Lo que sucede cuando se intenta domesticar el arte

En los últimos tres meses, varios casos de censura dieron la vuelta al mundo y reactualizaron el debate sobre el papel de curadores y directores de museos. Este texto de María Paula Zacharías revisa estos casos que, una vez más, redefinen los límites entre transgresión, escándalo y libertad de expresión.

¿Pueden ponerse límites a la libertad de expresión de los artistas? La suerte que corrieron los directores de museos luego de intentar hacerlo parece indicar que no. En cuestión de meses, dos instituciones de renombre sufrieron papelones mundiales, una artista estuvo presa y una performance recorrió Europa con manifestaciones en contra y varias clausuras. La violencia, la discriminación, la dictadura o el colonialismo parecen despertar más estupor cuando son representados por un artista que en la vida real.

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Otras realidades son más tolerables cuando están pintadas al óleo. Por ejemplo, el revuelo que causó la artista Deborah de Robertis en el parisino Museo de Orsay parece ya una inocentada (o una viveza). En junio pasado, sin permiso ni preaviso, la performer luxemburguesa se ubicó debajo del cuadro de Gustave Courbet El origen del mundo (fechado en 1866), levantó su vestido para mostrar su sexo y recrear la pintura. Unos aplaudieron, los guardias de sala reaccionaron nerviosamente y el video de Espejo de origen –como tituló a su obra– le otorgó rápida fama planetaria.

Más grave es el culebrón que se leyó en los diarios españoles la semana pasada. Bartomeu Marí, director del Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (Macba), el 17 de este mes  canceló la exposición La bestia y el soberano a horas de inaugurarse, porque los curadores se negaban a retirar una escultura en la que el rey Juan Carlos era vejado. Por las redes sociales se congregaron activistas que reclamaban un museo más democrático, mientras elaboraban un documento en rechazo a la –brutal– medida. La pieza en cuestión es Haute couture 04 Transport (Alta costura 04 Transporte), de la austriaca Ines Doujak y el británico John Barker, que representa al rey montado por una mujer de rasgos indígenas, inspirada en la líder social boliviana Domitila Barrios, que a su vez es montada por un perro. El rey está en cuatro patas sobre cascos de guerra oxidados de la SS y vomita flores de aciano. Doujak viene trabajando la problemática del colonialismo desde hace décadas y la pieza integró 31ª edición de la Bienal de São Paolo en 2014 sin demasiada alharaca. Marí dijo que desconocía la obra hasta minutos antes de cancelar la inauguración. Pero Doujak mostró pruebas de que el director había autorizado su presentación un mes antes.

bestia y soberano

Tres días más tarde de la clausura y ante el estupor general por su reacción, el director dio marcha atrás y abrió las puertas de la muestra el sábado pasado. Explicó Marí en una carta pública: “La publicidad dada a la obra y las opiniones emitidas por muy diferentes sectores de la sociedad, desde el mundo del arte y la cultura hasta la política y los medios de comunicación, así como los profesionales internacionales del arte, me han hecho reconsiderar la decisión inicial de no inaugurarla”. Fue más escandalosa su medida censuradora que la escultura en sí, más aún cuando en todo el mundo ha habido movilizaciones en favor de la libertad de expresión de los artistas luego de la masacre de Charlie Hebdo. El resultado fue una enorme cantidad de público en la exposición: el primer sábado, tuvo un 48% más de visitantes de la media habitual para ese día de la semana. Y se hizo escuchar el enojo de los curadores del MACBA Valentín Roma y Paul B. Preciado (antes Beatriz Preciado, mundialmente reconocida filósofa queer), y los alemanes Hans D. Christ e Iris Dressler, del museo coproductor de la muestra, Württemberg Kunstverein de Stuttgart (WKV). El último capítulo llegó el lunes pasado, con la dimisión de Marí, que antes de partir echó más leña al fuego: despidió a los curadores españoles aduciendo una “pérdida irrecuperable de confianza” en ellos.

“Lamento que esta situación se haya planteado con Bartomeu Marí, ya que lo aprecio personalmente”, dice Andrea Giunta, historiadora e investigadora del Conicet. Vivió una situación similar en 2004, cuando la retrospectiva de León Ferrari en el Centro Cultural Recoleta suscitó protestas, destrucción de obras, repudios de organizaciones religiosas y una denuncia penal. Giunta se mantuvo firme, apoyando al artista. “Aprobada la exposición, sus obras, fuese consciente o no de lo que iba a exponerse, su responsabilidad es no intervenir en la exposición eliminando obras controversiales. Eso se denomina, correctamente, censura. Entiendo la gestión y la curaduría como tareas de inmensa responsabilidad. Me he visto en situaciones complicadas, generadas por la tensión que siempre existe entre instituciones y artistas.  Nunca censuré la obra de un artista, ni lo haría. Esta tarea requiere una posición ética, que en mi caso se sustenta en mi confianza en el poder transformador del arte”, dice.

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En México, la censura de una otra muestra terminó igual: con el museo descabezado. El Jumex suspendió el 30 de enero pasado la muestra del austríaco Hermann Nitsch luego de recibir un petitorio con 5000 firmas que rechazaba la muestra, debido a que Nitsch, fundador en los `50 del accionismo vienés, incluye en la mayoría de sus obras sangre animal. Las pinturas ya estaban en camino, y los artistas e intelectuales también hicieron oír su reclamo. “Fundación Jumex  debió mostrar a Hermann Nitsch, y dejar que nuestras polémicas ocurrieran. Es un día muy triste para el arte en México”, dijo por Twitter el crítico Cuauhtémoc Medina. Patrick Charpenel, director de la fundación, indicó que el motivo de la suspensión era el momento sensible en lo político y social que el país está viviendo, una realidad por demás sangrienta. Charpenel ya presentó su renuncia, según publicó el New York Times con fuente anónima y repercutió en todos los diarios mexicanos. Se espera el comunicado oficial.

“La censura es una acción terrible y retrógrada que salpica al que la ejerce”, dice Agustín Pérez Rubio, director del Malba, que por más de diez años dirigió  el Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León en España. “Si un director siente que no tiene los recursos o la libertad necesaria para dirigir un museo debe renunciar. Lo que no entiendo es por qué Marí despidió a los curadores, que estaban haciendo correctamente su trabajo”, señala. Justamente, uno de ellos, Preciado, pronto estará en el país para dictar una conferencia sobre las nociones de cuerpo, poder y capitalismo, en el marco de la exposición Experiencia infinita, con más de 80 personas en obras vivas, de actividad constante. La muestra también generó comentarios azorados: sucede que en una de las piezas, el performer tiene al aire su miembro viril. “Si de una exposición enorme lo único que alguien comenta es eso, bueno, habla de sus propios pudores. El arte es libre y hay que saber mostrarlo sin fiscalizar”, dice Pérez Rubio. Sus medidas para la correcta exposición de la pieza de Diego Bianchi han sido disponer la performance en un espacio cerrado, poner advertencias y explicaciones en el ingreso, y más aún, que el performer esté de espaldas al público: para verle el pito hay que rodear la instalación.

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“Creo en la pluralidad de voces, creo que hay que permitir que el público tenga acceso total y que cada uno decida sobre lo que ve y lo que le sucede frente a una obra compleja”, reflexiona Bianchi. En arteBA 2013 otra obra suya dio que hablar,Estado de Spam, una instalación con un trapito, un repartidor de volantes, un limpiador de parabrisas y un inmigrante nigeriano que vendía relojes, trabajadores callejeros que quiso hacer más visibles. Pero Bianchi sufrió el colmo del artista con consciencia social: fue acusado de discriminador. “Lo viví bastante mal porque fue la interpretación de mi discurso lo que hizo que una obra potente fuera mal interpretada y utilizada para generar una polémica”. No se agolparon manifestantes rabiosos, pero Bianchi tuvo que trajinar canales de televisión explicando lo que no hay que explicar. “Una obra puede y debe generar múltiples lecturas. Que genere incomodidad, oposición, desacuerdo o confusión me parece bien. Creo que el arte no debe denunciar, ni aleccionar, ni ejemplificar, ni documentar. Más bien, poniendo la realidad bajo la lupa, nos deja expectantes y sin respuestas frente a los problemas. Cada espectador debe encontrar el sentido. Estamos mal acostumbrando al público a la sobre-interpretación: lo estamos subestimando y eso me parece peligroso. Cuando los artistas trabajan en este margen ambivalente corren riesgo, pero eso está bien”, explica.

En enero, la cubana Tania Bruguera (que participará de la Bienal de Performance en abril) fue liberada después de que más de mil artistas de todo el mundo lo reclamaran en una carta abierta al presidente Raúl Castro. Había sido tres veces arrestada junto a otros participantes de su obra Tatlin’s Whisper #6, un micrófono abierto en la Plaza de la Revolución de la Habana para que los ciudadanos expresaran libremente sus ideas sobre el país que quisieran tener. “El arte es una herramienta, no una finalidad en sí misma y a través de ella se pueden hacer no sólo cambios perceptivos sobre la sociedad sino también cambios estructurales”, dijo Bruguera en una entrevista con el diario español El Mundo.

“Si como curadores no garantizamos un espacio de libre expresión para el arte, aun cuando no comulguemos con las ideas que muchas veces éste expresa, estamos contribuyendo a desactivar uno de los motores de transformación de los esquemas sociales. Estos se manifiestan a partir de ideologías, de límites tan opinables como el buen gusto, la intención de evitar herir sensibilidades, u otros principios extremadamente ambiguos. El arte irónico, grotesco, sarcástico, incluso fuera de la ley, ha contribuido a transformar los modos de concebir la sociedad. En tal sentido, su sentido crítico, con el que podemos no acordar, es necesario. Es necesario poder no estar de acuerdo con una obra. Como curador o como funcionario, censurar una obra o una exposición, implica eliminar pensamientos conflictivos, formas del desacuerdo expresadas en ciertas obras. Implica suscribir a la idea de que el arte debe ser domesticado”, reflexiona Giunta.

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En diciembre pasado otra muestra provocó manifestaciones en contra, Exhibit B, del artista sudafricano Brett Bailey. La obra incluía doce personas de color enjauladas o encadenadas. Los retratos vivos fueron acusados de aquello mismo que querían denunciar: racismo. Después de verse una docena de ciudades, en septiembre, el teatro Barbican de Londres suspendió las puestas por la seguridad de los performers debido a la magnitud de las protestas generadas. En París, en el Centro Cultural Centquatre, la obra  generó fuertes manifestaciones y una denuncia en la Justicia, que se resolvió a favor del artista. El director del espacio, Manuel Gonçalves, difundió un comunicado titulado Debate sí, censura no. “Esa obra de arte denuncia sin ambigüedad toda forma de deshumanización, de racismo”, defendía. Para que el arte siga siendo indomable, transgresor, libre, parece clave el rol de curadores y directores de instituciones, responsables de cuidar las condiciones de exhibición y de respaldar a sus artistas. Y algo más: no se puede confundir al denunciante de una injusticia con sus ejecutores. Es matar al mensajero.

 

María Paula Zacharías

 

publicado en su blog

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Crisis en el Museo

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Se canceló la exposición “La Bestia y el Soberano” para que no se exhibiera esta escultura en la que se representa a un pastor alemán penetrando a la líder boliviana Domitila Barrios de Chúngara y ésta, a su vez sodomizando al rey Juan Carlos I, que aparece a cuatro patas escupiendo un ramo de flores sobre una alfombra de cascos nazis de las SS.

La dirección del Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA), en una decisión sin precedentes, cancela in extremis la exposición La Bèstia i el Sobirà (La Bestia y el Soberano) ante la negativa de los comisarios a retirar una polémica escultura de la artista austriaca Ines Doujak que podría ser ofensiva con el anterior monarca. “La pieza contradice el mensaje que queremos transmitir desde el museo, por lo que aunque se trata de una decisión muy difícil, lamentable, pienso que es lo más adecuado”, según Bartomeu Marí.

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Marí niega que se pueda hablar de censura, sino de “una desavenencia irresoluble entre dirección y comisarios”. “Llevo 25 años trabajando en museos y nunca había visto algo así, siempre habíamos encontrado una solución. Esto es inaudito, no me consta de que exista un precedente en el mundo”.

De momento, la página dedicada a la exposición, en la web del museo, ya no funciona.

Al conocerse la decisión, reconocidos artistas y curadores han manifestado su indignación y rechazo a través de las redes sociales. Es el caso del curador peruano Miguel López (nuevo curador de TEOR/éTica), quien ha hecho público en su perfil de Facebook lo siguiente:

La dirección del MACBA Museu d’Art Contemporani de Barcelona es una VERGÜENZA!!!!! El director Bartomeu Mari acaba de cancelar la exposición “La bestia y el soberano” por su disgusto ante una instalación de Ines Doujak donde parodia la imagen del rey sodomizado, la cual se había presentado ya en la última Bienal de Sao Paulo. Qué triste que no esté a la altura de lo que un museo representa (y de lo que el MACBA significó casi diez años atrás articulando un modelo de museo radical), y menos aún a la altura del proyecto político que los curadores Paul Beatriz Preciado y Valentín Roma estaban poniendo en marcha apostando por un museo capaz de intervenir sin miramientos en la esfera pública y producir conflicto. La dirección del museo debe irse. Mi solidaridad con los artistas y con los curadores que acaban de renunciar. El MACBA es un museo muerto. VERGÜENZA VERGÜENZA VERGÜENZA VERGÜENZA.

La decisión ha provocado una fuerte crisis en el Macba, cuyos trabajadores se enteraron ayer de la decisión a través de un comunicado del propio Marí y ayer se reunieron en asamblea. La Bèstia i el Sobirà está comisariada por Hans D. Christ, Iris Dressler, Paul B. Preciado y Valentín Roma, ya suspendió ayer la presentación ante los medios de comunicación. La exposición ha sido coproducida con el Württemberg Kunstverein de Stuttgart (WKV). De momento, donde sí se presentará en el futuro, ya que sus directores están en desacuerdo con la decisión de Marí.

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Bea Espejo escribe en El Cultural:

En el caso del MACBA, la exposición esconde una ácida alegoría: la bestia, que se supone que desconoce el derecho, y el soberano, cuyo poder reside precisamente en su capacidad de suspender el derecho. El de expresión lo hace ahora el museo, porque ninguno de los cuatro comisarios imaginó que este proyecto acabaría así, ni Hans D. Christ y Iris Dressler, directores del Württembergische Kunstverein de Stuttgart, el centro que co-produce la muestra, ni Paul B. Preciado y Valentín Roma, del propio equipo del MACBA, fichados hace poco más de un año celebrando una “nueva etapa” del museo… ¿Un caso de censura? “No. El museo es un medio de comunicación y la lectura que desprendía esta exposición son nocivas para la institución. Mi trabajo, como director del MACBA, consiste, entre otras cosas, en velar en que el museo no se debilite. El MACBA es un museo público. Si fuera un museo privado sería diferente, pero no es el caso. Así que he cancelado la exposición por coherencia, no por miedo”, dice Bartomeu Marí, el director.

“El lunes supe que en la exposición que preparábamos para inaugurarla hoy mismo, había una obra que, al explicármela, consideré que no era apropiado que el museo la expuesiera, que era contradictoria con la línea con la que trabajamos aquí, y pedí a los comisarios que la retiraran. Al no querer hacerlo tuve que tomar la decisión de cancelarla. Hacer una exposición en un museo conlleva siempre una discusión abierta. Es habitual que haya una negociación abierta entre artistas, comisarios e institución sobre lo que se expone y lo que no. Toda exposición es el resultado de un pacto y aquí no lo hemos tenido. Llevo más de 25 años trabajando en museos e instituciones culturales y nunca he visto nada parecido. Una exposición implica siempre un proceso de mediación entre los comisarios y la institución, y es sorprendente y lamentable no haber conseguido llegar a un acuerdo. Es un error del equipo de contenidos del museo, y un error que asumo. Todos los seres humanos cometemos errores. Es algo penoso, muy triste que lamento profundamente“, argumenta Marí.

A las 19.30 horas del miércoles 19 de marzo se convocó una concentración de protesta del sector en la plaza del Macba.

El viernes 20 de marzo el director del MACBA reconsidera su decisión ante la andanada de críticas y cartas de rechazo por parte de la comunidad artística local e internacional. Dice Bartomeu Mari: “Si inicialmente pensé que la no inclusión de la obra de Ines Doujak o la no apertura de la muestra protegería al Macba como institución cultural dedicada al servicio público, las consecuencias de ello han sido las contrarias a las deseadas. La publicidad dada a la obra y las opiniones emitidas por muy diferentes sectores de la sociedad, desde el mundo del arte y la cultura hasta la política y los medios de comunicación, así como los profesionales internacionales del arte, me han hecho reconsiderar la decisión inicial de no inaugurarla”.

El director del Macba rectifica y abrirá la exposición con la polémica escultura

Los directivos del Macba han echado el freno y marcha atrás y decidieron volver a exhibir la escultura de Inés Doujak y John BarkerHaute couture 04 Transport, que había sembrado una intensa polémica en los últimos días.

En una carta abierta firmada por el director del centro, Bartomeu Marí y hecha pública a última hora de la tarde, se dice: “Ante la práctica unanimidad de voces de asociaciones profesionales y sectoriales, entidades e individuos exigiendo la apertura de la exposición La bestia y el soberano, he decidido que esta sea accesible al público a partir de mañana, sábado, 21 de marzo. Si inicialmente pensé que la no inclusión de la obra de Ines Doujak o la no apertura de la muestra protegería al Macba como institución cultural dedicada al servicio público, las consecuencias de ello han sido las contrarias a las deseadas. La publicidad dada a la obra y las opiniones emitidas por muy diferentes sectores de la sociedad, desde el mundo del arte y la cultura hasta la política y los medios de comunicación, así como los profesionales internacionales del arte, me han hecho reconsiderar la decisión inicial de no inaugurarla”.

La crisis abierta en el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (Macba) por la decisión de su director, Bartomeu Marí, de cancelar esta exposición debido a la inclusión de una obra alusiva al rey Juan Carlos —en la que el ex jefe del Estado parece ser sodomizado— ha dejado al descubierto más de un problema. ¿Podrá ahora, después de esta carta y de este arrepentimiento el Consorcio del museo renovar la confianza en su director Bartomeu Marí? La respuesta se conocerá el lunes tras la reunión extraordinaria de la comisión delegada, formada por Ayuntamiento, Generalitat, Ministerio de Cultura y Fundación Macba.

Inés Doujak, cocreadora de la obra, aseguró ayer que el director conocía la inclusión de la obra desde febrero y no tan sólo unos días antes de la frustrada inauguración de la muestra, como él afirmó. Doujak mostró un correo electrónico con la hoja del préstamo, validada y firmada por Marí el 25 de febrero de 2015. “Este documento muestra que el director sabía que mi obra formaba parte de la exposición al menos un mes antes de la inauguración”.

El museo acaba de modificar sus estatutos, pendientes sólo del proceso burocrático de aprobación, para cambiar los porcentajes de financiación: El Ayuntamiento aportará al 60%, con lo cual detendrá la presidencia del Consorcio de forma permanente, la Generalitat al 30% y el Ministerio al 10%. Los miembros de la comisión esperan para pronunciarse. Antes de conocerse el contenido de la carta de María, el consejero de Cultura, Ferran Mascarell señaló: “Hay que dar confianza a los directores”, en declaraciones a Efe. En las últimas horas se multiplicaron las peticiones de dimisión del director por parte de profesionales del arte como desde las redes sociales, y desde las asociaciones del sector. Los trabajadores del Macba difundieron un comunicado conciso y contundente en el que, además, de la apertura de la muestra, pedían “continuar con el proyecto iniciado hace un año con el fin de desplegar la programación acordada y revisar el modelo de dirección”. “Todo ello no es más que el síntoma de una situación que el Macba arrastra desde hace seis años y que ha dejado a la institución en una posición de fragilidad e incertidumbre”, sostiene la nota.

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Cuando el arte contemporáneo indigna a la izquierda

A lo largo de 2014 se han presentado una serie de situaciones en las que distintas agrupaciones de sectores conservadores de la iglesia y la extrema derecha se han sentido ofendidos por exposiciones, obras en bienales y performances en el espacio público. Este caso que nos hacen llegar a esferapública se refiere a la indignación que causó a partidarios del gobierno de Venezuela la obra del artista cubano Jesús Hernández-Guero, quien utilizó la bandera del vecino país en “una instalación a escala real de un asta doblada que iza la bandera venezolana “en el suelo”: ha caído por su propio peso, el de su realidad”.

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Tener la culpa

“Las banderas me ponen incómodo”

Norman Mailer  

Al recibir el Primer Premio en el concurso digital “Jóvenes con FIA 2.0/2” en el 2013, fui invitado a participar en el “Salón Banesco Jóvenes con FIA / XVII Edición – 2014”, como parte del propio Premio.

Durante mi exposición personal “Capital sin nombre”, en marzo-abril del presente, conozco a la curadora encargada del XVII Edición del Salón: Ruth Auerbach. Sostuvimos interesante diálogo sobre sus intenciones curatoriales para el evento y surgió la idea de proponerle algún proyecto para el mismo.

En junio, envié tres en los cuales trabajaba al unísono y que podían ser de interés para su propuesta curatorial: “Balas de papel”, “Minutos de odio contra sí mismo” y “Tener la culpa”, siendo ese último el seleccionado.

Tener la culpa 2013-2014 Jesús Hdez-Güero (Gráfico)

TENER LA CULPA, 2013-14

Instalación / Bandera venezolana (150 x 90 cm), asta de bandera en hierro negro, cordel y base de concreto.

200 x 500 x 100 cm

Caracas, 2013-14

La bandera es símbolo patrio que legitima la soberanía de una nación, su identidad geo-política y socio-cultural. Imagen que se contempla, saluda y honra de “cara al sol”. Una insignia de las alturas. “Tener la culpa” es una instalación a escala real de un asta doblada que iza la bandera venezolana “en el suelo”: ha caído por su propio peso, el de su realidad. Una realidad reflejada – más que en la bandera – en la propia asta, donde la perdida de fuerza y solidez, hacen imposible que esté en el aire. Un asta víctima de gran tormenta, que aun no ha sido quebrada, y por lo tanto, pudiera ser enderezada y restituida a su posición fundacional, en la cual su verticalidad ubicaría nuevamente la bandera en el cielo. 

Sin inconveniente es aceptado el proyecto, un mes y medio antes de la inauguración, por la curadora y la directiva de Ciudad Banesco (Complejo bancario y espacio de la exposición) y los organizadores de la Feria Iberoamericana de Arte (FIA).

Recibo apoyo financiero por parte del departamento administrativo de la FIA para completar la producción.

Las fechas de montaje son previstas para los día 3, 4 y 5 de septiembre.

Septiembre 4, 2014

Montaje

Sin dificultades. Queda lista para la inauguración.

Septiembre 5, 2014 

Montaje

Me comunican del accidente peatonal ocurrido a una “señora X”, quien tropezó con la obra. Por argumentos “de seguridad”, retiraron la bandera.

Me personé en Ciudad Banesco. Compruebo que la bandera no estaba.

Plantean la posibilidad de trasladar la pieza a otro lugar de menos tránsito.

Por decisión personal y de la curadora, quedó en el mismo lugar.

Restituí la bandera al asta.

 

Septiembre 9, 2014

Conferencia de Prensa

Compruebo que – grotescamente – la bandera estaba tapada con una bolsa negra de polietileno.

Argumentan – de manera pueril – que llovió el día anterior y el agua corrió hacia ella (en el montaje se valoro este riesgo), que la retiraron y volvieron a colocar.

Al retirar la bolsa, observo que la bandera había sido colocada al revés, con el escudo hacia abajo y el arco de estrellas hacia arriba. Requerí a los organizadores. Rectifico el “error”.

La conferencia de Prensa transcurre sin problemas.

Esa noche me informan de reunirnos el siguiente día en la Galería D´Museo, con la directiva del evento (Feria Internacional de Arte), las ejecutivas de Banco Banesco y la curadora del evento, para tratar  “una cuestión delicada que no podían contarme por teléfono”. 

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Septiembre 10, 2014

Día antes de la inauguración (Retiran la bandera)

En la mañana, en Galería D´Museo, me muestran, impresos, “tweets” de partidarios al gobierno, protestando y denunciando a Banesco por la presentación, en su espacio, de la obra.

Comentarios “retwiteados” (preocupaban mucho…) con la imagen de la obra a la cuenta del Presidente de la República, el Presidente de la Asamblea Nacional y otros funcionarios e Instituciones del gobierno.

Los medios de prensa ya habían publicado imágenes de la obra.

Solicitaron que quitara la bandera por temor a probables requerimientos del gobierno y sus medidas.

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Tweets sobre la obra en Banesco 2014-09-11 at 2

Hablaron de cuidar su reputación, su nombre.

Me negué a retirarla. Tuvieron que hacerlo ellos.

En cordinación con la curadora, revertí lo acontecido. Permití que el asta se mostrara sin la bandera como vestigio del hecho, de la censura misma.

Documenté el proceso que hicieron al retirarla con un rebuscado aura ceremonial. Un performance en sí mismo.

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Septiembre 11, 2014

Inauguración

Se hizo con la pieza “modificada” por los organizadores, constatando la censura.

TENER LA CULPA, 2013-14, Dia de la inauguración, 11 sept 2014

TENER LA CULPA, 2013-14, Dia de la inauguración, 11 sept 2014 (2)

TENER LA CULPA, 2013-14, Dia de la inauguración, 11 sept 2014 (3)

La censura no siempre cuenta con un equipo suficientemente calificado. Pero a veces a los censores hay que reconocerles un grado superlativo de ilustración. Este es uno de esos casos. Evidentemente “Tener la culpa” despertó reminiscencias de Isidore Ducasse y del surrealismo francés. Ducasse influyó en los surrealistas con los Cantos de Maldoror, pero también con una célebre máxima: “La poesía debe ser hecha por todos”, oblicuamente llevada a la praxis en 1925 con el juego y la técnica del cadáver exquisito.“Tener la culpa” ha resultado ser una instalación progresivamente hecha por tantos que todos somos culpables de seguir enseñanzas de Ducasse y prácticas del surrealismo. A los innumerables e innombrables cómplices, efusivas gracias.

publicado por Jesús Hdez-Güero en su portal

Enviado a esferapública por Wilson Díaz


Cuando el arte contemporáneo indigna a la extrema derecha

derecha

El artista estadounidense Paul McCarthy acaba de protagonizar el mayor escándalo de la temporada cultural en París. El motivo es una escultural obra hinchable titulada Tree, que instaló hace dos semanas en la Place Vendôme, en pleno centro de la capital francesa. Los más inocentes vieron en él un gigantesco árbol de Navidad. Pero también hubo quien logró distinguir en la obra la forma de un juguete sexual de dimensiones colosales. Y, con esa nueva interpretación, nació el escándalo.

El colectivo ultraconservador Printemps Français, nacido durante las manifestaciones masivas contra el matrimonio homosexual, fue el primero en pasar al ataque: “Un plug anal gigante de 24 metros de altura acaba de ser instalado en la Place Vendôme. ¡La Place Vendôme desfigurada! ¡París humillado!”. Un par de días más tarde, el artista fue agredido por un transeúnte que le identificó como el autor de la escultura y le llamó “estúpido y jodido estadounidense”. Horas después, la obra era saboteada por un grupo de anónimos que lograron desinflarla. El artista de 69 años decidió entonces no volver a levantarla para evitar “potenciales desmanes” y “no verse involucrado en el enfrentamiento y la violencia física”, según un comunicado.

Pero el entorno de McCarthy advirtió entonces que preparaba una particular venganza en forma de nueva exposición. El resultado se ha desvelado ahora. El artista acaba de inaugurar Chocolate Factory, una macroinstalación que reproduce el funcionamiento de una fábrica de chocolate, instalada en el nuevo espacio para el arte contemporáneo de La Monnaie de París, casa de la moneda ubicada en un palacete dieciochesco a la orilla del Sena. Los operarios de esta obscena chocolatería lucen pelucas rubio platino e idéntico rictus taciturno, mientras confeccionan huevos de chocolate que adoptan la misma forma que ese sex toy gigante con el que estalló la polémica dos semanas atrás. Después, los acumulan en las salas de exposición e incluso los venden en la tienda del museo al módico precio de 50 euros.

El artista se mantiene fiel a una línea habitual en su trayectoria, iniciada en los setenta en el mismo círculo de vanguardia en el que figuraban Chris Burden o Mike Kelley, y que acostumbra a provocar a la sociedad biempensante para dejar su ridiculez a la vista. El uso de referentes de la cultura pop y su crítica implacable a la sociedad de consumo nunca dejan indiferente. Por ejemplo, el artista ha travestido a Popeye, convertido a Pinocho en símbolo fálico e incluso comparado la fantasía del imperio Disney a la utopía hitleriana. “Para mí, Heidi o los enanos de Blancanieves solo son esqueletos que utilizo para revelar qué es la sociedad”, explicó hace unos días a Le Monde.

Al lado de la sibilina inteligencia que desprendía su trabajo anterior, la obra más reciente de este hijo de mormones de Utah puede parecer facilona e incluso inocua. No lo creen así los colectivos tradicionalistas, opuestos a lo que consideran un nuevo síntoma de la deriva moral que vive Francia, y que no dejan de rugir ante la provocación deliberada del artista estadounidense. Constituidos en poderoso contrapoder contra el ejecutivo de François Hollande, no dudan en protestar contra todo lo que no se ajusta a su credo ultracatólico. Y eso abarca desde una exposición que incita a los niños a descubrir las bases de la sexualidad –sucedió hace unos días en la Cité des Sciences de París– hasta un programa de sensibilización a las cuestiones de género en la escuela pública, iniciado por la actual titular de Educación, Najat Vallaud-Belkacem, a la que el movimiento ha convertido en una de sus bestias negras.

Esa contestación salpica también al arte contemporáneo, ya estigmatizado en los últimos tiempos por el Frente Nacional. Su presidente de honor, Jean-Marie Le Pen, compartió la semana pasada su opinión sobre la “supuesta escultura” de McCarthy y denunció que ese “sex toy homosexual de catálogo especializado” hubiera sido financiado con dinero público. “Me parece escandaloso, cuando se es heredero del arte egipcio, griego y latino, que solo se vaya a buscar estos espectáculos artísticos a los museos de François Pinault”, dijo Le Pen, en referencia al magnate y coleccionista especializado en el último arte contemporáneo. El mediático ensayista Éric Zemmour, “apreciado” por Le Pen y actual líder de ventas con un panfleto reaccionario titulado Le suicide français, calificó la obra de “engaño” y se alegró de su destrucción. “No apruebo la agresión al artista, pero estoy contento de que la gente haya dejado de comportarse como conejos ante las luces de un coche ante este timo llamado arte contemporáneo, un camelo que revela la vacuidad de nuestra época y la estafa de la globalización”, declaró.

Parte de la exposición ‘Chocolate Factory’

McCarthy ha recibido el apoyo de la ministra de Cultura, Fleur Pellerin, muy criticada estos días por reconocer no haber leído al último Nobel, Patrick Modiano, y no abrir una novela “desde hace dos años”. “Muchos desearían el retorno de una definición oficial del arte degenerado”, dijo Pellerin, en referencia al ataque ejecutado por los nazis contra los artistas de vanguardia. Incluso Hollande ha salido dos veces en defensa del artista estadounidense. “Francia estará siempre del lado de los artistas como yo lo estoy de McCarthy”, ha dicho el presidente francés. “Francia no es ella misma cuando está atormentada por la ignorancia y la intolerancia”.

Hace tiempo que la ultraderecha francesa explicita una hostilidad creciente ante la creación contemporánea. En julio, un político del Frente Nacional, Fabien Engelmann, alcalde de Hayange (Lorena) y consejero político de Marine Le Pen, decidió pintar de azul cielo una fuente escultórica de Alain Mila sin pedir permiso al artista. ¿El motivo? La encontraba “siniestra”. En febrero, un grupo de manifestantes de extrema derecha intentó interrumpir un espectáculo del coreógrafo Olivier Dubois en la Vendée, al oeste del país. ¿La razón? Los nueve hombres y nueve mujeres que se subían al escenario iban desnudos. “Un espectáculo así no tiene lugar en un teatro público”, expresó la líder local de la ultraderecha. En 2011, la asociación extremista Civitas protestó contra una obra de Romeo Castellucci en París, el mismo año que católicos integristas destruyeron una fotografía de Andrés Serrano donde aparecía un crucifijo en un vaso lleno de orina.

La oposición de la extrema derecha al arte contemporáneo se remonta a los ochenta, cuando el Frente Nacional ya se indignó ante la instalación de las columnas que Daniel Buren instaló en el patio del Palais Royal de París. Para sus militantes, el arte contemporáneo sería parte integrante de la “insoportable realidad de una sociedad en plena decadencia”, tal como diagnostica su líder, Marine Le Pen.

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A continuación, algunos casos recientes en los que extremistas y grupos religiosos han atacado y censurado obras y eventos de arte contemporáneo:

Hungría. El gobierno de Viktor Orban emprendió en 2010 un plan de ataque a las instituciones dedicadas a exponer arte contemporáneo. El Mücsarnok Kunsthalle de Budapest, especializado hasta ahora en las últimas formas de expresión, se dedicará a partir de ahora a las “técnicas tradicionales de la pintura y su vieja tradición de 8.000 o 10.000 años”, en palabras de su nuevo director, György Szegö. Este arquitecto se opuso en septiembre al arte contemporáneo, considerando que estaba destinado a “una pequeña élite” y oponiéndose a su tendencia “a la provocación”. Consideró que el arte no debe “atacar las religiones ni ridiculizarlas”.

Brazo masturbador, Sarah Lucas

Brazo masturbador, Sarah Lucas

Grecia. En 2012, el estreno en Atenas de Corpus Christi, obra de Terrence McNally que presenta a Jesús y los apóstoles como un grupo de hombres gais viviendo en Texas, fue suspendida tras las protestas homófobas de miembros del partido Amanecer Dorado. En 2007, una video de la artista Eve Stefani que presentaba a una mujer desnuda masturbándose con el himno nacional de la junta dictatorial que gobernó el país hasta 1974, fue retirada de la feria Art Athina por la policía griega. El director de la feria fue detenido. En 2002, una obra de Sarah Lucas titulada Wanking Arm (“Brazo masturbador”) fue retirada a petición del ministerio de Cultura, tras las protestas del político de ultraderecha Giorgos Karatzaferis. “Es lo más obsceno, inmoral y desvergonzado que nunca haya visto”, declaró.

David LaChapelle

David LaChapelle

Austria. En mayo, el fotógrafo David LaChapelle se convirtió en víctima de los ataques del Partido de la Libertad (FPÖ) por un cartel promocional para una gala contra el sida protagonizado por la modelo transgénero Carmen Carrera, quien mostraba sus pechos pero también su pene. La formación ultraderechista, liderada en su día por el desaparecido Jörg Haider, lo consideró pornográfico, “de mal gusto” y “contrario a la ley”. En 2001, una exposición con artistas como Louise Bourgeois, John Baldessari o el mismo Paul McCarthy ya fue criticada por el mismo partido. Uno de sus líderes dijo entonces que el arte contemporáneo “ni siquiera se puede considerar degenerado, sino que, en el mejor de los casos, indica problemas mentales”.

Martin Kippenberger

Martin Kippenberger

Italia. Corinne Diserens, directora del Museo de Arte Moderno de Bolzano, en el norte del país, fue destituida en 2008 por exponer una escultura de Martin Kippenberg que representaba a una rana crucificada con la lengua fuera. La obra había sido objeto de críticas de las mayores autoridades de la Iglesia católica, incluido el entonces papa Benedicto XVI, que escribió una carta al presidente de la región, Franz Pahl, apuntando que la escultura había “herido el sentimiento religioso de muchas personas que ven en la cruz un símbolo del amor de Dios y de nuestra salvación”.

 

“La única iglesia que ilumina es la que arde ¡Contribuya!”

“La única iglesia que ilumina es la que arde ¡Contribuya!”

Es la frase la obra de la obra Cajita de fósforos (2005), un montaje del colectivo argentino feminista Mujeres Públicas, que se muestra en la exposición Un saber realmente útil, abierta en el Museo Reina Sofía, y que ha generado un airado reclamo de grupos católicos por “el carácter blasfemo y ofensivo de la obra”

Grupos católicos protestan contra la Bienal de Sao Paulo

Grupos católicos protestan contra la Bienal de Sao Paulo

Por estos días en la Bienal de Sao Paulo se han manifestado grupos católicos, protestando por obras (Del Grupo Etcétera, León Ferrari y Museo Travesti del Perú) que en su opinión resultan blasfemas, sacrílegas y atentan contra la moral cristiana.

Grupo católico busca censurar exposición en la Iglesia Museo Santa Clara

Grupo católico busca censurar exposición en la Iglesia Museo Santa Clara

Desde el pasado 5 de agosto de 2014, la exposición de arte contemporáneo “Mujeres ocultas” a exhibirse en el Museo Santa Clara a partir del 28 de agosto hasta el 28 de septiembre de 2014, quiere ser censurada por la página de internet “Voto católico”, invitando a sus navegantes a votar una petición donde se le exige a la Directora del Museo Santa Clara “abstenerse de realizar en el recinto histórico del museo Iglesia de Santa Clara que usted dirige, la exposición “Mujer en Custodia” de la artista plástica María Eugenia Trujillo

 

 

publicado por El País


Grupos católicos protestan contra la Bienal de Sao Paulo

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Hace un par de semanas Grupos católicos se manifestaron en Bogotá por la muestra de las custodias en el Museo Santa Clara. A través de cartas de petición online, publicaciones en redes sociales y 50 tutelas lograron que un juez dictara medidas cautelares y se suspendiera temporalmente la muestra. Pasaron los días y el juez autorizó la exposición luego una inspección judicial a la muestra en el Museo Santa Clara.

Por estos días en la Bienal de Sao Paulo se han manifestado grupos del Opus Dei, protestando por obras (Del Grupo Etcétera, Nahum Zenil, León Ferrari y Museo Travesti del Perú) que en su opinión resultan blasfemas, sacrílegas y atentan contra la moral cristiana.

Aquí el manifiesto acompañado de imágenes (seguido de una nota publicada en Fohla de Sao Paulo)

Aborto, blasfemia y sacrilegio en la 31 Bienal de Arte de Sao Paulo

Es muy posible que su hijo, sobrino o nieto serán invitados por la escuela, si no lo han hecho ya, a visitar la Bienal de Arte de São Paulo. Eso es lo que suele ocurrir…

Este año, qué podrá ver?

Un conjunto escandaloso de blasfemia y sacrilegio contra Nuestro Señor Jesucristo y de la Santísima Virgen, una incitación a la legalización total de aborto y una promoción abierta de la homosexualidad!

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Imagen de Nuestra Señora cubierta de insectos y escorpiones

Proteste ahora y envíe su mensaje a los directores de las escuelas de São Paulo para que que no promuevan la gira de sus estudiantes a la 31a Bienal de Arte de Sao Paulo!

Representantes Instituto Plinio fueron a la Bienal a producir un documental y quedaron horrorizados por lo que vieron:

1 – La exposición “Errar de Dios” expone la sagrada figura de Jesucristo crucificado y comido por los cuervos.

2 – A continuación, una imagen de la Virgen con el Niño Jesús todos cubierta por cucarachas y escorpiones.

3 – Una serpiente enroscada en el cuerpo de la Virgen María, con la clara intención de revertir el concepto católico de la Virgen aplastando la cabeza de la serpiente. (Gen 3, 15)

4 – La última cena en una sartén para freír, y una imagen de Nuestra Señora a punto de ser aplastado por un rallador de cocina.

5 – Al final de esta exposición, los guías a los visitantes de la Bienal invitan a firmar una petición al Papa Francisco, pidiendo la “abolición total del infierno.” La mayoría de los visitantes no lo leen y firman sin darse cuenta de que el abajo firmante es promovido por CIHABAPAI (Club Wicked, herejes, apóstatas, Blasfemos, ateos, paganos, agnósticos e infieles). Se le pedirá a su hijo o pariente a firmar esta petición al unirse a un club tan blasfemo!

6 – Una exposición llamada “Abortar Space” incluye varios “vientres” gigantes. El objetivo es que las mujeres a tomar ellos y escribir “testimonios” de “experiencias”, abogando por la legalización del aborto en Brasil! (Cf .. El País, 09/04/14)

7 – También hay “una habitación llamada” Dios está [palabra no imprimible], con obras que subvierten iconos católicos, como una Virgen con barba “(Folha de S. Paulo, 09/06/14). En la misma habitación “registros andróginos de cuerpos y relaciones homoeróticas a través de las imágenes religiosas como la Virgen de Guadalupe” (OESP 31/08/14).

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Los escolares hacen fila para visitar la Bienal de Arte de São Paulo

8 – En la misma muestra encuentra la obra Casa Particular, que según el sitio oficial de la Bienal, “promulga la Última Cena de Jesús con sus discípulos en una calle de burdeles de San Camilo en Santiago [Chile]. En esta acción, una de las prostitutas, sentada en la mesa, toma el doble papel de Cristo y Pinochet, diciendo (…), después de ofrecer el pan y el vino: “Esto es mi cuerpo, esta es mi sangre ‘” (cf .. http://app.31bienal.org.br/pt/single/1110).

9 – “El Giuseppe Campuzano peruana y su ‘Transexual Museo del Perú”, que incluye a la Virgen de los rasgos masculinos “(El País, 04/09/14), en la” línea de tiempo “exposición.

10 – Exposición de postales de iglesias, conventos e imágenes por los comunistas durante la Guerra Civil española (1936-1939).

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Los patrocinadores de la Bienal

Protesta ahora y enviar su mensaje a los directores de las escuelas de São Paulo, que pidió no promocionar la gira de sus estudiantes a la 31a Bienal de Arte de Sao Paulo!

Pablo Lafuente, uno de los curadores de la Bienal, dijo: “Esperamos que este sea un sondeo de la sociedad y también una oportunidad para abrazar una fuerza artística transformadora” (El País, 09/04/14).

En otras palabras, quieren cambiar nuestra mentalidad y nuestros hijos, y nos llevará a una sociedad en que el aborto, la inmoralidad y la maldición de Dios llegan a ser comunes…

“Dios Es Marica”, Nahum Zenil

“Dios Es Marica”, Nahum Zenil

¿Los brasileños pueden permanecer indiferentes a este arsenal de blasfemia de esta Bienal hasta el 7 diciembre 2014?

Podemos dejar que nuestro Señor y su Santísima Madre se ofendan de esa manera?

Podemos dejar que las escuelas bajo el pretexto de la “educación artística”, lleven a nuestros niños y jóvenes a asistir a estos y otros delitos contra la fe y la moral?

La blasfemia no es arte, no es “libertad de expresión”: La blasfemia es una grave falta de respeto al segundo Mandamiento de la Ley de Dios!

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Arte? Blasfemia! Blasfemia? Arte!

Bienvenido a “una verdadera Babel de odio a Dios.”

La virgen María es ahora un travesti, está cubierta de cucarachas. Una sala se llama “Dios es Marica” (Dios es raro). Los visitantes son invitados a “procesión” dentro de úteros gigantes donde cortinas rojas delimitan “espacios para abortar.” Daniel Martins, 28, se horroriza. “Es una provocación a la religión, el Señor nuestro Dios. Una guía invitó a los estudiantes a firmar una petición para la abolición del infierno “, dijo el coordinador de la joven acción Folha IPCO (Instituto Plinio Corrêa de Oliveira).

El grupo lleva el nombre del fundador de TFP (Tradición, Familia y Propiedad), organización católica conservadora que cree: “empobrecer la familia destruye la civilización.” Ahora quieren hacer ruido. Tocar la bocina, para ser precisos, en contra de la 31 Bienal de São Paulo oficialmente -anunciada como una muestra de “transgresión, trascendencia y transexualidad”. Según Martins, imprimieron 50.000 panfletos denunciando “el aborto, la blasfemia y sacrilegio” en la exposición.

Tenemos una lista de diez obras blasfemas que se pueden ser vistas por “su hijo, sobrino o nieto” en las giras de colegios. Por lo tanto hay que fomentar el envío de mensajes de protesta a directores paulistanas escuelas. La medida también sugiere presionar el cardenal de Sao Paulo, Dom Odilo Scherer. Se debe aprovechar “su gran influencia -como corresponde a su sagrada misión de pastor- para prevenir estos sacrilegios se siguen cometiendo en su jurisdicción.” El aviso dice que la Arquidiócesis de São Paulo don Odilo pronto visitará la Bienal y, a continuación, evaluar si vale la pena tomar alguna posición. CRUZADA Cerca de 40 voluntarios han estado distribuyendo el manifiesto de la ciudad.

Esta semana que estuvimos en frente del metro Butantã y PUC. La Avenida Paulista es una de las próximas paradas. “La blasfemia no no es arte, es ‘libertad de expresión'”, dice el documento. El IPCO también grabó un vídeo de la exposición de la “dictadura feminista” del boliviano colectivo “Mujeres Creando”, responsable de la instalación pro-aborto. En el material publicado en Internet, varios “piiiis” sustituyen a las mujeres profanidad lesionados con la presencia del grupo en el pabellón de la Bienal. Una mentira tiene patas cortas para ocho Martins. En su opinión, la exposición ya ha demostrado que vino a elegir como símbolo de dibujo “de un hindú” (Indian Prabhakar Pachpute).

Para el equipo de curadores de la Bienal, “El arte refleja en los temas que afectan la vida de las personas”. “Hablar de cosas complejas, invisibles u ocultas es la clave. Creemos que el debate público que está emergiendo es importante para hacer frente a temas tan sensibles como el derecho de las mujeres a decidir sobre su propio cuerpo, el tema de la libertad sexual y el lugar y el papel de la religión y de la fe en nuestra sociedad “.

 

* Traducido para esferapública por Manuel Tenreiro. Manifiesto en Contraindicaciones.


EducARTE

Hace ya dos meses se publicó en Esfera Pública una carta abierta, describiendo las difíciles circunstancias financieras —como estudiante colombiano de postgrado, en el exterior— de Víctor Albarracín. Artista plástico contemporáneo quien, como él mismo lo describe, ha incursionado en múltiples actividades yendo desde la pedagogía en universidades como los Andes, ASAB, Javeriana, Nacional, Tadeo; hasta la creación de performáticas y disonantes bandas de rock, entre otros tantos proyectos colectivos.

Sin embargo, podríamos decir que dentro del medio se ha caracterizado como uno de los más notables líderes de opinión; galardonado por el Premio Nacional de Crítica de Arte y columnista despedido de la Revista Arcadia, al haber tanteado una fibra sensible de su comité editorial (¿o gerencia comercial?). También, entre un amplio etcétera se le reconoce como la cabeza visible de El Bodegón, el vital y prolífico espacio artístico autogestionado que ha marcado una época importante —aún después de su cierre— dinamizando este tipo de iniciativas, las mismas que hoy describen parte importante de la práctica artística a nivel local.

Para el momento, su caso fue difundido con gran interés entre las redes sociales de aquellos cercanos a las micro-polémicas del arte. En tal oportunidad, este artista tan difícilmente perfilable, se identifica como un estudiante extranjero en ciernes de ser deportado por padecer ciertas condiciones económicas que vulneran la progresión misma de la que ha sido una significativa carrera, poniendo en peligro la continuidad de su postgrado en la Ciudad de Los Ángeles (EE.UU), en cuyas calles, incluso, él ha tenido hasta que pedir comida y dinero.

Pese a sufrir circunstancias tan particulares pero que curiosamente logran generar una fuerte empatía, su caso con seguridad llamará la atención de cualquiera que esté interesado en los álgidos temas de la educación en Colombia.

De hecho, debería despabilar a más de uno, también desvelado por las deudas educativas; porque, el cuestionamiento que hace Víctor de su propia condición, controvierte la actitud resignada a ese tipo de frustración perpetua que determina tanto a aquellos marcados por el compás de espera que imponen las obligaciones monetarias, como a quienes ya ni se lamentan ante sus pobres perspectivas disminuidas por falta de recursos para costear educación superior alguna, aún con la oferta de créditos y becas parciales.

El asunto es simple: Aunque Fulbright y el Ministerio cubren mis gastos básicos de sostenimiento, salud, tiquetes y etcétera, la parte de la matrícula que tengo que pagar al año, es decir 17,000 dólares, no está cubierta. Eso lo sabía desde antes de venir y es una decisión que es de mi entera responsabilidad. Creo que todos habrán escuchado algo sobre el enorme problema en que se ha convertido, en los Estados Unidos, los costos de la educación superior. Pues bien, aunque tengo una beca de mi universidad por dos terceras partes del total de la matrícula, el tercio que debo yo asumir sube hasta los 17,000.

El año pasado, esos 17,000 dólares los saqué, haciendo maromas y pidiendo plazos, del dinero que el Ministerio me daba, muy cumplida y generosamente, para sostenimiento. Así pues, para vivir, me quedaba con casi nada. Entre chisguitas, frilanceo y caridad logré pasar el año en medio de enormes limitaciones. Dormir por ahí, caminar por horas para ir de un lado al otro, comer bastante mal, pedir prestado a los profes, a los compañeros y a los amigos en Colombia, usar la estrategia tan colombiana de pedir comida y monedas en los semáforos, etcétera. No todo el tiempo, pero mucho más que lo deseable.Carta Abierta. Víctor Albarracín.

Formación para el Trabajo

Y es que ampliando lo dicho en el importante pero fulminante debate, abierto —y al parecer ya definitivamente clausurado— por este caso. Es bien sabido que acceder a la educación superior, para el 99% de los colombianos, muchas veces significa asumir trabajos forzados de por vida, cumpliendo con el pago eterno de unas cuotas pactadas como con el diablo y todo, para terminar engrosando la fila express hacia el castigo de lo que realmente puede suponer, precipitarse a un trabajo infernal.

Encadenarse a una organización de crédito educativo, es el sacrificio que debe aceptar quien reconoce para sí mismo el derecho a la educación. Su vida pasa a ser propiedad intransable de la deuda sin merecer por lo menos la etiqueta de producto, ya que a este “proletario” tan particular, en principio, ni siquiera se le dará el chance de venderse al mercado laboral para así obtener los réditos de su ventaja académica, pues le serán cobrados con creces y durante un largo periodo, por la institución acreedora. En conclusión, podría decirse que la deuda misma es adquirida prioritariamente para conseguir cómo pagarla.

De tal manera, la auto-precarización es obligatoria para el ciudadano de la deudocracia mundial. Y por donde uno lo vea, su condición es prototípica para fijar las características de la esclavitud contemporánea como proceso generalizado hacia la profesionalización.

A lo largo de estas complejas vías para el acceso a la educación, hoy cercadas por el andamiaje avasallante del sistema neoliberal que impera desde lo alto de los tronos de sus instituciones formativas, dirigidas inescrupulosatemente como empresas privadas para el brutal negocio de la cualificación humana y casi de manera exclusiva en base al capital que posee cada cliente; se asegura que el graduado dedique su vida entera a alimentar al sistema laboral mientras difícilmente supera la situación de déficit, dejándole cada vez menos esperanzas de aspirar a algo más o diferente, que ser un trabajador ejemplar: conforme, obediente, sumiso, servicial, etc. De manera tal, que las virtudes e ideales de emancipación prometidas por el ideal de un sistema educativo, actualmente se han transfigurado hasta definirse por sus características opuestas, trazando una ancha senda hacia la servidumbre “voluntaria”.

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Adiestramiento

Por su parte, en este Estado Anti-Social de Derechas, los más “afortunados” entre tales deudores, no vislumbran opción al ciclo “natural” —biopolítico— de progresar para pagar la deuda y con ello planificar una familia, hacer patria triunfando en el exterior; posteriormente comprar casa, carro y en una palabra, encontrar la felicidad en la sumisión a las formas de vida estereotípicas del rampante neo-fascismo capitalista.

En tales casos no sólo es relevante la programación que impone la sin salida al laberinto de las obligaciones financieras, aquí se hace muy evidente cómo operan los condicionamientos sociales más tradicionales, arraigados particularmente entre las clases altas y adoptados a ultranza por quienes buscan pertenecer a ellas, en base a las máximas totalitarias: Dios, Raza, Nación, Familia, Tradición, Propiedad. Como también lo advierte el mismo Víctor: por regla, aquel que no demuestra una conducta siguiendo al pié de la letra semejantes tablas de valores, no demorará en tropezarse con los primeros peldaños de la escala social y recibir, de cualquiera, un empujón que lo lance cuesta abajo de la misma.

Y es que contrario a lo que podría creerse, es grave notar que la generalidad de aquellos colombianos en el exterior, beneficiados por el apoyo educativo a nivel de especializaciones, maestrías, doctorados, etc. no son precisamente huérfanos, diversos, desplazados o desposeídos (las minorías vulnerables que abundan en este país). Al contrario, aquí aquellos caudales “altruistas” y “filantrópicos” que en principio deberían encauzarse a favor de quienes por necesidad los requieren, son mayormente aprovechados por hijos de empresarios, políticos, altos ejecutivos, hacendados; o en una palabra, herederos, que estudian en el exterior, viviendo a sus anchas pero a costa del tesoro “público”.

Aunque a este nivel es lo usual, difícilmente se confiesa de manera abierta pertenecer al sistema de crédito educativo, pues aquí el poder estudiar es un lujo y por ende, signo de distinción. Detentar tal privilegio, como lo hacen ellos y sus familias, tradicionalmente es una manera de preservar el status, pero admitir tal subvención tiene efectos contrarios, incluso es degradante.

E.I.S. Educación Ingreso Seguro

De tal manera, hay que señalar cómo se oculta una fraudulenta pero eficaz estructura de reproducción social que culmina y comienza una nueva etapa con cada periodo educativo, presentando en sociedad a sus mejores sucesores, disfrazados de nerds, aunque en la etapa colegial hayan demostrado, incluso, características contrarias, probablemente acercándolos a estereotipos más comunes; pues tal como diría alguien con motivo de las pruebas internacionales PISA, en las que nuestro país ocupó el último lugar: “Colombia es como el bruto de la clase que solo le va bien en Deportes y Religión”.

Sin embargo, es gracias a la financiación educativa que estos pocos afortunados logran distinguirse a un nivel académico, posando en ceremonias de grado como estudiantes premiados con créditos-becas y otros programas de subsidio, por gozar de presuntas “aptitudes académicas superiores” para la farsa de orgullosas y honorables familias, planificadas como castas para concebir generaciones enteras de pequeños déspotas “ilustrados”.

Mientras a los despojados de todo beneficio educativo —independientemente de sus capacidades, aptitudes o vocaciones—, quienes no merecen créditos financieros pero cuando forzosamente los obtienen, a la larga les son más adversos que lucrativos; al grueso del pueblo de este país explotado, rico en recursos naturales y “humanos”, se les trafica como activos de las grandes empresas.

Requeridos en masa como fuerza bruta o mejor dicho, mano de obra calificada, son atraídos a sus amos ofertándoles cual oportunidad única, ganar una vida de peonazgo al servicio de respetados y temidos terratenientes locales, en alianza con “prestigiosas” transnacionales; terminan engranados como operarios de una maquinaria importada, pesada y voraz, ya firmemente instalada en lo profundo del socavón tercermundista en que se ha convertido este país:

Uribe se estrenará como profesor con la cátedra de Liderazgo […] algunos de los pensums han contado con el apoyo de Fenalco en cabeza de Guillermo Botero Nieto y del Grupo Éxito a través de su presidente Carlos Mario Giraldo, quienes colaboraron con el diseño de la carrera de Ingeniería comercial, mientras que Jesús Guerrero de Servientrega, estuvo al frente de la construcción del programa de ingeniería industrial. En el tema de petróleos, la empresa Pacific Rubiales fue la gran aliada; además de haber dado un apoyo económico y asumir el costo de la primera oficina de la Universidad en el edificio World Trade Center, prestó su asesoría en la estructuración de la carrera de Ingeniería de Petróleos.Elite: la universidad de Álvaro Uribe y Darío Montoya. Gustavo Rugeles.

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Volviendo al caso contrario en este sistema perverso, dominio de aquellos solapados y oportunistas becarios de las entidades de crédito; puede decirse que entre ellos, son pocos los que realmente se destacan en el medio de las artes plásticas. Si bien, son distinguidos en círculos sociales cerrados es debido únicamente a su procedencia de clase y éxitos profesionales relativos, por demás, distantes de la práctica artística que de ejercerla, ocurre en aquel tiempo libre restringido, tipificado, de las vacaciones y los fines de semana. Por obvias razones, aquí mencionadas, su producción difusa es bastante limitada al cubo blanco de los espacios comerciales, cuyo modelo de negocio está tan en auge hoy en día.

Se entiende que al ser privilegiados por el status quo, permanezcan ausentes de toda perspectiva de cambio. Tienden a caer fácilmente en la endogamia y autorreferencialidad, pues la excepción en su currículum vítae son proyectos realmente contemporáneos de alcance público, con intereses políticos, sociales, etc. Y así mismo, su participación crítica, discursiva o académica es escasa o nula; convenientemente ante la deliberación por lo general su actitud es más bien reservada, privada, silenciosa, políticamente correcta y de cualquier otra forma, reaccionaria.

Gracias a la falacia meritocrática, los más visibles entre los privilegiados del régimen edu-mercantilista, ocupan las contadas plazas laborales que hay en el medio. Cuando optan por la administración cultural, dentro del sector público, devienen en patéticos burócratas con obvias tendencias hacia la derecha política; mientras que en el sector privado, se le apuesta a una próspera formación de mercachifles, al mando de dudosas Empresas Creativas, etc.

Es peor aún cuando encarnando una de las máximas ironías que describen un modelo educativo tan aberrante, varios de ellos logran encontrarse enquistados al interior de plantas de profesores en aquellas universidades locales con programas en Artes Plásticas. No por nada, la reciente bonanza económica de este medio es impulsada de manera sumaria por jóvenes réplicas de estos perfiles. Pero, este es otro tema, que de hecho merecería un análisis propio.

Y es así como podríamos seguir hasta extendernos aún más observando cómo, cuándo, dónde y porqué las instituciones de crédito educativo, ciertamente operan muy por debajo de los pretenciosos objetivos que en últimas justifican su obviada Misión, Visión y Principios, pero que en términos reales son poco más que letra muerta. De hecho, no es difícil comprobar cómo insólitamente, los resultados de sus programas parecen directamente contrarios al impacto social que en el papel manifiestan.

Las líneas trazadas por el desvío de los recursos educativos hacia ciertos sectores, corren paralelamente con las locomotoras del “progreso”, aceitando su maquinaria arrasante con el sudor de la mayoría explotada. Sus “inversiones educativas” devienen en patrimonio privado, circulan principalmente manteniendo el ascenso socio-económico de carreras personales y muy lejos están de beneficiar a quienes se perfilan públicamente, buscando incidir más allá del asegurar su propia comodidad, como fín último de vida.

¿Profesionalización Artística?

Para finalizar, llegando hasta lo más inaudito de casos como el de Víctor Albarracín. Aparece en lo peor del panorama de desgracias que describen este contexto y representando una situación aún más injusta que el promedio, quien honestamente solicita desarrollar su vocación artística, al recurrir a un préstamo educativo.

Primero, hay que decir que es por lo menos extraño para la informalidad del medio artístico local, que estas instituciones de crédito apliquen el rasero de todas las demás profesiones, como si con los títulos correspondientes a un artista se garantizara un sueldo fijo mensual o quincenal, a la manera de cualquier oficinista al servicio de una empresa. Por otro lado, no todos los artistas deben, por fuerza mayor, tener aptitudes pedagógicas, siendo prácticamente la única opción visible de estabilidad laboral en este contexto.

Ya que en el citado debate se ha propuesto la posibilidad de confluencia de los perjudicados. Mejor que continuar justificando una reforma, contando caso a caso, el cruel destino de la formación académica; los artistas aquí aludidos en su propiedad y condición de medio, estarían en deuda —hoy más que nunca, según la presente contingencia— de defender un reconocimiento fundamental de aquellas condiciones económicas específicas de su propio campo. Principalmente si se quiere inaugurar un diálogo con las instituciones mencionadas dado que —como bien sabemos, a diferencia de estas— la práctica artística simplemente no cuenta con un sistema laboral, formal, estable, menos aún en un país como Colombia y por ello es más que insensato, incluso resulta absurdo, igualarla a nivel económico con otras profesiones para así ejercer equívocamente una presión financiera infundada, bajo el supuesto ilusorio del fijar un alto cobro mensual a un artista plástico contemporáneo.

¿Será que este hecho ignorado puede tener alguna relevancia al momento de explicar la problemática actual y así hacerle frente?, ¿es inaudito pensar que establecerlo de esa manera, podría ser la base misma en el rediseño de tal tipo de programas de financiamiento, para esta área específica?, ¿es inconcebible comenzar a diferenciar a nivel económico, la singularidad de la actividad artística, frente a la realidad de las profesiones más comunes?

En un punto alto en el reconocimiento de la problemática como tal, también tendría que asumirse una actitud propositiva y consciente de la perspectiva institucional; si se quiere llegar efectivamente a acuerdos en estas instancias. Alternativas a la retribución económica a tales apoyos educativos, por ejemplo, pueden marcar uno de los ejes de tal reforma.

Aunque probablemente no sea lo ideal —lo que básicamente sería gratuidad educativa universal, condonación absoluta de deudas, apoyos totales para estudios y sostenimiento en el exterior, etc.— recuerdo que en una época era frecuente que diferentes instituciones asumieran, en la relación establecida con los artistas, su obra como capital de pago. Por supuesto, una propuesta así entre muchas otras, tendría que ser abordada mediante un proceso de reevaluación con miras a actualizarse; en absoluto podría ser reducida a que las instituciones directamente emprendan nuevas “colecciones de arte”, volviendo a aquella mirada restrictiva de la práctica a cierta elaboración de cuadros para las oficinas de los gerentes y directivas institucionales —aunque para algunos, también pueda ser una opción a debatir—.

Sin embargo, creo que al respecto lo interesante sería pensar cómo estos apoyos podrían revertirse públicamente, encontrando así formas de conciliar la práctica artística —pero también diferenciarla cuidadosamente— con aquellas ideas que rondan una retribución consecuente con los objetivos sociales, compartidos por este tipo de instituciones y que difícilmente descartarían. Podría abrirse la posibilidad de compensar el apoyo educativo, por ejemplo, mediante la propuesta autónoma y voluntaria, por parte del becario, de prácticas socializadoras, proyectos pedagógicos, investigaciones colectivas, realización de charlas y conferencias, intervenciones urbanas, performáticas, publicaciones, etc. Pero todo ello, sin que el requisito sea necesariamente estabilizar tal labor como una forma de servicio social, la idea sería comprenderla por su lado más amplio, estimando prácticas críticas aún de esta misma concepción y sobre todo, valorándolas desde el arte también como un campo autónomo.

Con seguridad de emprender algún proceso de reevaluación, a la larga, se encontrarán estrategias que sí logren vincular tales instituciones al nivel social que sólo en teoría pretenden, perfilándolas de una manera más apegada a las realidades de esta comunidad específica, ganando eventualmente un reconocimiento mayor en la importancia de sus programas educativos.

De lo contrario, como todo problema que no es atendido a tiempo, se agudizará y de una forma u otra, la necesidad inminente de un cambio podría ser reclamada con daños colaterales y de manera radical. Antes, sería sensato observar las graves crisis del sistema educativo en otras latitudes y reconocer allí los síntomas que se padecen a nivel local. La atención a estas demandas entre otras, se hace urgente, porque el caso aquí presentado, refleja el de no pocos dentro del ámbito artístico sufriendo aún peores condiciones —debido a las que incluso se ven obligados a desaparecen del mismo para trabajar en ámbitos más productivos— y que en conjunto representan una población con dificultades particulares de acceso a estudios superiores, ¿o es que acaso tales restricciones para su desarrollo no son la prueba misma de la ausencia y necesidad de una renovación en los planes mismos de las entidades requeridas?

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En fin, está todo por discutirse respecto a las posibilidades que efectivamente necesitaría contemplar una reforma del disfuncional sistema de crédito educativo, hoy aplicado a contramano, especialmente para la realidad del Profesional en Artes Plásticas. Quien, siendo definitivamente el caso más insólito, ¿resulta ser poco mejor para las carreras definitivamente precarizantes?

Ese último comentario hecho por Víctor Albarracín, en la citada controversia —con motivo del que temo es el desenlace excepcional, contingente y temporal de su crisis— de ninguna manera puede ser el motivo para el cierre del debate, tal como lo abrió brevemente. Pues ello, no sólo está lejos de fijar un final feliz para lo que será una larga y disfuncional relación con su deuda, sufriendo consecuencias tortuosas de por vida, si no acontece otro “milagro”, ¿logrando convocar la solidaridad del medio una segunda y tercera, cuarta, quinta vez, etc.?

Celebrar tal consecución pública de fiadores con la que al parecer muchos ya quedaron contentos —como si la aparente solución de un caso, entre muchos, diera la respuesta final de tal problemática—, ciertamente delata una rendición absoluta ante la opresión de regímenes económicos tan adversos como el que se ha impuesto para el sistema educativo.

Si bien el tema de la crisis educativa seguirá apareciendo de manera intermitente —conforme se negocie la agenda de las monopólicas Redes Informativas que dictan la “opinión” de este país— ¿Acaso no es obvio lo contraproducente que es abandonar el tema exclusivamente a los intereses privados de los grandes medios, a la corrupción del gobierno, sus entidades y funcionarios de turno, usados muchas veces como los chivos expiatorios para evitar las “culpas” del sistema mismo? ¿No es inminente que las problemáticas aquí planteadas continuarán agravándose, de no haber una participación activa y directa de los afectados? ¿Será que un tema tan definitivo en el destino social de tantos como la educación, no merecerá la oportunidad de ser desarrollado como un debate de iniciativa ciudadana?

 

Jorge Sarmiento


Censurada la exposición “Mujeres Ocultas”en el Museo Santa Clara

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En horas de la tarde fue suspendida temporalmente la exposición “Mujeres Ocultas” cuya inauguración estaba programada para este jueves 28 de agosto. La medida es el resultado de una acción de tutela que pide la cancelación de la muestra por “presunta violación del derecho fundamental a la libertad de cultos consagrado en el Artículo 19 de la Constitución Política”.
Según El Tiempo “A través de una acción de tutela, tres particulares interpusieron, de manera separada, una acción de tutela contra el Ministerio de Cultura y el Museo Santa Clara, por “presunta violación del derecho fundamental a la libertad de cultos consagrado en el Artículo 19 de la Constitución Política”, según dice el documento conocido por EL TIEMPO y en el que se admite la acción de tutela y se accede “a la medida provisional, en la FORMA DISPUESTA en la parte motiva de esta providencia”. También solicita que se le comunique a la directora del Museo Santa Clara y a María Eugenia Trujillo, la artista.
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Además, la resolución por parte del Tribunal Administrativo de Cundinamarca también solicita que se le entregue copia del escrito de tutela al Episcopado Colombiano, al Procurador General de la Nación.  El auto también indica que “se les concede un término improrrogable de dos (2) días con el fin de que remitan su respuesta con los soportes fundamentales […]”.

Hasta el momento, el Ministerio de Cultura se ha limitado a hacer la siguiente declaración: “El Ministerio de Cultura es respetuoso de las decisiones judiciales y por eso, aun cuando no comparte la decisión, atiende dicha orden. Dicha providencia está siendo impugnada, ante el mismo Tribunal”.

La suspensión tiene carácter temporal, mientras se analiza el caso por parte de la justicia. Aquí el comunicado del Ministerio de Cultura en el portal web del Museo Santa Clara:
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Exposición Mujeres Ocultas, suspendida temporalmente
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MinCultura se permite informar que atendiendo una orden provisional del Tribunal Administrativo de Cundinamarca dentro de una acción de tutela que ordenó la suspensión de la exposición denominada MUJERES OCULTAS, se ha suspendido dicha exposición. 
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El Ministerio de Cultura es respetuoso de las decisiones judiciales y por eso, aun cuando no comparte la decisión, atiende dicha orden. Dicha providencia está siendo impugnada, ante el mismo Tribunal. Como consecuencia, el Museo Santa Clara no ofrecerá atención al público los días jueves 28 y viernes 29 de agosto de 2014.

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Aquí un resumen del debate (cartas, peticiones, artículos) antes de la suspensión de la muestra, y un artículo de Lucas Ospina con imágenes de la obra de Trujillo.

Grupo católico busca censurar exposición en la Iglesia Museo Santa Clara

Grupo católico busca censurar exposición en la Iglesia Museo Santa Clara

Desde el pasado 5 de agosto de 2014, la exposición de arte contemporáneo “Mujeres ocultas” a exhibirse en el Museo Santa Clara a partir del 28 de agosto hasta el 28 de septiembre de 2014, quiere ser censurada por la página de internet “Voto católico”, invitando a sus navegantes a votar una petición donde se le exige a la Directora del Museo Santa Clara “abstenerse de realizar en el recinto histórico del museo Iglesia de Santa Clara que usted dirige, la exposición “Mujer en Custodia” de la artista plástica María Eugenia Trujillo

La censura que suma: “Mujeres ocultas” + Voto Católico Colombia

Por Lucas Ospina

La censura que suma: “Mujeres ocultas” + Voto Católico ColombiaLa censura hace parte de las obras que censura, al conjunto de piezas que componen la exposición Mujeres ocultas de la artista María Eugenia Trujillo, se suman dos nuevas obras. Gracias a la contingencia de la censura, un par de piezas se añade a la composición general de esta muestra programada para ser expuesta en el Museo Santa Clara de Bogotá (un antiguo espacio de culto desacralizado en 1968 y luego consagrado al estudio e interpretación de los símbolos religiosos y su lectura como signos bajo la libertad que garantiza un estado laico).

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Aquí puede escuchar una entrevista a Jesús Herrera, administrador del portal Voto Católico:

Una discusión en el perfil de Facebook de William Contreras:

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Un par de trinos jubilosos:

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La opinión de Florence Thomas en La Luciérnaga: