo que el propone para vivir del arte es siempre estar haciendo, así la idea sea simple la importancia de hacer y disfrutar lo que hace. El está metido constantemente en diferentes proyectos siempre haciendo.

Página Web: http://www.volcanmudo.com/proyectos/cien-cosas-que-odio-libro/ 

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María Buenaventura | Nunca le ha temido a reunir sus diferentes facetas y aprovechar al máximo lo que hace en cada momento. Después de haber estudiado filosofía y teatro, ha trabajado como guía del Museo Nacional, ha sido mesera, ha mezclado música y ha cocinado.  Estudió filosofía y teatro y años después hizo una maestría en Artes Plásticas. Se ha dedicado a hacer lo que le gusta siendo recursiva y aprovechando diferentes escenarios. Ha dictado talleres de la historia de la cocina en la Quinta de Bolívar, así como en la Universidad Nacional. Después se interesó por las huertas y empezó a trabajar con la producción de plantas, realizando obra, dictando talleres y ayudando a los trabajadores. Es así como se volvió una gran productora de mermeladas a partir de los frutos de la huerta.  María Buenaventura ha mostrado una gran versatilidad a la hora de vivir del arte. Siempre está uniendo proyectos y creando nuevos siguiendo sus intereses e inquietudes.

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Alejandro Mancera | “Tan rico que es hacer arte” se titula la conferencia de Alejandro Mancera en la que muestra la forma como se ha gozado ser artista. Ese es básicamente su lema, en el que constantemente y metido en diversos proyectos, ha logrado desempeñarse en diferentes campos como artista. En su obra se ha reinventado diferentes formas de representar materiales como mármol, piedra entre otros. Ha pintado fachadas de casas, de negocios, ha trabajado en el MAMBO, el Banco de la República le ha comprado obra, y ha hecho parte de un grupo musical en el que con un grupo de amigos, le ha cantado a las mujeres. Es así como Mancera ha sido profesor, montajista, ha trabajado en una galería y en un museo, ha tenido el trabajo perfecto como músico, y ha demostrado proyectos en donde el arte si paga como el Salón Inter-Nacional de Artistas en el 2013.

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Juan Sebastián Ramírez | Su conferencia se basó en darle tips al público sobre vivir del arte. En una presentación con frases, le decía al público especialmente a los estudiante,s maneras para que no pasen distintas “primiparadas”. Es así como Ramírez escribía: “Mi tiempo vale, yo no lo regalo. Sólo trabajo gratis para mi mismo o por diversión”, hablando de la importancia de hacer valer el tiempo del artista y de no trabajar sin ninguna remuneración pues es un trabajo digno como cualquier otro.  Es así como en toda la conferencia Ramírez enalteció su trabajo como artista que desde hace años desempeña. Como el bien lo dice, “Acumular capital social no es lo  mismo que ser una prostituta del networking”.

 

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Lorena Espitia | Fue la primera expositora y mostró la difícil tarea de desenvolverse únicamente como artista. Entre sus diversos proyectos como Hambre Deluxe en la galería Santa Fé, donde no cobró mucho por su obra, al desconocer  el valor comercial que debía tener.  Después trató de entrar al mundo de las galerías tradicionales como en la Galería de Christopher Paschall en donde tuvo un gran altercado pues le rompieron uno de sus cuadros y otro lo cambió por un mueble de la casa del galerista sin contarle a Espitia. Este incidente con hizo que ella produjera una nueva obra a partir de la rabia que tuvo por la forma como le mintieron en la galería que Paschall manejaba. Es así como después hizo unas obras muy controversiales en contra de este galerista y  pudo exponer en la Alianza francesa. Finalmente su última exposición fue en el Salón Inter-Nacional de Artistas en 2013 en Medellín, donde no podría creer que los artistas estuvieran bien pagos y además les daban hospedaje y alimentación.  Espitia sigue exponiendo, pero hoy en día después de su desempeño tan controversial en el arte, se dedica al diseño y a la publicidad y vive de eso.

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Mauricio Gómez | Presentó una visión diferente pues no es un artista sino un coleccionista y comerciante de arte. Primero habló sobre su Galería Doce Cero Cero, en la que representando a diversos artistas, ha participado en la Feria Internacionales de Arte, Artbo en varias ocasiones. Gómez dividió la conferencia en las diferentes facetas en las que se desenvuelve un coleccionista. Primero habló de una faceta de ser dealer de Arte moderno, luego otra en coleccionar obras de las nuevas tendencias de los años 70´s y 80´s, una tercera que son otros medios (mercados) inversionistas, una cuarta opción que es vender para comprar, y una quinta alternativa en la que la necesidad es igual a negocios (arte para poder obtener otros bienes). El arte se convierte en una obsesión en la que se busca obtener obras con un alto valor comercial.

 

Vivir del arte
Modus Operandi 2014
8 y 9 de abril – 5:30 pm
Auditorio C, Edificio Mario Laserna | Universidad de los Andes