Crisis en el Museo

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Se canceló la exposición “La Bestia y el Soberano” para que no se exhibiera esta escultura en la que se representa a un pastor alemán penetrando a la líder boliviana Domitila Barrios de Chúngara y ésta, a su vez sodomizando al rey Juan Carlos I, que aparece a cuatro patas escupiendo un ramo de flores sobre una alfombra de cascos nazis de las SS.

La dirección del Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA), en una decisión sin precedentes, cancela in extremis la exposición La Bèstia i el Sobirà (La Bestia y el Soberano) ante la negativa de los comisarios a retirar una polémica escultura de la artista austriaca Ines Doujak que podría ser ofensiva con el anterior monarca. “La pieza contradice el mensaje que queremos transmitir desde el museo, por lo que aunque se trata de una decisión muy difícil, lamentable, pienso que es lo más adecuado”, según Bartomeu Marí.

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Marí niega que se pueda hablar de censura, sino de “una desavenencia irresoluble entre dirección y comisarios”. “Llevo 25 años trabajando en museos y nunca había visto algo así, siempre habíamos encontrado una solución. Esto es inaudito, no me consta de que exista un precedente en el mundo”.

De momento, la página dedicada a la exposición, en la web del museo, ya no funciona.

Al conocerse la decisión, reconocidos artistas y curadores han manifestado su indignación y rechazo a través de las redes sociales. Es el caso del curador peruano Miguel López (nuevo curador de TEOR/éTica), quien ha hecho público en su perfil de Facebook lo siguiente:

La dirección del MACBA Museu d’Art Contemporani de Barcelona es una VERGÜENZA!!!!! El director Bartomeu Mari acaba de cancelar la exposición “La bestia y el soberano” por su disgusto ante una instalación de Ines Doujak donde parodia la imagen del rey sodomizado, la cual se había presentado ya en la última Bienal de Sao Paulo. Qué triste que no esté a la altura de lo que un museo representa (y de lo que el MACBA significó casi diez años atrás articulando un modelo de museo radical), y menos aún a la altura del proyecto político que los curadores Paul Beatriz Preciado y Valentín Roma estaban poniendo en marcha apostando por un museo capaz de intervenir sin miramientos en la esfera pública y producir conflicto. La dirección del museo debe irse. Mi solidaridad con los artistas y con los curadores que acaban de renunciar. El MACBA es un museo muerto. VERGÜENZA VERGÜENZA VERGÜENZA VERGÜENZA.

La decisión ha provocado una fuerte crisis en el Macba, cuyos trabajadores se enteraron ayer de la decisión a través de un comunicado del propio Marí y ayer se reunieron en asamblea. La Bèstia i el Sobirà está comisariada por Hans D. Christ, Iris Dressler, Paul B. Preciado y Valentín Roma, ya suspendió ayer la presentación ante los medios de comunicación. La exposición ha sido coproducida con el Württemberg Kunstverein de Stuttgart (WKV). De momento, donde sí se presentará en el futuro, ya que sus directores están en desacuerdo con la decisión de Marí.

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Bea Espejo escribe en El Cultural:

En el caso del MACBA, la exposición esconde una ácida alegoría: la bestia, que se supone que desconoce el derecho, y el soberano, cuyo poder reside precisamente en su capacidad de suspender el derecho. El de expresión lo hace ahora el museo, porque ninguno de los cuatro comisarios imaginó que este proyecto acabaría así, ni Hans D. Christ y Iris Dressler, directores del Württembergische Kunstverein de Stuttgart, el centro que co-produce la muestra, ni Paul B. Preciado y Valentín Roma, del propio equipo del MACBA, fichados hace poco más de un año celebrando una “nueva etapa” del museo… ¿Un caso de censura? “No. El museo es un medio de comunicación y la lectura que desprendía esta exposición son nocivas para la institución. Mi trabajo, como director del MACBA, consiste, entre otras cosas, en velar en que el museo no se debilite. El MACBA es un museo público. Si fuera un museo privado sería diferente, pero no es el caso. Así que he cancelado la exposición por coherencia, no por miedo”, dice Bartomeu Marí, el director.

“El lunes supe que en la exposición que preparábamos para inaugurarla hoy mismo, había una obra que, al explicármela, consideré que no era apropiado que el museo la expuesiera, que era contradictoria con la línea con la que trabajamos aquí, y pedí a los comisarios que la retiraran. Al no querer hacerlo tuve que tomar la decisión de cancelarla. Hacer una exposición en un museo conlleva siempre una discusión abierta. Es habitual que haya una negociación abierta entre artistas, comisarios e institución sobre lo que se expone y lo que no. Toda exposición es el resultado de un pacto y aquí no lo hemos tenido. Llevo más de 25 años trabajando en museos e instituciones culturales y nunca he visto nada parecido. Una exposición implica siempre un proceso de mediación entre los comisarios y la institución, y es sorprendente y lamentable no haber conseguido llegar a un acuerdo. Es un error del equipo de contenidos del museo, y un error que asumo. Todos los seres humanos cometemos errores. Es algo penoso, muy triste que lamento profundamente“, argumenta Marí.

A las 19.30 horas del miércoles 19 de marzo se convocó una concentración de protesta del sector en la plaza del Macba.

El viernes 20 de marzo el director del MACBA reconsidera su decisión ante la andanada de críticas y cartas de rechazo por parte de la comunidad artística local e internacional. Dice Bartomeu Mari: “Si inicialmente pensé que la no inclusión de la obra de Ines Doujak o la no apertura de la muestra protegería al Macba como institución cultural dedicada al servicio público, las consecuencias de ello han sido las contrarias a las deseadas. La publicidad dada a la obra y las opiniones emitidas por muy diferentes sectores de la sociedad, desde el mundo del arte y la cultura hasta la política y los medios de comunicación, así como los profesionales internacionales del arte, me han hecho reconsiderar la decisión inicial de no inaugurarla”.

El director del Macba rectifica y abrirá la exposición con la polémica escultura

Los directivos del Macba han echado el freno y marcha atrás y decidieron volver a exhibir la escultura de Inés Doujak y John BarkerHaute couture 04 Transport, que había sembrado una intensa polémica en los últimos días.

En una carta abierta firmada por el director del centro, Bartomeu Marí y hecha pública a última hora de la tarde, se dice: “Ante la práctica unanimidad de voces de asociaciones profesionales y sectoriales, entidades e individuos exigiendo la apertura de la exposición La bestia y el soberano, he decidido que esta sea accesible al público a partir de mañana, sábado, 21 de marzo. Si inicialmente pensé que la no inclusión de la obra de Ines Doujak o la no apertura de la muestra protegería al Macba como institución cultural dedicada al servicio público, las consecuencias de ello han sido las contrarias a las deseadas. La publicidad dada a la obra y las opiniones emitidas por muy diferentes sectores de la sociedad, desde el mundo del arte y la cultura hasta la política y los medios de comunicación, así como los profesionales internacionales del arte, me han hecho reconsiderar la decisión inicial de no inaugurarla”.

La crisis abierta en el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (Macba) por la decisión de su director, Bartomeu Marí, de cancelar esta exposición debido a la inclusión de una obra alusiva al rey Juan Carlos —en la que el ex jefe del Estado parece ser sodomizado— ha dejado al descubierto más de un problema. ¿Podrá ahora, después de esta carta y de este arrepentimiento el Consorcio del museo renovar la confianza en su director Bartomeu Marí? La respuesta se conocerá el lunes tras la reunión extraordinaria de la comisión delegada, formada por Ayuntamiento, Generalitat, Ministerio de Cultura y Fundación Macba.

Inés Doujak, cocreadora de la obra, aseguró ayer que el director conocía la inclusión de la obra desde febrero y no tan sólo unos días antes de la frustrada inauguración de la muestra, como él afirmó. Doujak mostró un correo electrónico con la hoja del préstamo, validada y firmada por Marí el 25 de febrero de 2015. “Este documento muestra que el director sabía que mi obra formaba parte de la exposición al menos un mes antes de la inauguración”.

El museo acaba de modificar sus estatutos, pendientes sólo del proceso burocrático de aprobación, para cambiar los porcentajes de financiación: El Ayuntamiento aportará al 60%, con lo cual detendrá la presidencia del Consorcio de forma permanente, la Generalitat al 30% y el Ministerio al 10%. Los miembros de la comisión esperan para pronunciarse. Antes de conocerse el contenido de la carta de María, el consejero de Cultura, Ferran Mascarell señaló: “Hay que dar confianza a los directores”, en declaraciones a Efe. En las últimas horas se multiplicaron las peticiones de dimisión del director por parte de profesionales del arte como desde las redes sociales, y desde las asociaciones del sector. Los trabajadores del Macba difundieron un comunicado conciso y contundente en el que, además, de la apertura de la muestra, pedían “continuar con el proyecto iniciado hace un año con el fin de desplegar la programación acordada y revisar el modelo de dirección”. “Todo ello no es más que el síntoma de una situación que el Macba arrastra desde hace seis años y que ha dejado a la institución en una posición de fragilidad e incertidumbre”, sostiene la nota.

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Circulación y mercado: los problemas del arte en la región Caribe

La histórica participación de Colombia como invitado especial de la feria internacional de arte ARCO Madrid ha generado desde el periódico El Heraldo de Barranquilla una interesante discusión en torno a preguntas como ¿Por qué de las 10 galerías nacionales seleccionadas ninguna es del Caribe? ¿Por qué de los cerca de 100 artistas colombianos que están exhibiendo sus obras en el marco de la feria, tan sólo 12 son de la región? ¿Es esto resultado de parámetros regionalistas discriminatorios o la prueba fehaciente de una crisis del arte caribeño? Y ¿Cuál es entonces la situación actual del arte de la región Caribe?

Frente a estas cuestiones, en el mismo medio se han pronunciado artistas, curadores, docentes, gestores, directores de museos y espacios culturales, concluyendo que, en un sistema básico de producción, distribución y consumo artístico, la respuesta a dichos interrogantes se encuentra más exactamente en estos dos últimos elementos. Por ello descartan una crisis del arte que se produce en el Caribe, puesto que el trabajo de los artistas poco tiene que ver con las fallas infraestructurales del medio. Así pues, antes de excusarnos en la típica idea de la “rosca” (tengamos en cuenta que la selección curatorial no parte de parámetros geográficos igualitarios), vale la pena ser autocríticos y reconocer las circunstancias que dan paso a dichas falencias, para una mejor comprensión de las preguntas iniciales.

Primeramente, podría decirse que la “poca representación” de la región Caribe en ARCO Madrid sencillamente obedece a que en la región los escenarios para el comercio de arte son mínimos. Bien dice María Eugenia Castro (Directora del Museo de Arte Moderno de Barranquilla) que “No puede estar lo que no existe”, puesto que a excepción de la Nohra Haime Gallery de New York, con sede en Cartagena desde 2011, en el Caribe prácticamente no hay galerías. Y cuando se han asomado otras iniciativas locales diversos factores han impedido su consolidación y posteriores alcances nacionales o internacionales. Tampoco abundan las ferias, siendo Art Cartagena la única que se asoma desde 2014 y que parece asentarse como una cita fija a principio de cada año, y hay quienes también señalan en la BIACI (Bienal Internacional de Arte de Cartagena de Indias) una actividad mercantil importante, esperando que se consolide con las siguientes versiones. Otros intentos han habido, pero fallidos (un ejemplo es la única versión de Barranquillarte en 2013 que ilusionaba con enriquecer el panorama a la vez que generaba numerosas críticas).

No obstante, el fondo del asunto no radica solamente en estos escenarios de comercialización, sino en las plataformas de circulación que tienen los artistas a nivel local. Puesto que si bien hay arte sin mercado (y mucho), es difícil comercializar algo que no se puede mostrar, y en este sentido el Caribe colombiano adolece de espacios de exhibición con procesos serios, constantes y dinámicos. Bastan los dedos de una mano para contar los museos específicamente artísticos que hay en la región, como el Museo Bolivariano de Arte Contemporáneo en Santa Marta y los Museos de Arte Moderno de Barranquilla y Cartagena (éste último a punto de cerrar por una profunda crisis financiera). Por otro lado, la ya mencionada BIACI aparece como el único evento grande de la región, aunque se le podría sumar la Bienal de Arte Público de Barranquilla, muy cuestionada en su primera versión en 2013. Quizás es debido al pequeño número de espacios y eventos de este tipo que el Salón Regional de Artistas del Caribe cobra tanta importancia para el medio artístico, posicionándose como uno de los eventos más importantes (sino el más).

Como es reducido el número de espacios locales de exhibición que impulsen una producción y circulación dinámica y regular, muchos de los artistas de la región optan por gestionar y/o adaptar otros recintos culturales como alianzas francesas, bibliotecas, centros culturales, pequeñas salas de exhibición aisladas, museos antropológicos o históricos para la realización de muestras temporales. Y a pesar del pequeño número de museos de arte y espacios de este tipo, el medio sigue sufriendo la clausura de escenarios como la Gota de Leche (Santa Marta) o la Galería de Comfamiliar (Barranquilla), y la carencia de publicaciones sobre arte contemporáneo: los diarios locales dedican sus páginas a un evento artístico ocasionalmente y sólo asoma la revista Latitud de El Heraldo, de un ámbito más cultural, con algunas publicaciones sobre artes visuales.

Tal vez por esta misma razón algunos artistas y gestores de la región Caribe últimamente han tendido a agruparse para ofrecer alternativas, más que independientes, autogestionadas, que generalmente se han inclinado por un diálogo más cercano con la comunidad, y que no necesariamente han desarrollado una actividad artística desde un recinto convencional. Como ejemplo de esta modalidad está La Usurpadora (único espacio independiente del Caribe en ARCO Madrid, y que se caracteriza precisamente por “usurpar” espacios para el desarrollo de sus actividades artísticas), así como el trabajo de Puerto Contemporáneo en Cartagena, “Intermundos” en La Guajira y más recientemente de la Comunidad de Artistas Visuales de Cartagena y Bolívar “CAVCA”. No obstante, hasta las iniciativas autogestionadas son contadas, debido entre otras razones a la falta de apoyo estatal y de agentes locales, generalmente cerrados a la institucionalidad.

Entonces, si prácticamente no hay galerías, si son contados los museos de arte y ferias, si son tan escasos los espacios de exhibición de artes visuales, si los pocos que hay cierran, y si tampoco se apoyan las iniciativas autogestionadas, ¿Por qué nos extraña tanto la “poca representación” del arte del Caribe en ARCO Madrid? No hay que tergiversar la discusión para entrar en cuestionamientos a los artistas y excusarnos en regionalismos, sino de hacer un llamado a la consolidación de un circuito donde como mínimo se pueda visibilizar el trabajo de nuestros artistas regularmente, para que luego si se pueda generar en la región una dinámica de mercado y trascender a la escena nacional e internacional.

 

Dylan Altamiranda

Discusión en El Heraldo:

“El Caribe brilla por su ausencia en Arco Madrid”
http://www.elheraldo.co/tendencias/el-caribe-brilla-por-su-ausencia-en-arcomadrid-185705

“Que no haya galería no es un indicador de falla en el arte que se produce en el Caribe: Marco Mojica”
http://www.elheraldo.co/tendencias/que-no-haya-galeria-no-es-un-indicador-de-falla-del-arte-que-se-produce-en-el-caribe

“A artistas del Caribe les faltan vitrinas: expertos”
http://www.elheraldo.co/tendencias/artistas-del-caribe-les-faltan-vitrinas-expertos-185820

“Arte costeño, ¿En crisis o discriminado?”
http://www.elheraldo.co/tendencias/arte-costeno-en-crisis-o-discriminado-185914

“Los retos del arte Caribe”
http://www.elheraldo.co/editorial/los-retos-del-arte-caribe-185805

 


#ArcoColombia: Un ejercicio de Diplomacia Cultural

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¿Cómo se articula el arte contemporáneo con la agenda económica y geopolítica del gobierno?, ¿puede una iniciativa gubernamental propiciar tendencias artísticas?, ¿qué papel juega un curador profesional en un proyecto de diplomacia cultural?

Conversación con Lucas Ospina y Guillermo Vanegas


La fábula de la Feria de Arte de Madrid

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Erase una vez una feria de arte contemporáneo que, después de los años del glamour y el exceso, se encontraba al borde de la ruina. La crisis económica mundial, desencadenada en el verano de 2006,  había alejado de sus espaciosos pabellones al grueso de los coleccionistas privados,  que no tenían muchas ganas de dejarse ver haciendo ostentación de riqueza en medio de una sociedad que veía esfumarse de golpe el sueño de una ilimitada prosperidad para todos. Tampoco estaban dispuestos a seguir pagando unos impuestos a la obra de arte que duplicaban o triplicaban los que se pagaban en las ferias mucho más prestigiosas y mejor surtidas de Basel, Londres o Miami. La fuga de los dueños de los Mercedes Benz y de los titulares de las tarjetas de crédito de oro fue un golpe muy duro pero sin embargo no fue el definitivo. El golpe definitivo, el mazazo que dejó al borde del colapso a la que fuera la feria estrella del país por antonomasia de los toros y los toreros, fue el que le propinó la fuga de los gobiernos de las comunidades autónomas que, por año tras año, aportaron cuantiosos ingresos a la feria, mediante dos mecanismos muy rentables. El primero, pagando a precio de oro los stands que cada comunidad alquilaba para auto promocionarse promocionando a sus artistas. El segundo, realizando la práctica totalidad de sus compras anuales de arte contemporáneo en las galerías que participaban en la feria. Y aunque nunca se han conocido cifras ciertas de cuanto se ha vendido en cada edición de la misma, lo que parece fuera de duda es que los generosos gastos de las comunidades autónomas generaban un porcentaje muy elevado de los ingresos de la feria. Pero la crisis también se llevó de calle a la generosidad  de las comunidades debido a que todas ellas fueron sometidas a un riguroso programa de ajuste fiscal impuesto a todos los países de Europa por la tristemente célebre Troika: el BCE, la Comisión Europea y el FMI. Y sin dinero siquiera para satisfacer adecuadamente las demandas de los sistemas de educación y de salud pública, los gobiernos de las comunidades autónomas no podían permitirse el lujo de gastar a manos llenas el dinero público en una feria de arte por muy prestigiosa que fuera.

Pero, como suele decirse, Dios aprieta pero no ahorca, por lo que una oportuna iluminación divina permitió a los directivos de la feria dar con la fórmula mágica capaz de salvarla de una quiebra más que inminente: si los coleccionistas y las comunidades autónomas nativas se habían marchado nada impedía que los reemplazaran los gobiernos de las hijas más queridas de la Madre Patria. “!Sí, sí, que los reemplacen!”, clamaron al unísono los directivos de una feria que de pronto veía despejarse el oscuro cielo de tormenta y abrirse de nuevo ante sus ojos un porvenir radiante. Colombia, como no podía ser de otro modo, dado su proverbial generosidad y la alegría con la que derrocha el dinero público, fue la primera en responder a esta llamada de socorro venida desde la fuente de su fe, su lengua y su sangre. En la edición de ARCO 2015 Colombia, por ser el país invitado, podrá exhibir a placer el maravilloso trabajo de sus artistas contemporáneos en el rutilante escenario de una feria que ayer estaba al borde la ruina y que hoy se siente renacer con nuevos bríos. La factura, eso sí, la pagan entre el Ministerio de Relaciones Exteriores, el de Cultura y la embajada de Colombia en Madrid. ¡Aleluya!

 

Carlos Jiménez


Desencuentro en la institucionalización de las prácticas artísticas

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Tengo un sin-sabor desde hace un par de semanas, tras el “Cuarto encuentro de investigaciones emergentes”, dedicado a La institucionalización de las prácticas artísticas, que se llevó a cabo en la Universidad Jorge Tadeo Lozano. Este malestar se debe al silencio consecuente después del encuentro, como si no hubiera pasado nada, como si la labor de IDARTES desde su creación fuese plana, como si este tema no fuera espinoso en Bogotá, más bien como si todos los asistentes hubieran quedado pasmados por el encuentro o porque no pasó nada en la reunión.

Fue una lástima que Víctor Manuel Rodríguez no haya abierto el encuentro. Su presentación fue excelente y era la perfecta introducción para un foro álgido. Él abordó el tema de encuentro de una forma crítica, que permitía a los espectadores tener un espacio para la opinión, el cuadro que mostró expresaba esas disputas entre arte y cultura, entre lo auténtico y lo no auténtico, entre la obra maestra y el artefacto, se deslizó por el post-estructuralismo para entender la relación del arte y la institución, hasta le alcanzó el tiempo para reseñar a Douglas Crimp y su texto “En las ruinas del Museo”.

Sin embargo, el formato del encuentro hizo que el resto de los ponentes básicamente se dedicaran a leer/mostrar sus proyectos, que por supuesto son importantes y vienen al tema de discusión, pero sus presentaciones giraron muy poco en torno al tema del encuentro, tal vez a causa de las doce cuartillas que le pidieron a cada ponente para su presentación. De este formato, los únicos que al parecer incumplieron la norma fueron Paulo Licona, que presentó a través de Facebook todos sus proyectos auto-gestionados desligados del sector público de las artes y Manuel Kalmanovitz que era el único invitado que no hacía parte de ningún sector “hegemónico” de las artes, y que su presentación fue clave para entender procesos como la feria de publicaciones La Independiente, que es un evento que sin el apoyo de la gerencia de plásticas de IDARTES desde Cristina Lleras y continuando con Catalina Rodríguez no hubiera sido posible.

Entonces aparecen estos dos nombres, pero en el foro no oímos sus voces, ni el testimonio de Cristina Lleras en sus años al mando de la gerencia, en los que se gestaron unas mesas “sectoriales” como la de espacios independientes, de graffiti, o la mesa de dibujantes de la 7ª, momento también en el que se hizo el Premio Luis Caballero en ciertos lugares no “institucionalizados”, proyectos ambiciosos como la reforma del paisaje de la calle 26 y también proyectos pequeños pero que daban movimiento a la galería Santafé de Teusaquillo; tampoco se escuchó a Catalina Rodríguez o de Julián Serna sobre el estado actual de esta galería.

También hicieron falta los opositores, los Don Nadie, que han generado tanta crítica pública en redes sociales y en foros de discusión a la relación entre IDARTES y los Espacios Independientes, que discuten abiertamente el desarrollo que ha tenido el “graffiti” en la ciudad. Por estos días se estaban pintando los murales en Bogotá resultado de la convocatoria “Intervención artística urbana Carrera 10”, entonces ¿Dónde quedaron las voces de esos ganadores de la beca que al igual que Manuel Kalmanovitz, no hubieran podido hacer sus grandes “graffiti” sin el apoyo de la institución?, ¿Dónde está la voz salvaje, vándala y diametralmente opuesta de quienes hacen graffiti aún al margen de los proyectos generados por el sector público? ¿Dónde queda la opinión de ese sector que le apuesta al Arte Turístico? ¿Los grupos que trabajan con la copia, lo popular y el antiarte? ¿En dónde quedaron representadas las fundaciones e industrias culturales que se la juegan con el “arte” para cambiar modos de habitar en sectores vulnerables a la violencia o el desplazamiento? ¿Qué hay de la institucionalización del Bogotá art-district? Todas estas preguntas y muchas más vienen al tema de encuentro: Sobre la institucionalización de las prácticas artísticas.

El evento contó con muy buenos invitados, de eso no hay duda, sin embargo todo el encuentro se tornó muy plano, muy cordial, muy políticamente correcto. Comprendo que definir o más bien diferenciar qué es una práctica artística o qué es una práctica cultural es muy difícil, justamente por la disputa que se da entre arte y cultura, que además se presenta en absolutamente todos los campos del arte (museos, galería, mercado, obra maestra), donde hoy lo INTER, CONTRA y TRAS disciplinario está a la orden del día en muchos proyectos individuales y colectivos del arte. Entiendo que este tema es gigantesco y merece mucha más investigación, mucho mas estudio, pero también sé que el encuentro era de INVESTIGACIONES EMERGENTES, que me sitúa como espectador a escuchar investigaciones, autores, referentes, bibliografías, apellidos, o voces como Foucault, en torno a la institucionalización de las prácticas artísticas, que es realmente un tema muy espinoso, azaroso y potente, mucho más en este momento en donde el IDARTES apoya la práctica responsable de Graffiti, el Ministerio de Cultura favorece con una convocatoria a un espacio independiente capaz de exhibir por primera vez en Colombia una obra de Doris Salcedo y el Salón Regional de Artistas Zona Centro es representado en parte por una Escuela de Garaje que en teoría debería concluir en una publicación, no una exposición de objetos, al menos así fue presentado.

 

Santiago Castro


¿De quien es el patrimonio?

Video de la transmisión en vivo realizada por los organizadores del coloquio (Ministerio de Cultura, ICANH y Museo Nacional de Colombia)

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Luego de la polémica en torno a la iniciativa del director del ICANH (Fabián Sanabria) de traer al Museo Nacional las estatuas de San Agustín, el Ministerio de Cultura, a través del Museo Nacional de Colombia y el Icanh, organizaron el coloquio: ¿De quién es el patrimonio?, con el fin de “ofrecer un espacio para reflexionar en torno a la apropiación del patrimonio cultural y los derechos culturales”.

Aunque se esperaba que al momento de las preguntas al final del coloquio se diese un debate más decantado y menos mediático, no hubo tiempo y sólo una pregunta por escrito para cada ponente. ¿Temor al debate?

Aquí algunas opiniones que se dieron en Facebook y Twitter, seguidas de un texto de Nadín Ospina donde hace una relatoría del coloquio:

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Maricela Velez: Tal vez un debate en lugar de un coloquio hubiera sido más interesante. Las ponencias atendían a un solo punto de vista: el patrimonio es de todos y por tanto las manifestaciones de apropiación de éste son un gesto privatorio y mal intencionado que va en detrimento del derecho a disfrute y goce de “todos” sobre el patrimonio.

Luis Gerardo Franco: Ayer quedo muy clara la respuesta a la pregunta de quién es el patrimonio? Contrario a lo q consensuaron los ponentes, lo cual es la salida fácil e institucional decir que el patrimonio es de todos, el patrimonio es de quienes están autorizados para crearlo, administrarlo, legislar sobre el y hablar sobre el. Decir q es de todos es sólo un fachada ideológica para imponer las pretensiones del poder. Lo cual da a pensar en la minoría q lo detenta y de la falta de disxusion frente a ella. Otra cosa es la minoría sin el poder económico y simbólico q si puede ser deslegitimada y pordebajeada como no civilizada y manipulable. Otra cuestión es la sensación q da al escuchar las palabras de los representantes de mincultura, el de patrimonio particularmente, acerca de que el dialogo civilizado sólo se da en un espacio institucional ubicado en el centro con invitados a la altura. El hecho q no implicaran a nadie de la comunidad afectada dice mucho. Para terminar este comentario desordenado, creo q el evento fue un lavado de cara y q el museo, ministerio o quien financio este evento, hubiese podido ahorrarse esa platica o invertirla en un debate q lleve a un dialogo real y no q vengan a decirnos q el estado no debió dejarse torcer el brazo de esa manera sugiriendo así la necesidad de un autoritarismo extremo.

Julián Roa Triana: Lo más preocupante fue ese consenso sobre la premisa “El estado somos todos y por lo tanto el estado regula el patrimonio”. Sin embargo nadie se atreve a controvertir esta idea para decir que en realidad el estado no es el que controla el patrimonio sino es el gobierno de turno que tiene un proyecto político y económico determinado.

Arquex Arqueología Universidad Externado Gracias por participar. Valiosos aportes a una discusión que no se dio ayer.

 

 

 

Breve relatoría del coloquio “De quién es el patrimonio” | Nadín Ospina

El 20 de febrero de 2014 se llevó a cabo en el Museo Nacional de Bogotá el Coloquio Internacional ¿De quién es el Patrimonio? a propósito de la fallida exposición “El silencio de los ídolos, una evocación de la cultura agustiniana”, organizado por el Instituto Colombiano de Antropología e Historia -ICANH

Con una nutrida asistencia de mayoritario perfil joven se realizó el evento.
Invitados indudablemente importantes encabezados por el arqueólogo peruano Walter Alva descubridor de la tumba del Señor de Sipán. Interesante, con puntos de vista diversos y sobre todo el primer paso en la discusión de un tema fundamental ¿De quién es el patrimonio? Quizás demasiado diplomática la posición de los más liberales y francamente retrograda y autoritarista la posición de los más conservadores.
En la intervención de Juan Luis Isaza Director de Patrimonio del Ministerio de Cultura se deja en claro una de la posiciones mas radicales, abiertamente conducida a generar una opinión adversa a la actuación de los habitantes de San Agustín que impidieronla salida de las esculturas. Se achaca el fracaso, aparte de disputas conceptuales y metodológicas, a pugnacidades y oportunismo político.
La frase clave: “La apropiación social puede llegar a ser peligrosa”.
Peligrosa opinión (digo yo).

Fabián Sanabria,, Director del ICANH, alaba la altísima tecnología de la exposición y el riguroso protocolo del proceso, omitiendo contar el daño hecho a las esculturas en el precario y anti técnico proceso de desmonte.

Se plante un punto crucial. La preeminencia y brillo intelectual, científico y social de la capital frente a la precariedad y aislamiento infranqueable de San Agustín. Bogotá está cerca, San Agustín lejos. Parece plantearse que todos los colombianos viven en Bogotá y como San Agustín está fuera del alcance de todos, debe trasladarse San Agustín a Bogotá en lugar de que los colombianos y los ciudadanos del mundo se trasladen a San Agustín.

Inés Pazmiño del Ecuador en una de las más interesantes intervenciones relata la fascinante historia del “Rapto de San Biritute” un monolito prehispánico hallado en la comuna de Sacachún (Ecuador), que fue “raptado” de forma institucional y llevado “cautivo” en 1952 a Guayaquil. La comunidad que ve en la figura antropomorfa una representación con atributos fertilizadores y capacidad de convocar las lluvias, se levanta de manera decidida en un prolongado proceso de restitución que culmina en el emocional retorno de la escultura el 16 de julio de 2011. Pazmiño plantea conceptos fundamentales como:
· El reconocimiento de los “Territorios ancestrales”.
· La indivisible relación naturaleza y cultura.
· La importancia de establecer una conciencia del patrimonio en las regiones y el sentimiento de identidad en las comunidades depositarias del patrimonio cultural y el estímulo como salvaguardias del mismo.
· El reconocimiento de la Sociedad Civil como agente de apropiación y valoración.

El mexicano Eduardo Merlo en una simpática exposición suelta estas frases: Todo este in suceso es achacable a que los políticos “alborotaron la gallera”, a que los burócratas solo buscan su “relumbrón” y al “saqueo de los museos”.

Manuel Rodríguez Ex ministro del medio ambiente de Colombia plantea la unicidad entre Patrimonio Cultural y Patrimonio Natural y se hace la pregunta, ¿Que hizo que no se pudiesen traer las esculturas de San Agustín en esta oportunidad y si en otras ocasiones? La respuesta según el Doctor Rodríguez es contundente: Esto obedece al empoderamiento de la Sociedad Civil y la Democracia Participativa.
Dice Rodríguez, Los Parques Nacionales deben ser manejados desde la óptica de que están conformados por ámbitos de naturaleza y cultura.
En una aguda referencia el Ex ministro se refiere al eufemismo que conforma el concepto administrativo de “Saneamiento de los parques”, es decir el desplazamiento de las comunidades fuera de estos ámbitos naturales como una criminal política de estado.
Y plantea el concepto de “Parques con la Gente”, remarcando las responsabilidades que deben tener estas comunidades en el cuidado y preservación de la naturaleza y el patrimonio.
Un interesante ejemplo es el litigio de las comunidades del Parque Apaporis en contra de laminería que ha logrado detener el inminente daño de esta reserva ecológica.
Rodríguez anota: Los derechos territoriales y culturales así como los saberes tradicionales son de las comunidades. De esta manera se convierte en un imperativo de cualquier proyecto la “Consulta Previa” máxime en los lugares considerados sagrados por las comunidades. No hacer consultas previas significa una abierta violación a los derechos de las comunidades. A su vez es una obligación de las comunidades la salvaguardia de este patrimonio, lo que en muchos casos implica la Resistencia Ciudadana, poniendo como ejemplo la confrontación exitosa de la comunidad de Villa de Leiva frente a las petroleras.
La sociedad civil dice Rodríguez esta impelida a generar grupos de auto organización.
En El caso de San Agustín se detecta un desbordamiento de estas facultades comunitarias debido a la falta de regulación y de consulta eficaz afirma el ex Ministro.
El estado debería tener toda la potestad para proponer el manejo del patrimonio pero la última palabra siempre será de las comunidades.

Texto completo, aquí


Arte público y memoria

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Memorial a una víctima – Sachsenhausen 2013

El arte público es una herramienta para tener en cuenta en todos los procesos de reconciliación social, ya que puede ayudar a sanar las relaciones entre las comunidades afectadas y las instituciones estatales.

¨La Humanidad se encuentra probablemente en la crisis más grave que tal vez haya conocido en toda su historia. El problema de la supervivencia sobrepasa el problema de la salud del hombre y concierne a la seguridad de todo el planeta. Se trata de un peligro planetario. A mi juicio, el arte ha llegado a un término, toca a su fin y ahora comienza un periodo en que asoma la necesidad de un arte social.” Joseph Beuys http://laberintosvsjardines.blogspot.com/2008/11/joseph-beuys-la-escultura-social.html

Un excelente ejemplo de arte público y memoria se ve en Berlín, con propuestas que intervienen el espacio público, trabajando con la historia colectiva de una sociedad que busca sanar las heridas del pasado.

Desde Federico II, ¨EL Grande¨ qué impulso el desarrollo industrial, cultural y bélico para ampliar el imperio de Prusia, hasta el tercer Reich se planeo un imperio centralizado desde Germania; Ambos mantuvieron sus intereses, con la colonización, con la esclavitud y con la toma del poder a consta del control social.

No podemos pretender que la sociedad acepte el silencio o la indiferencia de sus propios gobernantes, sabiendo que algunos de ellos son los directos responsables de  la opresión del pueblo.

La responsabilidad de toda la comunidad y el compromiso de sus administradores en rescatar la memoria  para hacer visible la verdad es la única salida para una reconciliación individual y social.

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