Marina Abramovic se interpreta a sí misma (con la ayuda de sus fans)

A partir de hoy Marina Abramovic estará durante 64 días, de 10 a 18 horas, en la galería Serpentine de Londres para enfrentarse al público sin ningún plan preconcebido. 

Según el crítico Adrian Searle, “su obra actual gira en torno a la presencia. Sobre todo, en torno a su presencia. Su labor consiste en ser Marina Abramovic, una especie de estrella mediática, una ficción elusiva que incluso ha protagonizado una ópera sobre su propia vida y su muerte”

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La artista serbia recurre una vez más a los sentidos para interactuar con el público en un nuevo “performance”, que será inaugurado este viernes. “Necesito sentir al público”, dijo Abramovic al presentar ayer a la prensa esta actuación, que se prolongará todo el verano. Según explicó, en su nueva obra “512 Hours” busca interactuar con los visitantes en el vacío de la galería londinense, donde pasará ocho horas al día, seis días a la semana durante 64 jornadas sin hacer nada, simplemente “intercambiando energía”.

Los asistentes deben dejar sus pertenencias, tales como móviles, cámaras y chaquetas, en unas taquillas antes de pasar a la sala, un espacio diáfano y blanco, lleno de luz, donde podrán pasar el tiempo que quieran, actuar como les apetezca y abandonar cuando lo deseen, con el único propósito de comunicar a Abramovic sus impresiones. La artista, provista de una pequeña cámara en su vestimenta, grabará las impresiones que más tarde le servirán para analizar y estudiar la “construcción de comunidades” a la que dará pie la interacción entre las personas que participen de esta obra. Abramovic abrirá y cerrará durante más de dos meses la galería y “actuará” desde las 10 de la mañana hasta las seis de la tarde “sin interrupciones”.

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El crítico Adrian Searle dedicó su columna de hoy en The Guardian a este evento:

Marina Abramović review – ‘Who knows what might happen?’

Serpentine Gallery, London
Are the audience spectators or participants? Will anyone last the full 512 hours? Is it all just about Abramović herself? Adrian Searle gets to touch the great Serbian artist at her open-ended performance
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The queue for Marina Abramović at the Serpentine Gallery

Part of the performance? … the queue for Marina Abramović at the Serpentine Gallery. 
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“Close your eyes and think of the void,” Marina Abramović announces. “The void is also a cinema screen.” There are 160 of us here, along with a small number of the artist’s assistants, who stand facing the wall. The queue outside is lengthening. The galleries are empty, save for a low MDF stage in the middle of the space. Picking a handful of visitors from the crowd, Abramović leads them gently on to the stage and has them stand, eyes closed, arms to their sides, zombified.

She picks more of us, one by one, and leads us to other parts of the gallery, to stand in pockets of isolation. The artist takes my hand, and off we go. In a workshop she once held at the Manchester international festival, she had dozens of us, all in white coats, doing breathing exercises, walking backwards, slowly progressing up and down. I was hopeless at it. “But now we are touching,” she whispers. Her hand is firm. Will I ever wash it again?

There’s only so much standing still like this I can take. I have a sudden image of Martin Kippenberger’s life-sized sculpture Martin, Into the Corner, You Should Be Ashamed of Yourself. The air conditioning hums. I hear footsteps and the distant glug of the water cooler in the South Gallery, where we have deposited all our possessions in lockers. Up against a window, the sun through the blind warms my face. The child psychoanalyst Donald Winnicott thought the screen we project our dreams on to was the mother’s breast. I think of Marina.

There is a feeling of communal attentiveness in the room. It’s a bit like a prayer meeting. Ever the defiant atheist, I seek eye contact with fellow unbelievers, but there aren’t any. I’m waiting for Mistress Marina, the relaxation-class dominatrix, to give me a good telling off. Later, she takes my hand again. “Breathe slowly. Just be in the present. It’s a good feeling.” Not: “See you round the back later, you naughty boy.” But who knows what might happen if you hang around for long enough.

It is good to walk among and between everyone else here. It is like wandering on stage in a play, with no notion of the plot, no place in the drama. Maybe that’s it. Strangely, time flies by. I’m here for almost two hours. How are things going to unfold over the 512 hours of this work? Will there be interruptions, games, breakdowns? What about the Abramović stalkers? Will those who arrive at 10 every morning stay all day? What about the queue? That’s a kind of performance, too.

Walking with the artist, I have a fantasy that she’s Pina Bausch, and we’re slowly crossing the deck of a listing ship. Like the great German choreographer, Abramović knows how to slow things down and make you attend to every step. Presence, pretty much, is what her work is about. Mostly her presence.

Are we audience or participants, agents or objects? For decades, Abramović has made startling and unforgettable performances, both alone and with her former partner, Ulay. Nowadays, her work is about being Marina Abramović, a kind of media star, an elusive fiction who has even starred in an opera about her own life and death.

You can’t judge the first two hours; Abramović is making something, but who knows what. I like the indeterminacy, and that I don’t know what has happened since I left. I shall be returning with updates over the duration of the work, if work it is, as it unfolds.

 

Publicado en The Guardian


14 ROOMS, una muestra de performance curada por Hans Ulrich Obrist y Klaus Biesenbach

Curada por Klaus Biesenbach y Hans Ulrich Obrist14 Rooms es una muestra de performance que tiene lugar en Art Basel, en Basilea (Suiza). La exhibición reúne a 16 artistas internacionalmente conocidos, de los cuales 14 contarán con salas individuales -de allí el nombre de 14 Rooms– para “activar lo que quieran”, es decir, para explorar la relación entre el espacio, el tiempo y lo físico con una obra cuyo “material” es el ser humano.

Los participantes son Marina Abramović, Jennifer Allora & Guillermo Calzadilla, Ed Atkins, Dominique González-Foerster, Damien Hirst, Joan Jonas, Laura Lima, Bruce Nauman, Otobong Nkanga, Roman Ondák, Yoko OnoTino SehgalSantiago Sierra y Xu Zhen. Otros dos artistas se presentarán en el ambiente arquitectónico concebido por la firma Herzog & de MeuronJordan Wolfson, en calidad de epílogo, y John Baldessari, quien participa a través de la documentación de un performance que nunca ha podido realizar.

La exposición es una colaboración entre la Fondation BeyelerArt Basel y Theater Basel, y estará abierta al público entre el 14 y el 22 de junio.

Ed Atkins, Dominique González-Foerster y Otobong Nkanga estrenan obras concebidas específicamente para Art Basel, mientras que las piezas seminales Wall-Floor Positions (1968), de Bruce Nauman, y Touch Piece(1963), de Yoko Ono, se presentan por primera vez como parte de este proyecto.

Aunque los mismos artistas no estarán presentes en la exhibición de sus obras, han instruido a ejecutantes bajo precisas especificaciones de actuación, lo que resulta en más de 70 artistas -principalmente de la región de Basilea- involucrados en la exposición.

Allora & Calzadilla, Revolving Door, en su presentación en 11 Rooms, Manchester International Festival, 2011. Foto: Howard Barlow

14 Rooms incluye Revolving Door (Puerta Giratoria, 2011), de Jennifer Allora y Guillermo Calzadilla, una obra en la que un grupo de bailarines forman espontáneamente una línea y comienzan a girar alrededor de la habitación con un movimiento circular, “barriendo” a los visitantes que vayan entrando mientras se mueven por el espacio. Los movimientos se basan en protestas políticas, marchas militares y coreografías de coristas.

De John Baldessari se presenta la documentación de archivo de una pieza nunca llevaba a cabo. En 1970, el artista propuso exhibir un cadáver en el contexto de la Exposición de la Información, en el MoMA de Nueva York, una obra provocadora y desafiante que aborda cómo el mundo del arte -y la sociedad en su conjunto- lidian con la muerte. Cadaver Piece (1970) sigue siendo un proyecto no realizado, ya que sus implicaciones éticas y legales han sido un obstáculo recurrente.

Continuando con su exploración de los límites de lo social y las desigualdades socio-culturales, Santiago Sierra colocará a un veterano de guerra mirando hacia una esquina de la habitación, y sólo podrá moverse de su puesto cuando sea solemnemente reemplazado por otro veterano, emulando la acción del cambio de guardia.

Santiago Sierra, Veteranos de las guerras de Afganistán, Timor del Este, Irak y Vietnam mirando una esquina, 2013. Registro de su presentación en 13 Rooms, 2013

De Joan Jonas, aclamada artista del performance multimedia y figura precursora del video-arte querepresentará a Estados Unidos en la próxima Bienal de Venecia, se presenta una de sus primeras obras, Mirror Check (1970), en la que una mujer observa y examina su propio cuerpo desnudo con un pequeño espejo de mano. El espejo funciona no sólo como símbolo del autorretrato, sino también como un dispositivo de fragmentación, que refleja las partes del cuerpo pero no el todo. “Es una pieza muy simple. Está estipulado que tiene que ser ejecutada por una mujer porque así se representó y se vio inicialmente, y está destinada a ser vista, porque se trata de una mujer mirando su propio cuerpo, teniendo el control de esa mirada”, dice la autora de 78 años.

Otro trabajo relacionado con el desnudo femenino es Luminosity (1997), de Marina Abramović, en el que una intérprete, expuesta sin ropa y con los brazos extendidos, se sienta en un asiento de bicicleta colocado en lo alto de una pared. La mujer es bañada con luz brillante y aparenta estar flotando en animación suspendida.

Joan Jonas, Mirror Check, 1970. Registro de su presentación en 11 Rooms, Manchester International Festival. Cortesía: Manchester City Galleries

Marina Abramović,‡ Luminosity, 2012. Registro de performance en 11 Rooms, Manchester International Festival. Cortesía: Manchester City Galleries

14 Rooms es un proyecto continuo. Se mostró primero como 11 Rooms en el Festival Internacional de Manchester, en 2011; como 12 Rooms en el Festival Internacional de las Artes Ruhrtriennale 2012-2014; y como 13 Rooms por Kaldor Public Art Projects, en Sydney, en el 2013. Para cada edición, la lista de artistas cambia parcialmente.

publicado por ArtiShock


Activismo puro y duro

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¿Está el activismo recuperando su poder político al incidir en la solución de problemas que afectan un sector social?

“52 Semanas” es una campaña de GULF (Gulf Ultra Luxury Faction) que inició en octubre de 2013. Ha convocado artistas, escritores y activistas de diferentes ciudades y países a contribuir con un trabajo, un texto, o una acción cada semana que se relacione con el tema de la contratación coercitiva, y las deplorables condiciones de vida de los trabajadores migrantes en Abu Dhabi que están construyendo el Guggenheim, el Museo del Louvre y el Museo Nacional Sheikh Zayed (en colaboración con el Museo Británico)

Las repetidas acciones de GULF están afectando la muy cuidada imagen de la marca Guggenheim, así como la de la Universidad de Nueva York y el Museo del Louvre, que construyen respectivamente una sedes y un campus en Abu Dhabi. 

La última acción tuvo lugar el pasado viernes en el Museo Guggenheim de Nueva York. Es la cuarta intervención de este grupo para crear conciencia sobre las condiciones de trabajo en la isla de Saadiyat, en los Emiratos Árabes Unidos.

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La intervención en el Guggenheim se da unos días después de un artículo de primera página en el New York Times que detallaba los problemas laborales que han afectado el campus que la Universidad de Nueva York construye en Abu Dhabi, que al igual que el Guggenheim enfrenta huelgas de trabajadores. El artículo menciona también problemas similares que enfrentan otras franquicias de museos occidentales que construyen sedes en esa isla, como es el caso del Guggenheim Abu Dhabi y el Louvre Abu Dhabi.

El grupo trató de desplegar una pancarta en el atrio del Museo, mientras que otros miembros recorrían la exposición de arte futurista pegando gráficos inspirados en el Futurismo -y reactivando su poder político- con mensajes dirigidos a los administradores del Museo. Así mismo, distribuyeron posters e impresos al público visitante.

El grupo de más de 40 personas, que incluía a estudiantes de NYU, artistas y activistas, entró en el museo el sábado por la tarde e inició la protesta hablando brevemente de un megáfono, el cual fue neutralizado rápidamente por la seguridad del museo. [hyperallergic]

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Informe de GULF

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Sobre "Maqueta para el Dante" de José Alejandro Restrepo

Jose Alejandro Restrepo presentó su proyecto “Maqueta para el Dante” en el marco del Festival Iberoamericano de Teatro. Además de contar con un muy buen apoyo logístico y de producción, tuvo una importante afluencia de público (700 personas al día, de 6 pm a 11 pm, durante las dos semanas que estuvo abierto al público), cosa que rara vez sucede en un evento de arte contemporáneo. Aquí algunas imágenes, videos y textos que circulan por la red:

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Fotos de http://www.plataformaarquitectura.cl/

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Profanando los héroes

“Esto podría ser el infierno para mí. El caleidoscopio se mueve con la serenidad y el aburrimiento de los días”.

Bolaño

Si parafraseamos a Borges, diríamos que inevitablemente cada exposición inventa sus precursores. Es lo que viene sucediendo con mucho éxito en los últimos dos años en el Museo de Bogotá, dentro y fuera de sus muros en La Candelaria. En esta ocasión queremos hablar de la intervención visual al monumento de los “Héroes” de José Alejandro Restrepo en Bogotá.

Detrás de cada intervención de la historia, -de la “monumental”, de la que se exhibe, pero también de la que se esconde tras las infamias más o menos silenciosas- hay o puede haber un grito de un artista que se resiste a repetir los credos aprendidos y desanda el camino, produciendo diferentes tipos de profanaciones, como la que lleva a cabo José Alejandro Restrepo dentro y fuera del Monumento a los Héroes en Bogotá, una obra de origen fascista proveniente de la Italia de Mussolini y de los delirios de Laureano Gómez…

Al empezar los nueve círculos del infierno en los Héroes, nos recibe un aviso: “A los que entran, pierdan toda esperanza” y entonces recordamos la vía borgeana del caleidoscopio, una que también nos lleva a Bolaño y a los videntes latinoamericanos, como Restrepo, aquellos que atraviesan el horror con los ojos bien abiertos. No es una metáfora. Al recorrer la exposición, nos sometemos a una experiencia fantasmagórica en la que los ríos de Dante nos sumergen en una noche larga en la que perdemos nuestro rostro en la oscuridad y desandamos nuestros pasos a tientas como si fuéramos los últimos testigos del dolor y la infamia. Al salir las imágenes se superponen en nosotros y dando vueltas en círculo por la ciudad, quizá buscando otros “puentes sobre los abismos” como diría Pascal (y Bolaño), tratamos de no cerrar los ojos, pero al dormir, otras imágenes reaparecen en las pesadillas y la obra continúa su camino…

Al experimentar por unos minutos el ascenso y la confusión en el ascenso y en la oscuridad, quizá volvemos también a reencontrarnos con algo muy “inocente” de nuestras miradas…

Alberto Bejarano

publicado en Bogotaucrónica

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De Luna Cárdenas

De I Seek


¿Se puede vivir del arte?

Actualmente tienen lugar una serie de eventos en torno al tema de las labores que desarrollan los artistas para financiar sus proyectos. Igualmente, se han venido publicando textos que tratan de problemas y preguntas similares en otros contextos:

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Vivir del Arte | Modus Operandi 2014

¿Qué sigue en términos de su producción y reflexión artística para un estudiante de arte una vez se gradúa de la universidad?, ¿de qué vive un artista, crítico o curador en un contexto como el nuestro?, ¿qué tácticas paralelas desarrollan para financiar su proyectos?

Para este año, en el seminario Modus Operandi se abordarán diversas situaciones relacionadas con la práctica artística, entendida como modo de vida, y lleva como título “Vivir del arte”

Martes 8 de abril

– Jóvenes, ¡bienvenidos al futuro! Nadia Moreno Moya

– ¿Se puede vivir del arte? Conversación con Ana Maria Millán y Lucas Ospina

– Clínicas de Arte Contemporáneo. Pedagogías paralelas y profesionalizacion del sistema del arte, Jorge Sepúlveda.

Miércoles 9 de abril

¿De qué vive un artista, un galerista o un curador?, ¿qué tácticas desarrollan para financiar su proyectos? María Buenaventura, Lorena Espitia, Juliana Angel, Kevin Mancera, Andres Matías Pinilla, Mauricio Gómez, Juan David Laserna, Alejandro Mancera y Juan Sebastian Ramírez responderán a estas preguntas de manera sencilla e informal a través de 15 imágenes y en sesiones de 15 minutos cada uno.

Videos de la transmisión en directo en: https://new.livestream.com/accounts/5484230/events/2903335

Vivir del arte 
Modus Operandi 2014
8 y 9 de abril – 5:30 pm
Auditorio C, Edificio Mario Laserna | Universidad de los Andes

Entrada libre – Cupo limitado, inscripción previa en areadeproyectos@uniandes.edu.co

 

sablazo

De la pintura, la plomería, la música y otros oficios

En cafés, restaurantes, librerías, guarderías, colegios, los más afortunados (quizás) en Universidades y hasta en bancos e industrias, es posible encontrar a un buen número de personas que, en sus días de estudiantes querían ser tan grandes y famosos, que sus nombres fueran reconocidos en cada rincón del planeta. Distinto a ello, se tienen que contentar con algún trabajo forzoso para así, eventualmente, poder dedicarse a aquella actividad que estudiaron. Algunos corren con suerte y estos trabajos hacen parte solo de una época de sus vidas; la mayoría, sin embargo, se ve obligada o, decide renunciar del todo a su actividad estudiada. Esta realidad no corresponde exclusivamente a los tiempos actuales; pintores, músicos y literatos de fama internacional incluso, hasta deben en parte su fama al papel de mártires por el arte: renunciar a una ‘vida normal’ por fines creacionistas, los convirtió en héroes y figuras emblemáticas que, con seguridad los padres usan de referente para convencer a sus idealistas hijos de no estudiar artes, fotografía, música u otra carrera que por lo general implica una inversión mayor que la ganancia que genera de vuelta.

Afortunadamente, existen aquellos que logran vivir del arte. A veces dando clases o haciendo letras para comerciales o imitaciones de cuadros, pero también están los que gracias a su talento perseverancia y, en ocasiones suerte, logran convertir su trabajo en el sustento y forma de desarrollar su creatividad. Esta edición está dedicada justamente a aquellas personas que estudiaron, en la academia o no, para realizar alguna actividad cultural, pero por las dificultades que éste campo alberga, han tenido que hacer actividades que poco o nada tienen que ver con lo que sueñan o, aquellas historias que sirven de inspiración para quienes quieren dedicarse a un área cultural, pero por el temor a hacer una dieta involuntaria prefieren ser abogados o ingenieros, cuya única relación con el arte es a través de medios y exposiciones. La idea es entender, discutir y dar a conocer las dificultades que tienen que pasar quienes trabajan en el mundo cultural, pero también destrabar los tabúes existentes sombre la supuesta imposibilidad de vivir de ello.

Sablazo Crítica Cultura > http://sablazo.com/

nuevabiblio

Nueva Biografía Productiva | Exposición en la Cámara de Comercio

Hay flexibilidades de todo tipo: funcional, geográfica, de salarios, de equipos y de horarios; hay desregulación y transformaciones del derecho del trabajo. Se pide incrementar igualmente la flexibilidad y adaptabilidad permanente de la fuerza de trabajo en lugar de carreras por antigüedad y, fundamentalmente, nos encontramos, como último marco pero no el menos importante, una flexibilidad tecnológica en el desarrollo de una producción informatizada y flexible de bienes tangibles o intangibles, muy lejos del esquema de gran unidad productora en masa de productos altamente estandarizados.

Luis Enrique Alonso

La actividad profesional de parte de la comunidad de productores visuales que se han formado en el contexto local durante las últimas dos décadas ha seguido alguna de las siguientes alternativas:

1.- Su inscripción en un circuito institucional (ir desde la creación y mantenimiento de lugares experimentales sin ánimo de lucro hasta espacios convencionales amparados por el Estado o iniciativas comerciales de carácter privado);

2.- El desarrollo de procesos alternativos de difusión (organizar espacios para que otros artistas muestren su trabajo o desarrollando actividades de impacto comunitario);

3.- La renuncia a la producción de obra para integrar un campo laboral no necesariamente relacionado con su proceso de formación en educación superior.

El denominador común -o el problema irresoluble- de estas decisiones tiene que ver con la necesidad de conciliar la obtención de un ingreso estable con la posibilidad de que la dedicación que exija ese proceso no conduzca al abandono de la producción de obra.

Nueva Biografía Productiva es una propuesta que intentará mostrar la manera en que un grupo de productores no sólo formados en espacios convencionales de educación en artes visuales ha enfrentado y resuelto la condición actual de poseer una aparente libertad de movimiento profesional en medio de una evidente precarización económica. Los proyectos que la integran evitarán la concentración en el deleite de una técnica refinada por la constante especialización (ilustrada por expresiones como “buena pintura”, “buena fotografía”), o la realización de procesos pedagógicos con impacto comunitario (que se resume, para muchos y desgraciadamente, bajo la categoría de “Estética relacional”). Además de esto, se tratará de ampliar la reflexión hacia las interacciones sociales que han diseñado algunos productores locales para llevar sus propuestas a término.

El panorama formal de las propuestas seleccionadas abarcará desde el diseño gráfico realizado para campañas políticas, la fotografía espontánea convertida en reflexión artística, la participación en la creación-administración-destrucción-creación de espacios o iniciativas dentro del campo del arte, la gestión de recursos para hacer documentales, la planeación de grafitti por medio de la realización de talleres gratuitos, la formación de comunidades en técnicas que permitan obtener beneficio económico duradero, la producción audiovisual profesional.

Artistas participantes :

Santiago Caicedo (Timbo Studio), Elkin Calderón Guevara, Escuela Roma (Mario Orlando Cueca), Escuela de Garaje Laagencia), Escuela Taller de Bogotá (Susana Eslava), Fundación Waja (Paola Correa-Gustavo Gutiérrez),Alejandro Martín MaldonadoMatik Matik (Benjamin Calais), Monocromo (Santiago Reyes Villaveces-Juan Pablo Mejía), Carolina Petro, Ana María Ana Maria Ruiz Valencia.

Curaduría de Guillermo Vanegas

artfcity

 

Why art doesn’t pay

Over Facebook, I asked an informal question about who pays artists. I wasn’t surprised by the results. Many artists, including those still in school, tend to pay other artists, actors, and writers who’ve assisted with the production of a work. Even those with limited means tend to exchange work, materials, or other barterable goods. Contrast this with the fact that when a non-profit or museum pays artists and their assistants, it seems like a rare, almost noble deed.

http://www.artfagcity.com/2014/04/01/why-art-doesnt-pay/

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Starving Artists Fed Up; Seek To Establish Industry Standards With Teamsters Local 705 (Chicago, IL)

Teamsters and artists may seem like an unlikely combination, but professional artists at Chicago’s Mana Terry Dowd fine art packers and movers are organizing in an effort to begin to establish income and benefit standards in their profession. The artists are set to vote on April 25 in an election administered by the National Labor Relations Board. Upon graduating with a degree in art, professional artists are faced with few employment options. Even after receiving debt-burdening advanced degrees, these highly talented and skilled artists vie for a professorship or to make it big in the art scene. In the meantime, postgraduate artist are typically faced with two remaining low-wage choices; to work as an assistant at an art gallery, or to become an art handler as with Mana Terry Dowd. These jobs often pay little more than fast- food wages.

 

http://art-leaks.org/2014/04/09/starving-artists-fed-up-seek-to-establish-industry-standards-with-teamsters-local-705-chicago-il/

 

 


El ejercicio # 1 de Habacuc (La Otra Pornomiseria)

Habacuc, el artista del perro amarrado en una galería, se encuentra en Bogotá participando en la Otra Bienal. Con esta acción pornomisérica continúa en su búsqueda infructuosa de generar polémica. Escribe Habacuc en su blog:

“En el marco de la inauguración de la Otra Bienal de Bogotá se realizó esta acción: tres personas trabajadoras del sexo (un Transgénero, una prostituta y un puto) participan en un concurso, succionar con dildos huecos una mezcla de semen real y semen artificial de un recipiente, transportándolo en su boca y vaciando lo succionado en otro recipiente.

Ganó la primera persona que succiono con mayor rapidez. El premio fue una ancheta “canasta de alimentos”.

Esta acción se llevó a cabo en “Céntrico” bar y restaurante exclusivo de la ciudad de Bogotá Colombia”

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publicado por ArteHabacuc


La tienda de Silvia Tcherassi se viste de Arte @Artbo

 

“Cuando el arte se vuelve moda” es el nombre de la exposición -curada por Jaime Cerón- que hace parte de la Feria de Internacional de Arte de Bogotá (ArtBo) y que exhibe algunos de los vestidos que la diseñadora Silvia Tcherassi elaboró para la edición especial de septiembre de la revista CROMOS. Cada prenda es la interpretación que la diseñadora barranquillera hizo de obras emblemáticas del arte moderno y contemporáneo de artistas como Ives Klein, Jesus Rafael Soto, Helio Oiticica, El Anatsui y la colombiana Doris Salcedo.

De esta manera los vestidos saltan de las páginas de la revista y se convierten en piezas de arte para que los asistentes a la feria puedan verlos, disfrutar de las texturas, los detalles y los aprecien en tamaño real. La muestra incluye fotografías en varios formatos en las que Raúl Higuera da su propio toque a los vestidos, generando un concepto propio y haciendo de cada imagen una obra más en esta gran instalación. También hacen parte del performance una serie de videoclips en los que se muestra el trasescena del proceso creativo de la revista. La exposición llevará a los asistentes por un recorrido en el que cada elemento de la revista, fotografía, video y vestido, cobra vida.

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Dos mundos encontrados | Por Jaime Cerón- curador de la exposición

A pesar de que el arte y la moda aparecieron como actividades estéticas aisladas durante la era moderna, recientemente se han percibido como componentes de una cultura visual más amplia. La modernidad, como corriente estética, fue vista como una actividad hegemónica, originando distintas respuestas subalternas, en las que  ha habido mucho de arte y de moda.

Sin embargo, los mundos del arte y la moda han cruzado sus historias varias veces. Han respondido a su manera a interpretaciones que involucran la valoración del cuerpo y tienen en común la necesidad de ponerse en escena pública a través de distintas plataformas simultáneas. En el arte ha sido dominante el contexto de la exhibición; en la moda, la presentación en vivo. Ambos confluyen en un mismo universo de circulación que es el vasto campo de los medios impresos. Sobre los dos se hacen libros, revistas y catálogos.

A partir de la obra de Damien Hirst

A lo largo de la historia, ambas expresiones han ido reconociendo que el cuerpo es una construcción social antes que un organismo natural, y por esto la idea de un cuerpo estable  –sustentado en una identidad intrínseca– ha sido reemplazada por la concepción de un cuerpo cultural que se puede reconfigurar o modificar de acuerdo con los más diversos intereses.

Cuando el arte se vuelve moda” es una exhibición que reúne apropiaciones y resignificaciones que ha realizado la diseñadora colombiana Silvia Tcherassi en torno a una serie de piezas emblemáticas del arte moderno y contemporáneo, y que fueron el contenido de la edición de septiembre de la revista CROMOS. Se trata del montaje de vestidos acompañados de fotografías, videos y textos que revisan la traslación creativa que ha propuesto este proyecto a las obras revisadas y que propone el cruce entre el arte y la moda dentro del formato de una exposición.  Los artistas que revisó este proyecto son: Ives Klein, Jesus Rafael Soto, Helio Oiticica, El Anatsui, Elsworth Kelly, Damien Hirst, Doris Salcedo, Gabriel Orozco, Louis Bourgeois, Mark Rothko y Ed Ruscha.

 

Lugar: Calle 82 # 12-50, piso 3.

Fecha: Del 17 al 22 de octubre.