Marina Abramovic se interpreta a sí misma (con la ayuda de sus fans)

A partir de hoy Marina Abramovic estará durante 64 días, de 10 a 18 horas, en la galería Serpentine de Londres para enfrentarse al público sin ningún plan preconcebido. 

Según el crítico Adrian Searle, “su obra actual gira en torno a la presencia. Sobre todo, en torno a su presencia. Su labor consiste en ser Marina Abramovic, una especie de estrella mediática, una ficción elusiva que incluso ha protagonizado una ópera sobre su propia vida y su muerte”



La artista serbia recurre una vez más a los sentidos para interactuar con el público en un nuevo “performance”, que será inaugurado este viernes. “Necesito sentir al público”, dijo Abramovic al presentar ayer a la prensa esta actuación, que se prolongará todo el verano. Según explicó, en su nueva obra “512 Hours” busca interactuar con los visitantes en el vacío de la galería londinense, donde pasará ocho horas al día, seis días a la semana durante 64 jornadas sin hacer nada, simplemente “intercambiando energía”.

Los asistentes deben dejar sus pertenencias, tales como móviles, cámaras y chaquetas, en unas taquillas antes de pasar a la sala, un espacio diáfano y blanco, lleno de luz, donde podrán pasar el tiempo que quieran, actuar como les apetezca y abandonar cuando lo deseen, con el único propósito de comunicar a Abramovic sus impresiones. La artista, provista de una pequeña cámara en su vestimenta, grabará las impresiones que más tarde le servirán para analizar y estudiar la “construcción de comunidades” a la que dará pie la interacción entre las personas que participen de esta obra. Abramovic abrirá y cerrará durante más de dos meses la galería y “actuará” desde las 10 de la mañana hasta las seis de la tarde “sin interrupciones”.


El crítico Adrian Searle dedicó su columna de hoy en The Guardian a este evento:

Marina Abramović review – ‘Who knows what might happen?’

Serpentine Gallery, London
Are the audience spectators or participants? Will anyone last the full 512 hours? Is it all just about Abramović herself? Adrian Searle gets to touch the great Serbian artist at her open-ended performance

The queue for Marina Abramović at the Serpentine Gallery

Part of the performance? … the queue for Marina Abramović at the Serpentine Gallery. 

“Close your eyes and think of the void,” Marina Abramović announces. “The void is also a cinema screen.” There are 160 of us here, along with a small number of the artist’s assistants, who stand facing the wall. The queue outside is lengthening. The galleries are empty, save for a low MDF stage in the middle of the space. Picking a handful of visitors from the crowd, Abramović leads them gently on to the stage and has them stand, eyes closed, arms to their sides, zombified.

She picks more of us, one by one, and leads us to other parts of the gallery, to stand in pockets of isolation. The artist takes my hand, and off we go. In a workshop she once held at the Manchester international festival, she had dozens of us, all in white coats, doing breathing exercises, walking backwards, slowly progressing up and down. I was hopeless at it. “But now we are touching,” she whispers. Her hand is firm. Will I ever wash it again?

There’s only so much standing still like this I can take. I have a sudden image of Martin Kippenberger’s life-sized sculpture Martin, Into the Corner, You Should Be Ashamed of Yourself. The air conditioning hums. I hear footsteps and the distant glug of the water cooler in the South Gallery, where we have deposited all our possessions in lockers. Up against a window, the sun through the blind warms my face. The child psychoanalyst Donald Winnicott thought the screen we project our dreams on to was the mother’s breast. I think of Marina.

There is a feeling of communal attentiveness in the room. It’s a bit like a prayer meeting. Ever the defiant atheist, I seek eye contact with fellow unbelievers, but there aren’t any. I’m waiting for Mistress Marina, the relaxation-class dominatrix, to give me a good telling off. Later, she takes my hand again. “Breathe slowly. Just be in the present. It’s a good feeling.” Not: “See you round the back later, you naughty boy.” But who knows what might happen if you hang around for long enough.

It is good to walk among and between everyone else here. It is like wandering on stage in a play, with no notion of the plot, no place in the drama. Maybe that’s it. Strangely, time flies by. I’m here for almost two hours. How are things going to unfold over the 512 hours of this work? Will there be interruptions, games, breakdowns? What about the Abramović stalkers? Will those who arrive at 10 every morning stay all day? What about the queue? That’s a kind of performance, too.

Walking with the artist, I have a fantasy that she’s Pina Bausch, and we’re slowly crossing the deck of a listing ship. Like the great German choreographer, Abramović knows how to slow things down and make you attend to every step. Presence, pretty much, is what her work is about. Mostly her presence.

Are we audience or participants, agents or objects? For decades, Abramović has made startling and unforgettable performances, both alone and with her former partner, Ulay. Nowadays, her work is about being Marina Abramović, a kind of media star, an elusive fiction who has even starred in an opera about her own life and death.

You can’t judge the first two hours; Abramović is making something, but who knows what. I like the indeterminacy, and that I don’t know what has happened since I left. I shall be returning with updates over the duration of the work, if work it is, as it unfolds.


Publicado en The Guardian

Acción de protesta en el Guggenheim de Nueva York


Anoche, más de 40 manifestantes realizaron una intervención en el interior del Museo Guggenheim en Manhattan. Desplegando pancartas, panfletos, cantando, entregando información a los visitantes del museo y llamando la atención con una corneta, el grupo trabajó para denunciar las condiciones de trabajo en la isla de Saadiyat, en los Emiratos Árabes Unidos, donde se está construyendo el Guggenheim Abu Dhabi, una franquicia del Guggenheim de Nueva York.

Puesta en escena en medio de la recién inaugurada exposición sobre el Futurismo, la intervención -un término usado por algunos miembros del grupo para describir la acción- recibió tanto el aplauso de los visitantes que parecían animados por la conmoción, así como reacciones de confusión de quienes no estaban al tanto de lo que sucedía.

Flyers raining down onto the floor of the Guggenheim Museum in Manhattan, while protesters and chant and hold banners over the railings of the museum. (all photos by the author for Hyperallergic)

Continúa el reporte de Hrag Vartanian, editor de Hyperallergic:
The intervention began at 6:45pm EDT with a bugle call and a loud question: “Who Is Building the Guggenheim Abu Dhabi?” The whole action continued for roughly 20 minutes, during which time security guards appeared to react slowly to the protesters as hundreds of museum visitors captured images and video of the protests.

The participants, who were a diverse groups of artists, professors, students, and activists loosely affiliated with Occupy Museums, Gulf Labor, and various NYU-affiliated groups, timed their protest to take place during the pay-what-you-can hours of the museum, which normally charges $22 admission for adults. When I asked organizers if they purposely chose their action to coincide with the Futurism exhibition and the Carrie Mae Weems retrospective, they told me that they did not but they were delighted for the coincidence since Futurism sought to combine art and politics, while Weems is a champion of those who have been historically excluded from museums.


The front cover of an informational brochure distributed during the February 22nd intervention.

“This is a new phases of the campaign, we’re moving beyond talk to action, and bringing it home obviously to the Guggenheim,” said Andrew Ross, a NYU professor of sociology, who is involved in the Gulf Labor coalition and the NYU Fair Labor coalition. “There are so many more people involved in this action that were not involved in Gulf Labor until this point. We’re widening the circle of participation and that will have an impact.”

Gulf Labor is a coalition of artists, academics, and activists, who have worked for over a year to ensure that the labor conditions on Saadiyat Island in Abu Dhabi, which will house Guggenheim and Louvre-branded museums and a NYU-affiliated university, do not exploit workers. Many human rights organizations say that the workers who are brought to Saadiyat Island are victimized by the nation’s sponsorship system and face grueling and inhuman conditions on a daily basis.

During our brief conversation, Ross explained how their work raising awareness about workers’ debt, which translates to a type of indentured servitude for migrant workers, is connected to much bigger issues.

“We’re trying to make a connection with chains of debt that are transnational, and in the various locations we’re looking at, Bangladesh, Abu Dhabi, NYU, and the art world, there’s an enormous accumulation of debt in each of these places, and the money is getting extracted by the transnational creditor class,” Ross said. “And artists are more and more [in debt], and in order to practice art, you’re required to take on a big debt burden … so there’s a connection across many continents. Another art world is possible, one that’s more principled and ethical, and that looks out for the human and labor rights of all. Artists should not be asked to exhibit in museums that have were built on the back of abused workers … that’s what it boils down to. When you’re acquired by a museum that does that, that’s unfair. Your complicity is being bought along with the artwork.”

A close up of some of the banners unfurled during the intervention.

A close up of some of the banners unfurled during the intervention.

The idea of using art as a way to reimagine the world was at the heart of another participant’s passion for the issue. “Art among other things is about doing, living, and imaging a better world,” said artist Nitasha Dhillon of MTL Collective. “Art should not violate human rights, art should not endanger workers lives, and art should not create debt slaves. And definitely not be part of a system that creates debt bondage.”

She sees yesterday’s actions as “a call for solidarity and a call for museums to do the right thing.” She added that “it’s important for museum goers to understand what kind of system they are participating in.”

One college student I spoke to, who originally hailed from China, said she was taking part in this, her first action, because it excited her to think about how art and social justice can work together to help change people’s lives. When I asked her how that interconnectedness changed her perception of art, she replied: “It changes art for the better for me.” She said she’d like to bring these ideas to China when she returns, though she was not clear about how.

One Polish artist who participated with the group dropped one-sided leaflets he printed and brought to the event. The ambiguous pieces of paper featured an eye, a recycling symbol, an EKG, and the words “Human Toy Tool.”

I recorded as much of the intervention as I could on my smartphone and it is posted here:

After guards removed all the remaining banners, the intervention participants slowly left the museum. One man, who was playing the bugle, was temporarily detained by the NYPD, though he was released after a few minutes without providing ID or other personal information.

Guggenheim guards, who were obviously unnerved by the event, yelled at one participant in front of the museum entrance. A few moments later, a guard came out to the street to tell hundreds of people lined up in front of the museum that no one else would be allowed into the building that evening. The crowd was visibly disappointed and many people lingered hoping the museum administration would change their mind.

Museum visitors reading the manifesto tacked to the wall beside the introductory text to the Futurism exhibition.

Museum visitors reading the manifesto tacked to the wall beside the introductory text to the Futurism exhibition.

After the intervention, I encountered artist Amin Husain, who helped lead the chants, and I asked him if he thought it was all a success. “I think it was well-received by the people in the museum. One person told me that they didn’t know that was happening, so public education is really important,” he said. I asked him about the exhibitions themselves and whether he thought people understood what they were saying in that context, and he said he did: “I think the context is really appropriate, because they [the Futurists] talked about restructuring the universe, so clearly the museum is giving that some thought at this moment, and we want to talk about restructuring the universe without fascism and without slave labor.”

The intervention, which was the first by a new coalition that includes Occupy Museums, Gulf Labor, and various New York University-affiliated groups, came about after a month of meetings between the various organizations. The coalition, which was using the acronym G.U.L.F. (Gulf Ultra Luxury Faction) to identify themselves in their informational brochure, hope that this will be the first in a series that builds bridges in their continuing fight for social justice. The next event is scheduled for Wednesday, February 26, 5:15pm EDT, at NYU’s Global Center for Academic & Spiritual Life (GCASL), which is located at 238 Thompson Street, Room 369, in Manhattan’s Greenwich Village.

Hyperallergic reached out to the Guggenheim Museum for comment last night and we have yet to hear back from the organization.

The coalition's manifesto that was placed on the wall of the museum and read by visitors.

The G.U.L.F. coalition’s manifesto that was placed on the wall of the museum and read by visitors.

These were the words participants were chanting tonight (according to a text provided to Hyperallergic during the intervention):



Susan Philipsz Gana El Turner Prize

«Lowlands», instalación acústica de Susan Philipsz en un puente de Glasgow (2010)

Fiel a su trayectoria poco convencional, el premio Turner ha sido este año para una instalación sonora: la voz de la artista escocesa Susan Philipsz cantando una y otra vez una canción folclórica del área de su Glasgow natal. A falta de propuestas transgresoras —en esta ocasión ninguno de los artistas seleccionados utilizaba el escándalo como reclamo—, las 25.000 libras (cerca de 30.000 euros) del prestigoso premio que otorga la Tate Britain fue por primera vez para arte que sólo se percibe con el oído. Entre los finalistas estaba la artista gallega Ángela de la Cruz, la primera española en ser seleccionada para el premio, destinado a artistas británicos o que trabajan en el Reino Unido y tienen menos de 50 años.
Lo más llamativo de la exposición que presentaba las obras de los cuatro artistas era probablemente el espacio vacío de una de las salas, en la que unos altavoces reproducían la voz de Philipsz entonando, sin acompañamiento musical, una canción folclórica escocesa. «Lowlands», que alterna 8,5 minutos de canción con 35 segundos de silencio, tras el que la canción vuelve a repetirse, fue presentada este año en una instalación bajo uno de los puentes de Glasgow sobre el río Clyde. Con orígenes en la escultura, Philipsz ha evolucionado hacia la noción de cantar como «experiencia física y escultórica». «Cuando respiras, eres consciente del espacio interior de tu cuerpo. Cuando proyecto mi voz, soy consciente de llenar la sala con sonido y esto lleva a pensar cómo la arquitectura y el sonido pueden definir el espacio y cómo a veces el espacio puede cambiar el sonido», asegura la artista.
Ángela de la Cruz había sido seleccionada por la pintura-escultura que ha creado tras el derrame cerebral que la tuvo varios meses en coma, en los que dio a luz a su hija, y que la obligó a varios años de recuperación. La artista española «se interroga sobre el medio que es la pintura: ¿cuándo una pintura no es una pintura? Tras romper los bastidores como estudiante, De la Cruz pasó a liberar la pintura de los límites sagrados en los que se sostiene, permitiendo su expansión desde lo pictóricamente plano a una tercera dimensión». Por su parte, el inglés Dexter Dalwood define sus propuestas como pintura narrativa o arte que quiere contrar una historia. Optaba al premio con varios lienzos con motivos históricos en los que en realidad el objeto del cuadro está ausente, como es el caso de «La muerte de David Kelly», donde no aparece el especialista armamentístico que cuestionó la afirmación de Tony Blair sobre la existencia de armas de destrucción masiva en Irak, que se suicidó en 2003. El cuarto seleccionado era el Otolith Group, integrado por los británicos de origen africano Kodwo Eshun y Anjakika Sagar. Al Turner optaban con la proyección en una sala de «The Owl’s Legacy», una serie de televisión del cineasta y artista Chris Marker sobre el legado de la antigua Grecia. Pretendía ser «un monumento a la difunta televisión».

Cae la primera palma de cera en el Parque de la Independencia

Santiago Sierra, Premio Nacional de las Artes Plásticas

El premio otorgado por el Ministerio de Cultura de España está dotado de 30.000 euros

El Ministerio de Cultura anunció ayer la concesión del Premio Nacional de Artes Plásticas 2010 a Santiago Sierra (Madrid, 1966). El artista, residente en México, cuenta con una trayectoria reconocida internacionalmente construida con una obra de fuerte contenido reivindicativo. El Ministerio ha elegido a Sierra “por su obra crítica, que reflexiona sobre la explotación y la exclusión de las personas, y genera un debate sobre las estructuras de poder, tal y como se manifiesta en sus diversos proyectos desarrollados a lo largo de dos décadas”, según explica en una nota de prensa.

El jurado, presidido por la directora general de Bellas Artes y Bienes Culturales, Ángeles Albert, e integrado por Daniel Castillejo, director de ARTIUM, Guillermo Solana, conservador jefe del Museo Thyssen-Bornemisza, y los críticos de arte Laura Revuelta, Gloria Moure y Francisco Javier San Martín, ha elegido a un artista perseguido por la controversia en muchos de sus trabajos. En 2003 tapió el pabellón español en la Bienal de Venecia e impidió el acceso a quien no presentara un DNI español; en 2006 quiso llenar de monóxido de carbono una sinagoga en Alemania; en 2007 construyó unos módulos a partir de los residuos fecales humanos que manipulan los intocables en la India. En la actualidad, pasea por el mundo una escultura gigante con la palabra NO.

Las obras del artista lanzan profundas acusaciones sobre la desigualdad, punto que ha tenido en cuenta el jurado para conceder este premio, dotado con 30.000 euros: “El arte de Sierra, cargado de reivindicaciones sociales y políticas desde sus comienzos, intenta evidenciar lo absurdo de las relaciones de poder establecidas y destacar los problemas que acarrea para la población la economía capitalista”

publicado por El País

Mujer Es Detenida Por Destruir Exposición Que Representa A Jesús En Un Acto Sexual

Una mujer armada con una barra de metal destruyó una controversial litografía del artista mexicano Enrique Chagoya, que se exhibía en un museo de la comunidad de Loveland, Colorado, y que había causado polémica al mostrar a Cristo participando en un acto sexual.

El Departamento de Policía de Loveland, informó que la obra ‘Las desventuras de los caníbales románticos’, fue destruida la víspera por Kathleen Folden, de 52 años de edad. La mujer fue arrestada en el lugar y puesta bajo custodia, acusada de conducta criminal. La policía detalló que la mujer ingresó al Mueso Galería de Loveland y se paró frente a la exhibición.

Detalló que utilizó una barra de metal para romper el plástico trasparente que protegía la imagen y destruyó la pieza.

La obra de Chagoya había despertado a lo largo de la última semana una serie de protestas en Loveland, por parte de grupos de personas que la consideraban una blasfemia. El pasado viernes, Daryle Klassen, un concejal de la ciudad ubicada a unos 80 kilómetros al norte de Denver, propuso que el cabildo de Loveland se pronunciara en contra de la exhibición de la obra, pero no obtuvo los votos suficientes para ello. Klassen acudió luego junto con a unas 50 personas al Museo Galería Loveland para protestar por la exhibición.

La litografía de Chagoya, en forma de tríptico, incluye personajes de historietas, pornografía mexicana, símbolos mayas y estereotipos étnicos. La obra, formaba parte de una exhibición de 82 grabados hechos por 10 artistas que han trabajado con el especialista en el manejo de la tinta, Bud Shark, quien emitió este jueves un comunicado condenando el atentado.

El ataque ‘es un resultado directo de las descripciones falsas de la pieza en la prensa y de aquellos que protestaban su inclusión en la exhibición’, aseguró.

Chagoya, de 58 años de edad, nació en la Ciudad de México pero emigró a Estados Unidos en 1977, tras estudiar Economía en la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) .

En este país, Chagoya trabajó como ilustrador y diseñador gráfico hasta que recibió una beca para estudiar arte en el Instituto de Arte de San Francisco y en la Universidad de California en Berkeley. Actualmente es maestro de arte en la Universidad de Stanford.

Excluidos de Manifesta


Este es el documento redactado por Corporación Bacilö que informa públicamente de la EXclusión de este colectivo del proyecto MoCHA Sessions comisariado por Yolanda Riquelme y el equipo de comisarios ACAF dentro del programa oficial de Manifesta 8:


Murcia 7 de Octubre de 2010

por Corporación Bacilö, colectivo artístico Excluido


(esta es una información extra sobre hechos de los que Manifesta 8 nunca informará)

Somos Corporación Bacilö, un colectivo artístico fundado en 2003. En mayo de 2010 uno de los equipos de comisarios de Manifesta 8 (ACAF) se puso en contacto con nosotros y nos propuso participar en el proyecto MoCHA. Después de 4 meses trabajando en nuestra propuesta (CONTABILIDAD) para las MoCHA Sessions sin condiciones claras, sin acuerdo o contrato firmado, sin dinero ni una idea clara de la futura cantidad de dinero asignada a la producción, Corporación Bacilö ha sido excluida.

Corporación Bacilö no ha recibido ninguna razón específica, clara y bien argumentada que justifique esta decisión. Hemos invitado al responsable del proyecto MoCHA a publicar una nota de prensa que explique cuales son sus motivos para la exclusión. Por supuesto no ha habido respuesta.

Por esto hemos decidido ser nosotros mismos los que les faciliten esta información.

CONTABILIDAD, nuestro proyecto para las MoCHA Sessions, continúa, aunque ahora fuera del Programa de Manifesta 8. Y lo continuamos porque respetamos el tiempo y el esfuerzo que hemos empleado en esta idea. También porque esta idea habla sobre lo que está en el backstage del sistema del arte, y pone en escena la burocracia escondida que contiene una producción artística, lo cual puede haber sido la razón real de nuestra exclusión.

El proyecto de Corporación Bacilö será presentado en las mismas fechas en las que estaba programado (la primera semana de Enero de 2011), pero en un espacio/espacios diferentes, en distintas ciudades y on line.

Durante los próximos meses se podrá seguir el progreso de este proyecto visitando nuestro blog:

Todos los artistas participantes en la Bienal Manifesta 8 están invitados a enviar a nuestra dirección de email sus historias relativas a las precarias condiciones en las que están desarrollando sus trabajos artísticos:

Al mismo tiempo estamos en proceso de acometer acciones legales, preparando una denuncia formal contra la Organización de Manifesta 8. Este proceso legal es ya también parte del proyecto CONTABILIDAD y también podrá ser seguido a través del blog de Corporación Bacilö.

Les Saluda Atentamente,

Corporación Bacilö

Participantes de Preámbulo repiten éxito en Bogotá, Santa Marta y Nueva York

Milena Bonilla, William Gutiérrez, Oswaldo Rocha y Andrés Felipe Uribe han sido invitados a participar en diferentes exposiciones y eventos con los proyectos que presentaron en Preámbulo.

La artista Milena Bonilla presenta desde el 3 de julio de 2010, la obra Ceremonia para un paisaje homogéneo en la exposición Las Historias de un grito, 200 años de ser colombianos, del Museo Nacional de Colombia.

Esta obra es una animación donde la silueta de Simón Bolívar montando un caballo encabritado desciende colgada de tres cuerdas hacia un horizonte configuado con las fronteras de los países liberados por el prócer venezolano. Mientras esta silueta va adentrándose en el horizonte,  este se aplana hasta convertirse en una línea completamete homogénea.

Milena Bonilla, Ceremonia para paisaje homogéneo, 2009. Animación


Museo Nacional de Colombia

Carrera 7 No 28-66

Teléfono 381 64 70


Junto con el grupo 0,29, William Gutiérrez ha sido invitado a participar en el proyecto de exposiciones semanales Obra en Construcción que realiza la Sala de exposiciones de la A.S.A.B. durante el mes de octubre.

En esta oportunidad 0,29 propondrá Procesos abiertos, una serie de prácticas de resistencia a través de nueve proyectos en marcha, en los cuales [elpúblico] podrá hacerse medio, jugar, editar, piratear, copiar y de cualquier manera pensar la deconstrucción de la estructura de liderazgo de opinión sustentada por la política pública, los medios de comunicación y los sistemas de producción y consumo.” Una de esas acciones será la coordinación de una partida de Colombia en Risk, los días 6 y el 8 de octubre a las 3 pm.

William Gutiérrez, Colombia en Risk, 2008, apropiación mixta


Academia Superior de Artes de Bogotá

Sala de exposiciones

Carrera 13 No. 14-69

Tel: 2821645–2828160



Por su parte, Oswaldo Rocha ha sido invitado a presentar su investigación “Historia de los uniformes de los grupos armados irregulares en Colombia (periodo inicial)” en el Simposio:  Los “teatros” de la memoria, dinámicas y tensiones, del VI Congreso de Arqueología.

El 29 de octubre en la Universidad del Magdalena, Rocha hablará de su investigación, enfatizando en la intención de “reconstruir la indumentaria de los grupos armados que intervinieron en las múltiples refriegas que se dieron en el territorio nacional y que optaron por oponerse a los ejércitos hegemónicos”.

Oswaldo Rocha, Historia de los uniformes en los grupos armados irregulares de Colombia, 2008.


Observatorio del Patrimonio Cultural y Arqueológico

Universiad de los Andes

Finalmente, el Jurado de la 5ª. Bienal Interamericana de Videoarte del Centro Cultural del BID seleccionó a Country Trademark de Andrés Felipe Uribe como uno de los 20 videos que participarán en la versión 2010.

En esta obra, el artista se manda cortar (grabar) en su pecho el logotipo de la marca país que se instauró para Colombia durante el régimen presidencial anterior, mientras suena La Pasión de San Juan, BWV 245.

Andrés Felipe Uribe, Country Trademark (NATIONAL BRAND), 2009. Video-performance (9:22 min)


Centro Cultural del Banco Interamericano de Desarrollo (BID)

1300 New York Avenue NW,

Washington, DC  20577

Tel. 202 623  3774


Quedó en libertad Nicolás Castro

En libertad quedó el creador del grupo virtual “me comprometo a matar a Jerónimo Uribe Moreno”, Nicolás Castro, por decisión de un Juez de Bogotá, que consideró que ya se habían vencido los términos que la Ley prevé para el inicio de la etapa de juicio.

La decisión se produjo luego de que se hubiera decretado la nulidad de todo lo actuado en contra del estudiante de bellas artes, capturado en Chía, Cundinarmarca, en diciembre de 2005.

Recientemente, el Tribunal Superior de Bogotá ordenó a la Fiscalía General de la Nación rehacer todo el proceso, tras acusar a Castro de instigación a delinquir.

El organismo jurídico consideró que había errores insalvables en la actuación, por cuanto no había lugar a continuar con el proceso en contra del joven de 23 años.

fuente >

Guillermo Vargas “habacuc” Desaparece De La Bienal De Pontevedra


El artista costarricense Guillermo Vargas, conocido como Habacuc, iba a participar en la Bienal de Pontevedra, finalmente por “ajustes de última hora” se han excluido unos videos que iban a ser mostrados. Habacuc despertó una gran controversia por una obra en la que dejo a un perro morir de hambre en una galeria, cuestión de la cual dimos cumplida cobertura en su momento, recordemos el artículo La muerte del arte y la muerte en el arte

Buscando en la prensa hemos encontrado las posibles razones de su exclusión…

Un artículo de La Voz de Galicia sobre la inauguración de la bienal comenta lo siguiente:

“El único lunar, el del arte de la provocación, lo puso el polémico creador costarricense Guillermo Vargas, Habacuc (sobre el que circuló en la Red la noticia de que había dejado morir a un perro en una exposición), que acudió al acto con una prenda con el lema camisETA, intentó por activa y por pasiva dejarse ver, y aseguró desconocer lo que estas siglas significan. Su gesto provocó un «reajuste» en la exposición de la Bienal, que acoge la Facultad de Bellas Artes, donde al parecer iban a exhibirse dos vídeos suyos. La muestra se inauguró sin ellos”.

(artículo completo)

Bueno esto es lo que se llama habitualmente “censura” y no “reajuste”. Nos dicen que ante el revuelo despertado y ante la incomodidad que producia su indumentaria, decidió vestir la camiseta al reves para ocultar el lema, una vez que la prensa ya había cubierto el acto. Parece ser que no fue suficiente para suavizar el malestar generado.

Santiago Olmo, comisario de la bienal, que fue preguntado por este hecho en el Xornal, dijo que le parecía una manera poco fina de llamar la atención; y que por supuesto esta “acción” estaba fuera de la programación de la bienal.

Habacuc no es el primer artista extranjero que en España intenta crear controversia utilizando la palabra ETA, recordemos la obra del japonés Makoto Aida en ARCO 2006, titulada ETA vs GAL

En cualquier caso y sin entrar en valorar artísticamenta la acción de la camiseta nos tendríamos que preguntar si es lícito haber censurado la participación del artista en la Bienal de Pontevedra. Aunque ya sabemos, y este artículo es muestra fehaciente de ello, que no hay mejor publicidad que la censura.

publicado por Contraindicaciones