El mercado de arte contemporáneo

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¿Quiénes son los artistas líderes del arte contemporáneo en el mercado de hoy? ¿Cuales son los 500 artistas más cotizados del mundo? ¿Quiénes son los artistas emergentes más buscados? ¿Dónde se juega el mercado, y dónde está desarrollándose? ¿Cuáles son las últimas tendencias? ¿Cómo se cotiza a un artista?

En esta 8a edición del informe sobre el mercado del arte publicado a comienzos de octubre, Artprice.com analiza los remates de las casas de subastas internacionales (entre julio 2013 y principios de julio 2014).

https://www.scribd.com/embeds/244663787/content?start_page=1&view_mode=scroll&access_key=key-GGoo8HVRk5j6y7htKLmf&show_recommendations=true


Formalismo Zombie: una tendencia que se impone

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Por estos días se han publicado en distintos medios una serie de textos que hablan sobre el carácter Zombie de buena parte de una abstracción reciente, asociada al tipo de formalismo (Lucien Smith, David Ostrowski, Oscar Murillo, etc) que tanto gusta a coleccionistas especuladores como Stefan Simchowitz; por otra parte, hay bastante similitud visual en un alto porcentaje de la abstración conceptual que circula por galerías, así como coincidencia en su actitud “cerebral” y “apática”, que según la crítica tuvieron su importancia en la década de los noventa y que actualmente, no hacen sino evidenciar los estertores de un formalismo post-mortem.

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Lucien Smith’s Two Sides of the Same Coin (2012)

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Jacob Kassay’s Untitled (2012)

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Aaron Aujla’s Untitled (2013)

Especulación y ascenso del Formalismo Zombie | Walter Robinson

“El asunto principal es ver cómo los artistas son tan poco claros cuando se trata del mercado y sus maquinaciones. De vez en cuando un motor del mercado como Stefan Simchowitz es noticia, pero en realidad este tipo de cosas pasa todo el tiempo. Charles Saatchi inventó todo un movimiento artístico en los años 90, y Mary Boone tenía la fórmula mágica en los años 80. Larry Gagosian se sienta en el centro de su propio sistema solar, al igual que decenas de otros comerciantes de arte de todo el mundo. Museos, escuelas de arte y revistas de arte también son centros de poder a su manera, al igual que las nuevas comunidades digitales” texto completo [en inglés]

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Zombies en la pared: ¿Por qué la abstracción reciente resulta tan similar? | Jerry Saltz

“La mayoría del Formalismo Zombie llega en formato vertical, hecho a medida para la distribución y visualización digital instantánea en dispositivos portátiles. Se ve más o menos igual en vivo que como lo hace en el iPhone, iPad, Twitter, Tumblr, Pinterest y Instagram. Los coleccionistas no necesitan ir a ver este trabajo en exposciones, ya que ofrece poca resistencia material o visual. Tiene poca escala interna, y su campo gráfico se capta instantáneamente” texto completo [en inglés]

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Clare Grill, “Static” (2012)

Conceptualismo y Performance Zombie | John Seed

“El 3 de abril de este año, el crítico Walter Robinson identificó y escribió en su blog acerca del “Formalismo Zombie”, un enfoque multi-uso que según su mirada, caracteriza una agrupación reciente de obras que han tenido gran acogida entre los coleccionistas-especuladores del mundo del arte. No estoy seguro si Robinson piensa que los coleccionistas o los artistas son los zombies al que su nuevo ismo se refiere, pero creo que el nombre que eligió para este fenómeno resulta tristemente acertado.

Debido a su aire de fácil de llevar, el “Formalismo Zombie” parece tener algunas actitudes en común con el “Nuevo Casualismo” un conjunto de tendencias de la pintura abstracta. ¿Qué pasaría – me pregunto- si parte de la apatía hipster del “Formalismo Zombie” -y algo de su sombría confianza en si mismo, se pudiesen mezclar con el conceptualismo? ¿Podría el “Conceptualismo Zombie” ser la próxima tendencia? Parece que ya tenemos “Performance Zombie”, como es el caso del artista que clavó su escroto en la Plaza Roja y el que se comió su propia cadera

texto completo [en inglés]

 

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Textos relacionados:

Nuevo Cinismo: el coleccionista especulador

Por Jerry Saltz

Nuevo Cinismo: el coleccionista especulador

Un excelente articulo de Jerry Saltz -crítico de NYMagazine- sobre la especulación y manipulación en el mercado del arte con obra de artistas como Oscar Murillo y Lucien Smith. El primer párrafo sintetiza muy bien lo un tema que ya se ha discutido bastante en esfera y que Saltz desarrolla en su texto: “El año pasado se vio a coleccionistas y casas de subastas crear su propio mercado del arte. Pasan por alto dealers, galerías y críticos, descubren artistas por su cuenta, les compran gran cantidad de obra a bajo precio, para pasar a continuación a especular e inflar los precios con una red afin de coleccionistas-especuladores. Por lo tanto, hemos visto el surgimiento de artistas que tienen algo mas de 20 años, sobre los que el único tema de conversación e interés son los márgenes de ganancia que se obtiene con la venta de sus obras”

Fernando Uhía, Ready? Zombie! U otra version de segundazos expositivos (reencauchados) en La Tertulia

Por elhenocontraproducente

Fernando Uhía, Ready? Zombie! U otra version de segundazos expositivos (reencauchados) en La Tertulia

Luego de un delicioso y modesto hotdog de mil, una conversación de la Paja con su novia de 16 años de edad en la sala Maritza Uribe de Urdinola, una tarde de domingo, que es gratis la entrada. Novia: Ay amoorr, que rico que me sacaste a pasear por acá por donde tú te mueves, ya va a ser hora de que me presentes a tus amigos artistas!…

 

 

 

 

 

 


Informe sobre la subasta de BogotAuctions

La edición inaugural de BogotAuctions trae consigo una oportunidad excelente para comprender mejor algunos aspectos del mercado del arte en Colombia. La importancia de las subastas radica en que son espacios públicos donde se producen datos y se forma el precio de las obras. Son el medio más transparente – por no decir el medio menos opaco – que tenemos hoy para entender las dinámicas del mercado de una manera más analítica y menos dependiente del comentario.

Para Portafolia es un gusto presentar el primer reporte de subasta de arte colombiano y latinoamericano moderno y contemporáneo. Esperamos que en el futuro este informe se vuelva un referente que nos ayude a entender mejor el comportamiento y los cambios del mercado del arte local.

 

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El negocio de las ferias de arte

El siguiente artículo de Elena Vozmediano* tiene como fuente de referencia un informe que ofrece, entre muchos otros datos, tres listas: un top 10 de empresas, un top 20 de galerías, y un top 30 de ferias de arte, con indicadores como “reputación”, “número de visitantes” y “puntaje general”.

De acuerdo con el informe anual de Skate’s Market Research, en 2012 (aún no ha publicado el de 2013) ARCOMadrid ocupó el séptimo puesto entre las más importantes ferias internacionales de arte, tras Art Basel, TEFAF, Paris Photo, FIAC, Artissima y Art Basel Miami Beach. Aunque en otros tiempos estuvo más arriba en la tabla podemos estar muy satisfechos con la valoración, considerando la debilidad del mercado interno y la feroz competencia ferial.El elevado número de galerías participantes y de visitantes nos da muchos puntos, poniéndonos por encima de Frieze y Art Cologne, que tienen objetivamente más peso que ARCO en el segmento más alto y más global del mercado. El impacto de la feria sobre la internacionalización de nuestro arte es menor del que cabría esperar pero las perspectivas serían aún peores sin ella.

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En la tabla de Skate’s encontramos tres tipos de promotores. El primero es la multinacional ferial con varios eventos artísticos. La más poderosa es Reed, cuya filial francesa, Reed Expositions, organiza FIAC, Paris Photo y Paris Photo Los Angeles, además de 44 otros eventos comerciales relacionados con 18 industrias. La cultura y el ocio son industrias prioritarias para la empresa, que tiene planes para desarrollar ferias de arte en América y en Asia. Reed alquila cada año, por sumas muy elevadas, el Grand Palais y el Cour Carrée del Louvre. Eso le obliga a reducir el número de galerías participantes y a elevar el precio del metro cuadrado, uno de los más caros. Las tres ferias de la marca Art Basel, en Basilea, Miami y Hong Kong, son gestionadas por el MCH Group, que posee entre otros el recinto ferial de Basilea pero alquila espacios en sus otras sedes, con ventaja en el Miami Beach Convention Center, con el que ha establecido una alianza comercial. Merchandise Mart Properties es otra de las empresas que organizan varias ferias de arte: Art Chicago, The Armory Show, Art Toronto, Volta, Next y Art Platform.MMPI gestiona los muelles del río Hudson donde se celebra The Armory, así que maneja el continente y el contenido. Es el perfecto caso de estudio para entender cómo unas ferias apuntalan otras y cómo se puede comprar -o intentarlo- el prestigio en un paquete que incluye marca, equipo profesional y fidelidad de las galerías.

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Art Cologne es organizada por Koelnmesse GmbH, empresa ferial privada con filiales en muchos países que se limita a esta feria de arte, la más antigua del mundo, fundada en 1967. El segundo tipo de promotor lo encarna en exclusiva, en la parte alta de la tabla, Frieze -London, Masters y New York-: la mediana empresa privada dedicada en exclusiva a eventos artísticos. A través de la Frieze Foundation recibe ayudas públicas para sus programas culturales paralelos pero ha demostrado que este es un negocio más que viable. No difunden resultados pero en 2010 se publicó que el beneficio de la empresa (revista incluida) había sido de 5 millones de libras. Hay que tener en cuenta que Frieze tiene muchos patrocinadores… aunque también muchos gastos. La carpa para su primer año en Nueva York costó 1,5 millones de dólares. El tercer tipo es la institución ferial con participación de administraciones públicas. ARCO no es la única. Artissima, en Turín, es organizada por la Fondazione Torino Musei (municipal), con financiación de la región del Piamonte, a las que se han sumado la Fondazione per l’Arte Moderna e Contemporanea, la Compagnia di San Paolo y la Cámara de Comercio de Turín. El presupuesto de 2,4 millones les ha dado este año, aunque con apuros, para invertir 600.000 euros en adquisiciones para el Castello di Rivoli y la GAM y para pagar One Torino, conjunto de exposiciones en la ciudad. Su sede, el Lingotto, les cobra 750.000 euros de alquiler, y acaban de recibir una oferta para trasladarse al Parco Olimpico por 350.000 euros. Arte Fiera, en Bolonia, organizada por un consorcio público-privado de 19 socios siendo los principales la Cámara de Comercio, la provincia y el ayuntamiento, es la única feria que ha comunicado sus beneficios. En la edición de 2014, con 172 galerías y 47.500 visitantes, ha facturado 2,5 millones de euros, más 300.000 en venta de entradas, lo que supone un margen de ganancias del 30%. Abrirá sucursal en septiembre: Bologna Fiere Shanghai. Estos modelos de organización son rentables. Cuando menos, las ferias de arte contemporáneo cubren gastos, o casi. Podemos estar seguros de que ARCO reporta hoy ganancias a IFEMA. ¿Cuánto? Imposible obtener las cifras pero tenemos algunas pistas. La previsión de gasto este año es de 4,5 millones de euros. Es difícil valorar la evolución del presupuesto, porque unos años se dan cifras y otros no. En 2008, cuando comienza la crisis, era de 7 millones, con 295 galerías (219 en 2014). En 2009 hubo “presupuesto ajustado” y en 2010 se habló de “la mitad” que el año anterior. En 2011 fueron 3 millones y en 2012 y 2013, 4.

Stands, patrocinio y entradas

Los ingresos de todas las ferias proceden en gran parte -60 al 80%- del alquiler de los stands, seguido de los patrocinios y de la venta de entrada. ARCO concreta estos porcentajes: 70% stands, 15% patrocinios y 15% entradas. Una feria se consolida en tres, cuatro o cinco años y durante ese período es habitual que tenga pérdidas. Ya establecida, recibe más solicitudes de las que puede admitir y tiene los ingresos garantizados. Todo lo que debe hacer es cuidar la calidad de las galerías seleccionadas y mantener la afluencia de coleccionistas. ARCO es muy consciente de ello. El precio del metro cuadrado es moderado en comparación con las ferias más importantes y se ha mantenido en los últimos años: 260 euros por m2 (10.400 euros el stand más pequeño, de 40 m2, 39.000 por el más grande, de 150 m2; rebaja del 10% por pronto pago y del 6-8% por fidelidad). Sin número real de metros vendidos, aventuro: serían entre 2,5 y 3,5 millones a cobrar. El precio depende de varios factores, siendo los más importantes la categoría de la feria, la demanda existente y, con gran incidencia, la infraestructura. Una feria que, como ARCO, tiene una sede fija y en propiedad tiene un coste mucho menor que otra que, como Frieze, ha de construir un pabellón en cada edición. ARCO podría, a pesar de la crisis, alquilar muchos más metros cuadrados pero el comité organizador ha querido mantener un nivel de calidad. El importe de los patrocinios es el secreto mejor guardado pero el Informe de Fiscalización de IFEMA en el ejercicio 2011 precisa que ARCO recibió por este concepto 284.424 euros. La cantidad habría subido mucho desde entonces y calculo, basándome en el presupuesto, que llega al menos a los 700.000 euros. El número de visitantes de ARCO baja cada año, pero aún es una fuente de ingresos importante en la segunda feria más popular del mundo, solo por detrás de India Art Fair. El año pasado tuvo 150.000 y este año se aspira, cautelosamente, a superar los 100.000, cuando en sus mejores años tuvo 200.000. Sin embargo, la mayoría de visitantes debe de pasar con invitación pues ARCO afirma que esa partida constituye solo un 15% del total de ingresos (¿unos 700.000 euros?), lo que significaría que pagan la entrada (40 euros; 30 el domingo) no más del 15% de los visitantes. Aún así: IFEMA ha publicado que en 2012 tuvo 2.142.945 de ingresos por visitantes. ARCO aportaría, entonces, casi un tercio de esos ingresos en el conjunto de ferias. ¿Cómo se invierten los 4,5 millones de euros de presupuesto? ARCO informa de que “el 50% se destina a infraestructuras, construcción de stands y mantenimiento del espacio; un 20%, a promoción internacional, programas de invitados y relaciones públicas; un 15% a publicidad, y un 10% a gastos estructurales y personal”. El montaje se sacó a concurso (no publicado) y lo realiza la empresa M6; ARCO no nos ha facilitado el importe. Sí hemos sabido que se dedica nada menos que un millón de euros a invitar a coleccionistas, directores de museos y colecciones, comisarios… Pero es que sin esa inversión, con el mercado nacional hundido, ARCO sería un completo fracaso de ventas y se comprometería mucho su puesto en el ranking ferial. ARCO es una de las ferias estrella para IFEMA, y sus resultados afectan a las cuentas globales. También al turismo en Madrid; su impacto se valora (¿exageradamente?) en 80 millones de euros. Es la tercera feria que más entradas vende, después de FITUR y GIFTRENDS. Su director, Carlos Urroz, dice que gasta lo que ingresa, e incluso ha apuntado que hubo algunas ediciones deficitarias, pero hoy podemos colegir que queda para la institución ferial un margen de beneficio. Quizá de un 20%. El hecho de que su presupuesto haya subido respecto a 2013 lo indicaría así, al igual que la elevación de la cantidad destinada a la adquisición de obras para la Fundación ARCO: en 2010 se presupuestaron 80.000 euros, en 2011 se gastaron 60.554 euros y este año se podrá llegar hasta 140.000.

Los beneficios de IFEMA

Los beneficios de IFEMA han bajado en los últimos años hasta solo un millón de euros en 2012, tras una caída abismal en 2011, cuando pasaron de 45 millones a 1,7, pero hace ya tiempo que cubrió las inversiones (no reparte beneficios) y no necesita ninguna aportación de dinero público. ARCO contribuye en buena medida a que así sea. Los activos (las obras compradas hasta hoy) de la Fundación ARCO, por otra parte, están valorados en 2,6 millones de euros. ¿Cuál es el futuro de ARCO? La competencia ferial está liderada, lo hemos visto, por las gigantes multinacionales, y es global. ¿Puede ARCO pensar en una expansión internacional? Sin franquicias será más débil pero cuenta con su solidez económica. El informe de Skate’s avisa de que, en un momento de saturación del calendario ferial artístico, cada feria deberá demostrar su razón de ser si no quiere convertirse en un evento local y secundario.

 

Elena Vozmediano

 

*publicado el 14 de febrero de 2014 por ElCultural


Museo en tiempos de conflicto: memoria y ciudadanía en Colombia

Este texto realiza una reseña crítica de los programas y proyectos que algunos museos han realizado, en los últimos años, en directa relación con las exigencias de memoria y reparación simbólica que han empezado a consolidarse dentro de diferentes sectores de la sociedad colombiana. Desde una perspectiva histórica que, en principio, los ubica dentro del contexto de la preocupación por la democratización del acceso a los patrimonios culturales, surgida en la década de los 80 dentro de algunos museos bogotanos, también establece algunos elementos críticos para sopesar el papel que estos programas y proyectos podrían tener frente a la discusión sobre una política de la memoria en Colombia.

En consecuencia, después de una breve contextualización con respecto a la relación entre el conflicto armado y la memoria en Colombia, este texto presenta algunas de las experiencias que adelantaron instituciones como el Museo del Siglo XIX y el Museo de Arte de la Universidad Nacional de Colombia, en relación con la construcción de modelos pedagógicos en el ámbito de la enseñanza de la historia y la educación artística, para, al final, reseñar los proyectos museológicos más recientes que otras instituciones han emprendido frente a las dolorosas dinámicas determinadas por el conflicto armado que vive el país, al menos, desde hace 60 años. Aunque problemáticos y más o menos invisibles para el conjunto total de la sociedad, los programas académicos y los proyectos expositivos que el Museo Nacional de Colombia, el Museo de Antioquia y el Sistema de Museos de la Universidad Nacional de Colombia han realizado en la última década, podrían aportar un piso conceptual muy significativo a la hora de delimitar los contenidos y propósitos de la discusión sobre esa política de la memoria que, en el contexto de las luchas por los derechos humanos, es un objetivo común, sobre todo, de los grupos sociales asociados a las víctimas y de un grupo muy significativo de las instituciones de la memoria que operan en el país.

Museo en Tiempos de Conflicto: Memoria y Ciudadanía en Colombia


De Beirut a Bogotá: doce ciudades del arte (según Phaidon Press)

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La casa de publicaciones Phaidon Press establece un nuevo orden de urbes artísticas. Olvídese de Nueva York, Londres y París, siempre en el mismo orden.

Art Cities of the Future: 21st Century Avant-Gardesla reciente publicación de Phaidon, revela las ciudades a observar “to watch” en el ámbito del arte contemporáneo mundial.  Entre las doce ciudades más destacadas se encuentran: Beirut, Bogotá, Cluj, Delhi, Estambul, Johannesburgo, Lagos, São Paulo, San Juan, Seúl, Singapur, y Vancouver.

Art Cities of the Future: 21st Century Avant-Gardes, explora el patrimonio artístico, cultural y el ambiente contemporáneo de estas 12 ciudades. Exactamente 12 curadores se dieron a la tarea de seleccionar artistas representativos de la vanguardia de cada ciudad. Los artistas son en su caso figuras establecidas o emergentes que trabajan en diferentes medios (tradicionales y no tradicionales), pero todos comparten dos cualidades: un compromiso con el arte experimental y una dedicación a su entorno local. En diálogo con las preocupaciones más abarcadoras, los editores seleccionaron a los artistas pues en ellos se apreció una sensibilidad única que no se encuentra en ninguna otra parte. 

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From Beirut to Bogotá: Art Cities to Watch?

By GARETH HARRIS, New York Times, Sept 23 2013

What makes a city a hub for art? Curators, collectors, and dealers have tried for years to predict the cultural capitals of the future — cities that could challenge the dominance of centers like New York, London and Berlin. Now a new book published by Phaidon Press claims that Beirut, Bogotá, and the Romanian city of Cluj are among the 12 global cities to watch for exciting contemporary art.

The editors of “Art Cities of the Future: 21st-Century Avant-Gardes,” published Monday in Britain and the United States, say that the notion of what defines an art capital needs to broaden, as artists lay down roots far beyond the traditional power bases.

An explosion in art fairs, cross-continent museum partnerships and biennials in the late 20th century, along with a migration of art world professionals across both physical and digital terrains, have helped to bring down traditional borders around regional art scenes.

In the book, curators, critics, doctoral students and gallery directors from each of the 12 prospective hubs make a case for their city’s inclusion across 12 discrete sections, outlining the artistic and political history of each metropolis in the past 60 years.

Each expert has picked eight artists or artist collectives to represent the “avant-garde” of a particular city. As the preface explains, “these artists are senior figures, some only known to a few outsiders, or newer faces commencing their careers.”

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Lagos; New Delhi; Istanbul; Johannesburg; San Juan, Puerto Rico; São Paulo; Seoul; Singapore and Vancouver, British Columbia, round out the list. The editors cite a commitment to experimental art and an allegiance to their local milieu. Artists in these cities are supported by a vibrant cultural infrastructure, but it takes different forms; some are underpinned by a vast array of organizations — from non-profits to state-backed institutions, private foundations and artist-led initiatives — as well as by individuals, including influential dealers and curators.

“Art Cities of the Future: 21st Century Avant-Gardes” is part of a robust autumn line-up for Phaidon, indicating that, for now, it is business as usual for the 90-year-old publishing house under its new proprietor Leon Black, who bought the company last October. This latest publication follows in the tradition of previous Phaidon surveys of contemporary art, including “Cream” (1998) and “Creamier” (2010).

But some art world experts are skeptical about the book’s premise. The selected cities are “places which host biennials and where numerous artists have settled, but not centers for museums or the art market,” said Jens Hoffmann, the deputy director of the Jewish Museum in New York, and co-curator of the 2011 Istanbul Biennial.

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“Another analysis could easily place Glasgow, Shanghai, Stockholm or Warsaw on the list,” Mr. Hoffmann continued. “Places like São Paulo, Vancouver, Istanbul or Singapore are what I would call the relative periphery; they are not really on the margins. In the end, these destinations will not replace Paris, London or Berlin but add to the mix.”

The publication does offer compelling insights about each city. In the section on Bogotá, for example, José Roca, who curated the first Poly/Graphic triennial in San Juan in 2004, draws an analogy between the 1960s Tarzan the Terrible comic strips, in which jungle explorers discover a lost civilization, and the city’s art environment. “With no outside intervention, the local scene emerged without the pressures of the market,” Mr. Roca wrote, adding that few international art curators had visited Bogotá until the past decade.

The section on Beirut, meanwhile, highlights a little-known gem: the non-profit Arab Image Foundation, which has amassed more than 500,000 photographs, according to the critic Kaelen Wilson-Goldie. Preserving the photographic heritage of the Middle East, North Africa and the Arab diaspora has been at the core of the foundation since its inception in 1997.

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There are also hubs within the dozen art hubs, such as the Paintbrush Factory, which opened in 2009 in Cluj. This 2,000-square-meter, or 21,500-square-foot, complex of studios, workshops and galleries provides a home for artists. Meanwhile, Kiki Mazzucchelli, who curated the exhibition “Mythologies/Mitologias” at the Museum of Modern Art São Paulo in 2013, highlights how a group of energetic private galleries in São Paulo such as Galeria Luisa Strina and Fortes Vilaça have developed a tradition of presenting experimental art exhibitions.

In some of the chosen cities, there appear to be as many challenges as innovations. In his evaluation of Singapore, Eugene Tan, the director of the city-state’s National Art Gallery, underscores the importance of Singapore’s three art schools, but he also observes how the National Arts Council’s restrictions on performance art from 1993-2003 still “haunts the local scene.”

Duygu Demir, the Istanbul-based specialist, examines stumbling blocks in that city. She writes that even though government arts funding totaled $850 million in 2011, only a small proportion went to contemporary art institutions.

“It is likely that Turkey’s uniquely hybrid nonprofits, supported by industrial families and their corporations, will expand and gain more influence,” writes Ms. Demir, a programmer at Istanbul’s non-profit Salt gallery, which is funded by one such company, Garanti Bank. Meanwhile, the 13th Istanbul biennial, which focuses on themes such as freedom of expression, opened earlier this month against a backdrop of anti-government protests.

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The artist lineup for Istanbul includes Gulsun Karamustafa, an established, politically charged artist known for her fabric collages including Motorcycle, 1986; and Halil Altindere, whose “Presidents” (2010-11) series of photo-realist paintings are a caustic commentary on Turkish prime ministers. Mr. Altindere is editor-in-chief of the art-ist magazine, which was founded in the early 2000s.

In Johannesburg, Tracy Murinik, a local independent curator, underlines the critical forums for works produced by indigenous artists, from the online magazine Artthrob to the Art South Africa quarterly journal.

Mark Read, the director of the century-old modern and contemporary art gallery Everard Read in Johannesburg, said that “on the world’s second largest continent, there will be two art centers: Johannesburg and Lagos.”

But state-run museums in South Africa are struggling as their ability to purchase key works by homegrown artists is limited, he said. “There’s plenty for artists to react to here; we’re all standing on quicksand as the status quo of our country changes daily.”

For now, New York and London can probably breathe easy, but the editors at Phaidon have helped flame the debate about where the art world spotlight might shift in years to come.

 

publicado por el New York Times


Colombia cuenta con destacados curadores dentro y fuera del país

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La escena curatorial colombiana, protagonista del cuarto informe sobre curadores latinoamericanos (ver aquí los de ArgentinaBrasil y México), cuenta con nombres de fuerte presencia internacional como José RocaJuan Andrés GaitánMaría Inés RodríguezInti GuerreroManuela Moscoso y Catalina Lozano así como de otros curadores más locales que llevan años siendo algunas de las voces más autorizadas dentro del panorama artístico colombiano como Álvaro BarriosBeatriz GonzálezJaime CerónJaime Iregui y Lucas Ospina. Además, hemos incluido a otros influyentes y destacados interlocutores colombianos quienes, desde distintos ámbitos también, vienen jugando un importante papel en la escena local e internacional como Celia de Birbragher, critica de arte, coleccionista y editora de la publicación Art Nexus, Catalina Casas, directora de la galería bogoteña Casas Reigner, o María Paz Gaviría, quien, desde hace un año, es la directora de ArtBo, la feria de arte contemporáneo más importante de Colombia. A continuación encontrará, por orden alfabético, la lista de estos 55 curadores relevantes -entre los que es posible que falte algún nombre, que invitamos a identificar a nuestros lectores-, seleccionados por ARTEINFORMADO a partir de la información disponible en nuestra base de datos, de los que podrá encontrar más información pinchando sobre el correspondiente enlace:

Alberto Sierra Maya (Colombia) es curador independiente y crítico de arte, y, actualmente, se desempeña como curador de la Colección de Arte de Suramericana de Seguros y forma parte del Comité Cultural de Banco de la República, de Suramericana de Seguros y del Museo de Arte Moderno de Medellín. Este arquitecto por la UPB ha sido fundador – director de la Galería de La Oficina (Medellín – Colombia), fundador-curador del MAMM y curador del Museo de Antioquia. Ha participado en el montaje y curaduría de proyectos como las bienales de Medellín, el Festival Internacional de arte de Medellín, Historia del retrato en Antioquia, Historia de la acuarela en Antioquia, el Salón Nacional de Artistas, Salones Tulio Rabinovich (MAMM), retrospectiva de Débora Arango, entre otros.

Alejandro Burgos (Bogotá, 1970 – reside en Bogbotá) es curador independiente y es profesor de las maestrías en Artes Plásticas y Visuales y en Museología de la Universidad Nacional de Colombia. Es también Director de proyectos de la Corporación Internacional de Artistas Post-office Cowboys. Burgos ha sido curador del Museo de Arte Contemporáneo de Roma, entre 2005 y 2006; coordinador Académico de la Primera Cátedra Internacional de Museología en la Universidad Nacional de Colombia en el 2007 y curador de la muestra de video arte latinoamericano “Video Traccia: Per farla finita col video”, presentada en la 52ª Bienal de Arte de Venecia en el 2007.

Álvaro Barrios (Cartagena de Indias, 1945) es, desde hace años, el director del Museo de Arte Moderno de Barranquilla – MAMB, y como artista plástico, está considerado una figura esencial dentro de la escena del arte contemporáneo colombiano.

Álvaro Medina (Barranquilla, 1941) es historiador del arte, crítico de arte y curador independiente, y, actualmente, profesor del Instituto de Investigaciones Estéticas de la Universidad Nacional de Colombia. En 1974 y 1975 fue el crítico de arte de la Radio Nacional de Colombia. En 1975 realizó su primera curaduría, invitado por el Museo de Arte de la Universidad Nacional, titulada “Academia y figuración realista”. De 1998 a 2001 fue el curador del Museo de Arte Moderno de Bogotá, donde realizó exposiciones diversas curadorías. Medina es autor de nueve libros, entre los que cabe destacar Procesos del arte en Colombia (1978), El arte colombiano de los años veinte y treinta (1995) y El arte del Caribe colombiano (2000). En 1994 recibió el Premio Nacional de Historia otorgado por Colcultura.

Ana María Lozano (Colombia) es gestora cultural, investigadora y curadora independiente, y, desde enero de 2000, docente en Artes Visuales en la Pontificia Universidad Javeriana (Bogotá). Lozano ha sido también docente de la Universidad Nacional de Colombia, entre 2009 y 2011; curadora de la galería Cu4rto Nivel Arte Contemporáneo, entre 2006 y 2009; consejera de artes plásticas del Instituto distrital de cultura y turismo, entre 2005 y 2006; y catedrática de la Universidad de los Andes, en 2004. Además, estuvo vinculada por varios años al Museo de Arte Moderno de Bogotá, institución de la cual fue curadora por espacio de año y medio.

Ana Piedad Jaramillo (Antioquía) es comunicadora social y curadora independiente, y, desde abril de 2011, es la directora del Museo de Antioquia, en Medellín, Colombia. Esta antioqueña, egresada de la Universidad de Antioquia, sustituye a Lucía González Duque, que renunció a su cargo a finales de 2010, después de seis años de gestión.

Ana Sokoloff (Colombia – reside en Nueva York) es asesora de arte de coleccionistas privados y corporativos, especialista en Arte Contemporáneo Latinoamericano y curadora independiente, y, desde enero de 2005, es socia-fundadora de Sokoloff + associates, la firma de Asesoría de Coleccionismo de Arte especialista en Arte Latinoamericano y contemporáneo, que asesora colecciones privadas como Maraloto. En la actualidad forma parte del consejo asesor de la Americas Society y del consejo asesor internacional del Museum of Latin American Art, MOLAA. Sokoloff ha sido vice-presidenta y responsable del Departamento de Pintura de Arte Latinoamericano en Christie’s.

Andrés García La Rota (Colombia) es artista visual, docente y curador independiente. Garcia La Rota, que desde el 2002 vive y trabaja en Colombia, forma parte de Experimenta Colombia, equipo multidisciplinar y de investigación. Actualmente dirige el Festival Latinoamericano de Artes mediaticas Experimenta Colombia.

Ángela Gómez (Colombia) es curadora independiente, y, actualmente, investigadora de las áreas de fotografía y de vida cotidiana en el siglo XIX de la Curaduría de Arte e Historia del Museo Nacional de Colombia. Esta maestra en Artes Plásticas por la Universidad Nacional de Colombia se ha desempeñado como investigadora de las colecciones del Banco de la República, del Museo Nacional de Colombia y de la Colección Hernando Santos.

Beatriz González (Colombia) es artista, curadora, investigadora y asesora. González, que fue curadora del Museo Nacional de Colombia durante 14 años, sigue jugando un papel importante en el panorama artístico colombiano, siendo una de las voces más autorizadas en diversas entidades relacionadas con el arte, como demuestra su pertenencia al comité de adquisiciones de la colección del Banco de la República.

Carlos Jiménez (Cali, Colombia, 1947 – reside en Madrid) es escritor, crítico de arte y curador independiente, y en la actualidad ejerce como profesor de Estética de la Universidad Europea de Madrid. Estudio arquitectura en la Universidad del Valle donde fué profesor titular de la Cátedra de Teoría e Historia del Arte. Fué Maestro en Teoría e Historia del Arte y la Arquitectura de la Universidad Nacional de Colombia. Es parte del equipo editorial de la revista brumaria y ha colaborado con los diarios El País y El Mundo y con las revistas especializadas Lápiz, Exit y Artecontexto -todas ellas publicaciones españolas- y con ArtNexus, de Miami, y Third Text y Contemporary art de Londres. Es autor de los libros: “Extraños en el paraíso: ojeadas al arte de los ochenta”, “Los rostros de Medusa. Estudios sobre la retórica fotográfica”, “Retratos de memoria”y el poemario “Travesía del ojo”, entre otros.

Carmen María Jaramillo (Manizales, 1958 – reside en Bogotá) es curadora e investigadora independiente, y, en la actualidad, es decana de la Facultad de Artes Plásticas de la Universidad Jorge Tadeo Lozano (Bogotá) y miembro del Comité Curatorial del programa Nuevas propuestas de la Alianza Colombo Francesa de Bogotá. Fue curadora General del Museo de Arte Moderno de Bogotá, y estuvo vinculada a Colcultura como Jefe de la División de Artes Plásticas y directora de la Unidad de Artes y otras Colecciones del Banco de la República. Así mismo, fue Coordinadora del proyecto Archivo digital y publicaciones de arte latino-americano del siglo XX. En el campo de la investigación cuenta con publicaciones y curadurías sobre artistas y problemas de las artes en Colombia en el siglo XX. Estudió Filosofía y realizó cursos de Doctorado en la Universidad Complutense de Madrid. Obtuvo el título de magíster en Historia y Teoría del Arte y la Arquitectura en la Universidad Nacional de Colombia (1998-1999). Ha sido profesora en diferentes universidades de Bogotá (Jorge Tadeo Lozano, Javeriana y ASAB).

Catalina Casas (Colombia) es directora de la galería Casas Reigner, de Bogotá, una de las más prestigiosas y conocidas de Colombia. Casas es hija del ex-ministro de Cultura Alberto Casas.

Catalina Lozano (Bogotá, 1979 – reside en Ciudad de México) es curadora e investigadora independiente y co-fundadora de de_sitio, en México. Está interesada principalmente en la investigación histórica a través del arte y los relatos menores y en la revisión contemporánea de narrativas históricas dominantes. Entre 2008 y 2010 fue responsable del programa de residencias de Gasworks (Londres). Ha estudiado en la Universidad Nacional de Colombia, Goldsmiths College (Londres) y la École des Hautes Études en Sciences Sociales (París). A mediados del próximo mes de septiembre, inaugurará el proyecto curatorial “La Europa que colonizó Europa” en el MARCO – Museo de Arte Contemporáneo de Vigo, una exhibición que se enmarca dentro del premio curatorial organizado por el MARCO y FRAC Lorraine (Francia).

Catalina Ruiz es curadora independiente y se desempeña actualmente como curadora e investigadora de la Curaduría de Arte del Museo Nacional de Colombia. Ruiz ha enfocado su carrera hacia la museología, trabajando en diferentes áreas del Museo Nacional de Colombia desde 2002. Dentro y fuera de este, ha realizado curadurías históricas relacionadas con movimientos sociales e historia del arte en Colombia. Esta historiadora de la Universidad Nacional de Colombia es autora de los libros infantiles: “De cómo el pueblo alzó su voz” y “Me llamo Policarpa Salavarrieta”.

Celia de Birbragher (Colombia – reside en Miami) es critica de arte, coleccionista y directora y editora de Art Nexus, una revista de la que se publican cuatro números al año y que se distribuye por América Latina y en Estados Unidos, principalmente.

Conrado Uribe (Medellín, 1976) es curador independiente. Profesionalmente, en 2012 fue el comisario del componente citySCREEN del festival SCREEN from Barcelona, comisario del Pabellón Artecámara (feriaArtbo 2012) y coordinador del Encuentro Internacional de Galeristas ‘Talking Galleries’ desde la oficina Screen Projects. Entre 2008 y 2011 se desempeñó como Director de Curaduría del Museo de Antioquia, donde fue el comisario de diversas exposiciones como el Encuentro Internacional de Medellín MDE11. Enseñar y aprender. Lugares del conocimiento en el arte (2011). Entre el 2007 y el 2011 dirigió y condujo el programa radial El Citófono, emitido semanalmente por la emisora de la Cámara de Comercio de Medellín. Y en 2009 fue Residente en Apexart, Nueva York.

Cristina Lleras (Colombia) es curadora independiente. Lleras ha sido asistente de curaduría del Museo Nacional de Colombia, entre septiembre de 2000 y enero de 2004, e investigadora en el Museum Of The Americas Foundation, entre septiembre de 1999 y junio de 2000.

Christian Padilla (Colombia -reside en Bogotá) es historiador del arte y curador independiente, y, en la actualidad, profesor invitado a la Maestría en Historia y Teoría del Arte, la Arquitectura y la Ciudad de la Universidad Nacional de Colombia. Máster en Estudios Avanzados en Historia del Arte de la Universidad de Barcelona. Premio Nacional de Ensayo de Historia del Arte Colombiano 2007 con la investigación “El llamado de la tierra: el nacionalismo en la escultura colombiana”. Co-autor del libro “El legado de pizano: testimonios de una colección errante” y autor del estudio titulado “Germán Arrubla: desilusiones” sobre la obra de este artita antioqueño.

Eduardo Serrano (Zapatoca, Santander, 1939) es historiador, antropólogo, museólogo, curador, crítico y gestor de arte colombiano con una reconocida trayectoria, y, en la actualidad se desempeña como Curador Independiente y Asesor de diferentes entidades culturales entre ellas el Museo de Arte Moderno de Bogotá (MAMBO), La Fundación BAT y La Fundación Cayena de la Universidad del Norte. Dentro de su prolífica carrera se destaca su labor como Curador General en el Museo de Arte Moderno de Bogotá (MAMBO) (1974-1994), desde donde gestó y desarrolló varios proyectos que impulsaron el arte emergente de su momento: reestructuró el Salón Nacional de Artistas, fundó el Salón Atenas (1975 – 1984), espacio que significó la apertura a los nuevos lenguajes artísticos de la época; y con el apoyo del museo creó la Bienal de Bogotá (1988). Durante esos veinte años organizó la presentación de aproximadamente 360 exposiciones y escribió los textos introductorios a la mayoría de ellas. Cabe destacar su labor como crítico de arte en las publicaciones de mayor circulación tales como El Espectador, El Tiempo y la revista Semana, además de ser el director y conductor del programa de televisión El Taller del Artista entre 1997 y 1999. Ha publicado veinte libros sobre arte colombiano.

Germán Rubiano Caballero (Girardot – reside Bogotá) es crítico de arte, curador independiente y profesor honorario de la Facultad de Artes de la Universidad Nacional. Fue profesor de las facultades de Ciencias Humanas y de Artes de la Universidad Nacional (1961-1994). Como profesor desempeñó allí los cargos siguientes: director del Museo de Arte (1970-1977), director del Departamento de Historia (1971-1973) y director del Instituto de Investigaciones estéticas (1978-1981). Curador de numerosas exposiciones individuales, colectivas y retrospectivas. Jurado de admisión y calificación de numerosos eventos internacionales. Asesor editorial de la revista ArtNexus / Arte en Colombia y autor de gran número de artículos para periódicos y revistas así como también de más de diez libros. Licenciado en Filosofía y Letras de la Universidad Nacional de Colombia, Bogotá; Estudios de Historia del Arte en el Courtauid Institute de la Universidad de Londres.

Gloria Zea (Bogotá, 1935) es una gestora cultural colombiana. Desde 1969 es la directora del Museo de Arte Moderno de Bogotá (MAMBO), desde 1976 es la directora de la Ópera de Colombia y desde 1988 es la directora del Camarín del Carmen. Además fue directora de Colcultura durante 8 años, poco antes de que la entidad se trasformara en el Ministerio de Cultura y fue Decana de la Facultad de Artes de la Universidad de los Andes. Zea vivió también en Nueva York, donde estuvo involucrada en el MoMA – Museum of Modern Art, formando parte de su consejo internacional. Dentro de sus logros como gestora cultural se cuentan la ampliación y consecución de los terrenos actuales del Museo de Arte Moderno y la construcción del edificio actual del museo diseñado por Rogelio Salmona, así como la restauración del Teatro Colón, el Camarín del Carmen, el Museo Nacional, el Museo de Arte Colonial de Bogotá y la Biblioteca Nacional. Zea fue la primera esposa del pintor Fernando Botero entre 1955 y 1960.

Halim Badawi (Colombia, 1982 – reside en Bogotá) es un investigador y curador independiente interesado en el arte latinoamericano del siglo XX. Dentro de sus intereses se cuentan la historia del coleccionismo y el mercado del arte, los archivos privados de arte moderno y contemporáneo, los procesos de origen y consolidación del arte moderno en América Latina y las prácticas artísticas contemporáneas. Ha sido ganador de la Convocatoria de Proyectos de Curaduría del Museo de Arte Moderno de Bogotá (2012); becario de la Fundación Getty (Estambul, 2012); segundo puesto en el Premio Nacional de Crítica (Ministerio de Cultura / Universidad de Los Andes, 2011); curador residente del Museo Castagnino+MACRO en Rosario (Argentina, 2010); becario de la Fundación Patricia Phelps de Cisneros (CIMAM. México, 2009); integrante de la Red de Conceptualismos del Sur (desde 2008) y del colectivo colombiano Taller Historia Crítica del Arte (desde 2004), con los que ha desarrollado investigaciones sobre los archivos de arte crítico en Colombia (2009), el Taller 4 Rojo (2011-2012) y el capítulo colombiano de la exposición “Perder la forma humana” (2012), las tres para el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid).

Inti Guerrero (Colombia, 1983 – reside en San José, Costa Rica) es curador independiente y crítico de arte en Latinoamérica y Europa, y, desde enero de 2005, ejerce como director artístico de la Fundación Ars TEOR/éTica, de San José (Costa Rica) y actualmente es miembro del comité asesor de Cisneros Fontanals Art Foundation Sus textos han sido publicados en Art Nexus, Ramona, Afterall, metropolis M y Manifesta Journal. En 2009 ganó el III Premio MARCO de Vigo/FRAC Lorraine. Jóvenes Comisarios. Guerrero estudió historia y teoría del arte y arquitectura en la Universidad de Los Andes en Colombia y en la Universidade de Sao Paulo en Brasil, y completó el Programa Curatorial de Appel en Holanda.

Irene Aristizabal (Bogotá, 1981 – reside en Londres) es curadora independiente. Aristizabal ha sido la tercera comisaria en recibir la Beca H + F Curatorial Grant, que conceden el FRAC Nord-Pas de Calais, el De Appel Arts Centre (Amsterdam) y el coleccionista privado Han Nefkens (H + F Collection). Además, entre 2005 y 2006, ha sido coordinadora y co-directora de Bétonsalon, un espacio expositivo sin fines de lucro, en París. En 2009 fue directora de Worlds End Contemporary, una galería temporal en el barrio londinense de Chelsea especializada en fotografía contemporánea.

Ivonne Pini (Colombia – reside en Bogotá) es crítica de arte y curadora independiente, y, actualmente, se desempeña como Profesora Asociada del Departamento de Arte de la Universidad de los Andes y como profesora en el área de Historia en el postgrado de Historia y Teoría del Arte y la Arquitectura en la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de Colombia. Además, es editora de la revista ArtNexus / Arte en Colombia. Pini se graduó del programa de Historia del arte del Instituto “Artigas” de Montevideo, Uruguay. Hizo estudios de maestría en Historia y Teoría del Arte y la Arquitectura, Universidad Nacional de Colombia.

Jaime Cerón (Bogotá, 1967) es docente, investigador, crítico de arte, curador independiente y gestor cultural, que trabaja como asesor de Artes Visuales del Ministerio de Cultura. Desde 1995 ha sido docente de las universidades Jorge Tadeo Lozano, Nacional de Colombia, de los Andes, la Academia Superior de Artes de Bogotá y la Pontifica Universidad Javeriana. En 1997 se vinculo al Instituto Distrital de Cultura, Recreación y Deporte, primero como asesor de artes plásticas, posteriormente como director de la Academia Superior de Artes de Bogotá y luego como gerente de artes plásticas. Además, Cerón ha pertenecido al Consejo Nacional de Artes Plásticas del Instituto Colombiano de Colcultura, y ha sido jurado y curador de importantes eventos expositivos en su país.

Jaime Iregui (Bogotá, 1956) es artista, crítico de arte, curador, y, desde 1999, editor de la publicación Esfera Pública espacio de discusión y reflexión en internet. Ha fundado con otros artistas espacios artísticos independientes de exhibición y discusión como Magma (1985-87), Gaula (1990-91), Tándem (1993-98), Espacio Vacío (1997-2003). Ha participado en varios encuentros internacionales, entre ellos, el 1er Encuentro Internacional de Espacios Independientes en Marsella, Francia, Encuentro Trama en Buenos Aires, y en el 2007 participa como editor de Esfera Pública en Documenta 12 en el proyecto de documenta magazines. Tiene una Maestría en Historia y Teoría del Arte y la Arquitectura (Universidad Nacional). Actualmente es profesor asociado de la Universidad de los Andes. Los intereses principales de la propuesta artística de Jaime Iregui son los problemas espaciales. Durante los últimos años su trabajo ha abordado una concepción ampliada del espacio en las prácticas espaciales relacionadas con los procesos de exhibición y discusión en la esfera pública.

José Roca (Barranquilla, 1962 – vive en Bogotá) es curador independiente, y, desde enero de 2012, conservador adjunto Estrellita B. Brodsky de arte latinoamericano para la Tate Modern de Londres. Además, actualmente es Director artístico de FLORA ars+natura, espacio de creación contemporánea en Bogotá. Cabe destacar que Roca dirigió durante una década el programa de artes del Banco de la República, en Bogotá, estableciéndolo como una de las instituciones artísticas más respetadas en el circuito latinoamericano. Además, ha sido director artístico de Philagrafika 2010: The Graphic Unconscious (2010) -un evento trienal de gráfica contemporánea en Filadelfia-, curador general de la 8ª Bienal de Mercosur de 2011, y co-curador de la I Trienal Poli/gráfica en 2004 en San Juan de Puerto Rico, entre otras curadorías.

Juan Andrés Gaitán (Toronto, 1973 – reside entre México y Berlín) es escritor y comisario independiente. Este canadiense-colombiano fue nombrado en octubre de 2012 comisario de la 8ª Berlin Biennale for Contemporary Art, organizada por el KW Institute for Contemporary Art (Berlín), que tendrá lugar en la primavera de 2014. Desde septiembre de 2011 hasta junio de 2012 ha sido profesor adjunto en el CCA en San Francisco, California, en el programa de práctica curatorial. De 2009 a 2011 fue curador en el Witte de With, en Rotterdam, donde curó varias exposiciones grupales, y entre 2006 y 2008, fue miembro de la Junta directiva de la Western Front Society, y trabajó como curador externo en la Morris y Helen Belkin Art Gallery en Vancouver. Gaitán es miembro del comité de adquisiciones del FRAC Nord Pas-de Calais, en Francia.

Juan Darío Restrepo (Colombia) es curador independiente. Restrepo se desempeñó como uno de los integrantes del Departamento de curaduría del Museo Nacional de Colombia, donde participó en más de quince proyectos curatoriales. Este comunicador social-organizacional por la Universidad de Bucaramanga también trabajó como asistente de dirección del Museo de Arte Moderno de Bucaramanga y como coordinador del Magazín Dominical del periódico Vanguardia Libera.

Juana Berrío Lesmes (Bogotá – reside en Nueva York) es estudiante de postgrado del Center for Curatorial Studies, Bard College de Nueva York, recibió la beca de la Fundación Cisneros/Colección Patricia Phelps de Cisneros para apoyar sus prácticas curatoriales en el New Museum of Contemporary Art (Nueva York), donde continúa. Además, durante la 55ª Bienal de Venecia, que se celebra desde el 1 de junio al 24 de noviembre, se desempeñará como curadora en prácticas y asistente de investigación.

Juliana Restrepo Tirado (Colombia) es curadora independiente. Entre 2008 y septiembre de 2012, fue directora del Museo de Arte Moderno de Medellín – MAMM. Esta publicista y filósofa, antes de ocupar dicho puesto, estuvo dedicada, durante diez años, al mundo de las comunicaciones, la tecnología móvil e internet, pasando por experiencias en compañías como Crearium Web, Starmedia Network, Cyclelogic Mobile Solutions y la Casa Editorial El Tiempo, donde se desempeñó como productora de eltiempo.com.

Lucas Ospina (Colombia, 1971 – reside en Bogotá) es artista, crítico de arte, curador independiente, y en la actualidad, director del Departamento de Arte de la Universidad de los Andes. Ospina es un intelucutor destacado dentro de la escena artística colombiana por su trabajo de crítica y análisis en medios como Esfera Pública, Arcadia y la Silla Vacía (en donde cuenta con un blog) y por su trabajo en la galería Las Edades y su producción artística.

Lucía González Duque (Colombia) es curadora independiente y gestora y promotora cultural y social. Esta arquitecta de formación fue directora del Museo de Antioquia, hasta noviembre de 2010, cuando presentó su renuncia tras cinco años y ocho meses en ese puesto. Como directora de ese museo lideró su democratización y modernización administrativa y financiera, de la misma manera que incentivó la comunicación del museo con artistas, curadores y proyectos nacionales e internacionales. Debido a ello el Ministerio de Cultura de Colombia reconoció al museo como Entidad Cultural de Excelencia en 2007.

Manuela Moscoso (Bogotá, 1978 – reside entre Río de Janeiro, Brasil y Nueva York) es curadora independiente e investigadora, y desde principios de 2012, co-dirige, junto al chileno Amilcar Packer, la residencia de artistas Capacete Entretenimentos, de Río de Janeiro y Sao Paulo. Desde 2001, Moscoso ha venido organizando exposiciones y entre sus últimos proyectos comisariados destacan las exposición colectiva “Antes que todo”, co-comisariada con Aimar Arriola en el CA2M (2010, Madrid). Desde finales del 2010, esta colombiana de ascendencia ecuatoriana, ha puesto en marcha, junto a la comisaria Sarah Demeuse, la oficina curatorial Rivet (Nueva York). Es Master en Curatorial Studies por el Bard College (Nueva York) y licenciada en Bellas Artes por la Central Saint Martins School of Art and Design (Londres).

Marcela Quijano (Bogotá – reside en Alemania desde 1972). Desde 1993 se desempeña como curadora del Ulmer Museum y directora del Archivo de la HfG (Escuela Superior de Diseño de Ulm). Esta diseñadora industrial ha sido co-autora de diversas exposiciones y publicaciones sobre la histórica Escuela de Ulm y profesora de Historia del Diseño, Historia del Arte y Diseño básico. Actualmente trabaja en el College de Diseño Gráfico de la FS-Schule en Ulm.

María Belén Sáez de Ibarra (Colombia – reside en Bogotá) es abogada, crítica de arte y curadora independiente, y desde 2007, dirige la Dirección Nacional de Divulgación Cultural de la Universidad Nacional de Colombia a cargo de la programación y gestión de escenarios como el Auditorio León de Greiff. Además, es, desde 2010, directora del Museo de Arte de la Universidad Nacional de Colombia. También es miembro del Comité de artes del Banco de la República de Colombia. Sáenz ha sido asesora del Viceministerio de Cultura y la Dirección de Patrimonio y Directora por varios años de la Oficina de Artes Visuales del Ministerio de Cultura. Participó en procesos curatoriales de la Bienal de Sao Paulo y La Habana; ha organizado y curado varias exposiciones nacionales e internacionales en Bogotá y en sus regiones. Tiene especial interés en los proyectos que involucran sonido y tecnologías electrónicas y films en instalaciones espaciales.

María Inés Rodríguez (Colombia, 1968), en la actualidad es curadora independiente. Ha sido desde agosto de 2011 hasta marzo de 2013, conservadora jefe del MUAC – Museo Universitario de Arte Contemporáneo de México D.F. Antes, entre noviembre-09 y junio-11, fue conservadora jefe del MUSAC, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León y miembro del Comité Asesor del museo. Durante 2008-2009, ha sido Comisaria de la Programación Satellite del Jeu de Paume, París. También ha sido Editora de la publicación de arte francesa Point d’Ironie en París, fundada en 1997 por agnès b., Christian Boltanski y Hans-Ulrich Obrist. Desde 2008, es Comisaria de la Colección Berezdivin -Espacio1414- en San Juan, Puerto Rico. Desde 2006, también forma parte del Comité Curatorial Artist Pension Trust de Latino-América y también es miembro de CIMAM, el órgano internacional más importante dedicado exclusivamente a los Museos y Colecciones de Arte Moderno.

Maria Iovino (Colombia) es investigadora, crítica de arte y curadora independiente de arte contemporáneo enfocada en el campo de la creación joven de América Latina. Ha sido profesora de Historia del Arte en diversas Universidades, ha estado a cargo de la dirección de programas académicos en la Universidades de los Andes (Colombia) y Pontificia Javeriana (Colombia), así como en el Museo de Arte Moderno de Bogotá. Ha sido coordinadora por Colombia del proyecto Recovering sources of modern latin american art coordinado en Houston por Maricarmen Ramírez y responsable de varias investigaciones y curadurías sobre arte contemporáneo colombiano y latinoamericano publicadas y apoyadas por la Cámara de Comercio de Bogotá entre 2005 y 2010. Entre otros premios y reconocimientos en 2006 recibió en Buenos Aires el Premio al crítico latinoamericano que otorga la Asociación de Críticos de Arte. Iovino es miembro del Comité Asesor de la Cisneros Fontanals Art Foundation.

María Mercedes Herrera Buitrago (Colombia – reside en Bogotá) es investigadora sobre Arte Conceptual en Colombia y su relación con el conjunto latinoamericano, y, desde junio de 2013, nueva jefe de la Curaduría de Arte del Museo Nacional de Colombia. Es maestra en Artes Plásticas de la Universidad Nacional de Colombia e historiadora de la Pontificia Universidad Javeriana, donde también cursó la maestría en Historia. Ganó la Beca de Investigación en Artes Visuales del Ministerio de Cultura (2011) con el trabajo Momentum: Gustavo Sorzano y el arte conceptual en Colombia, y obtuvo el X Premio de Ensayo Histórico, Teórico o Crítico sobre el Campo del Arte Colombiano (2012), otorgado por Idartes, con la investigación Gustavo Sorzano: pionero del arte conceptual en Colombia. Ha publicado varios artículos en revistas académicas y tiene a su haber dos libros: Emergencia del arte conceptual en Colombia. 1968-1982 (2011) y Gustavo Sorzano: pionero del arte conceptual en Colombia (2013).

María Paz Gaviría (Colombia) es desde hace un año la directora de ArtBo. Gaviría es hija de César Gaviría, presidente de Colombia entre 1990-1994, co-propietario de la Galería Nueveochenta, de Botogá, la cual tiene como clientes a algunos de los personajes más poderosos del ámbito nacional. Además, César Gaviria preside la Junta Directiva del Museo de Arte Moderno de Cartagena y es uno de los más grandes coleccionistas de arte contemporáneo de Colombia desde los años 90.

María Victoria De Angulo (Colombia) es directora del Museo Nacional de Colombia. Antes se desempeñó también como subdirectora de este Museo Nacional y como subdirectora del Museo de Arte Moderno de Bogotá. Además, trabajó en Colcultura, entidad dependiente del Ministerio de Cultura de la República de Colombia.

María Wills Londoño (Bogotá, Colombia 1979) es investigadora y curadora especializada en arte contemporáneo con marcado interés en la evolución del médio fotográfico a través del siglo XX. Actualmente, es curadora adjunta del Museo de Arte del Banco de la República (MABR) en Bogotá, donde se encarga de la coordinación de las exposiciones temporales en la Unidad de Arte y otras Colecciones. Simultáneamente investiga la colección de arte del Banco, una de las más importantes de Sudamérica y que actualmente se encuentra en un proyecto de reconceptualización y montaje. Sus escritos más destacados son sobre Fernell Franco en la publicación en proceso editada por el Center Rockefeller for Latin American Studies of Harvard University, así como publicaciones editadas por Photoespaña, R&M (lugares de tránsito). Entre sus últimos comisariados está la exposición “Urbes mutantes: Latinoamérica en proceso” junto al experto en fotografía latinoamericana Alexis Fabry, en el MABR, clausurada a finales del pasado mes de mayo.

Mario Opazo (Tomé, Chile, 1969 – reside en Bogotá) es artista y curador independiente. Este chileno, que se exilió a Colombia tras la subida al poder de Augusto Pinochet, ha sido profesor durante alrededor de 15 años del programa de artes de la Universidad Jorge Tadeo Lozano de Bogotá. Opazo ha curado distintas exposiciones, siendo una de sus últimas la muestra “Catalejo”, realizada en el Museo de Artes Visuales, de la anterior universidad, en el 2011.

Marta Rodríguez (Colombia) es docente, investigadora y curadora independiente. Ha sido curadora de varias exposiciones en el Museo de Arte de la Universidad Nacional de 1989 a 2005. De 1987 a 2011, ha sido docente de la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de Colombia. Es colaboradora permanente de la Revista Arte en Colombia y Art Nexus desde 1986. Asimismo, ha colaborado en varias publicaciones universitarias como la revista Ensayos del Instituto de Investigaciones Estéticas. Es licenciada en Bellas Artes por la Universidad de los Andes y en Teoría e Historia de la arquitectura y el arte por la Universidad Nacional de Colombia.

Melissa Aguilar (Colombia – reside en Medellín) es coordinadora de curaduría del Museo de Arte Moderno de Medellín.

Monica Espinel (Bogotá, 1979 – reside en São Paulo) es crítica de arte y curadora independiente. Ha comisariado distintos proyectos. Entre los últimos estarían “Memory Leaks” (Creon, 2010), “Taking AIM” (co-curadora, Bronx Museum of the Arts, 2011) y “Photographic Treasures from the Collection of Alfred Stieglitz” (curadora asistente, Metropolitan Museum of Art, 2011). Ha obtenido la beca ArtTable Mentorship (2009) y la Milton & Sally Avery Arts Foundation Curatorial Fellowship (2010) para realizar prácticas curatoriales en el Wave Hill y el Bronx Museum of the Arts, respectivamente. Además, ganó, en 2011, el Roswell L. Gilpatric Award para trabajar en el departamento de Fotografía del Metropolitan Museum of Art de Nueva York.

Natalia Gutiérrez (Colombia) es curadora independiente y, actualmente, se desempeña como profesora de la Universidad Nacional en Bogotá. Colaboradora de Revista Arte en Colombia desde 1986 y Curadora del 40º Salón Nacional de Artistas Bogotá 2005-2006 con la exposición ‘Un lugar en el mundo’ (2005). Ganadora de las siguientes becas: Beca para la investigación monográfica sobre artistas colombianos, Ministerio de Cultura 2012, con el proyecto Mario Opazo; Beca de investigación en patrimonio cultural IDPC 2010, categoría: Trayectoria en Investigación, con el proyecto ‘El álbum familiar como rescate del patrimonio arquitectónico: La casa del arquitecto Jorge Gaitán Cortés en Bogotá’; Beca de Investigación curatorial para el Salón Nacional Zona centro 2005, con la exposición ‘Un lugar en el mundo’; Beca de investigación en teoría del arte del Ministerio de Cultura en el año 2006 con el proyecto ‘Ciudad espejo’. Entre sus últimos libros publicados está ‘Un atlas, la obra de Rosario López’ (Universidad Nacional, Bogotá, 2012).

Nicolás Gómez Echeverri (Bogotá, 1984) ejerce como artista, curador e historiador de arte. Es docente de la Universidad de los Andes y de la Universidad de la Sabana (Bogotá). Tanto en su obra artística como en su trabajo de investigación aborda la historia de la crítica de arte y su relación con los medios masivos de comunicación, la apropiación de las vanguardias internacionales por parte de artistas latinoamericanos, el desarrollo y la vigencia del arte abstracto y las referencias al paisaje rural y urbano en el arte moderno y contemporáneo. Miembro de En un lugar de la plástica. Licenciado del programa de Arte de la Universidad de los Andes (Bogotá, 2008) y la Maestría en Investigación en Historia del Arte de Goldsmiths University (Londres, 2010).

Óscar Muñoz (Popayán, 1951 – reside en Cali) es artista y productor cultural. Actualmente dirige Lugar a Dudas en Cali, un espacio independiente sin ánimo de lucro que promueve y difunde la creación artística contemporánea a través de un proceso articulado de investigación, producción y confrontación abierta. Lugar a Dudas no solo se propone como un lugar para residencias artísticas o para apoyar proyectos, sino que cuenta con un centro de documentación y genera varias de las actividades que han enriquecido el panorama cultural en Cali.

Óscar Roldán-Alzate (Colombia – reside en Medellín) es curador independiente, y desde el año 2002 comenzó a desarrollar investigaciones de corte cultural y curatorial. En el año 2007 se vinculo al Museo de Arte Moderno de Medellín como curador. Tambien es co-curador del 43º Salón Nacional de Artistas y actualmente participa de procesos académicos con la Universidad de Antioquia en las áreas de coordinación de los trabajos de grado e investigación, y es asesor de distintos organismos culturales y educativos de Colombia. Además, Roldán-Alzate es maestro en artes plásticas y Politólogo de la universidad de Antioquia. Como artista independiente ha realizado múltiples exposiciones individuales y colectivas a nivel nacional e internacional, donde ha obtenido significativos reconocimientos. Además, ha liderado proyectos culturales de carácter colectivo.

Ricardo Arcos-Palma (Colombia, 1968). es teórico, curador y crítico de arte. Colaborador permanente de ArtNexus (Colombia), Escaner Cultural (Chile) e Inter, Art, Actuel (Canadá). Docente investigador asociado en dedicación exclusiva de la Universidad Nacional de Colombia. Su más reciente curaduría fue ORLAN hibridaciones y refiguraciones para el Museo de Arte Moderno de Bogotá y el Museo de Antioquia en Medellín. Fue director del Museo de Arte de la Universidad Nacional (2008-2010) y ha escrito varios ensayos y coautor de varios libros en Francia y Québec. En este momento lidera el proyecto AP-ARTE: Art Experience. Sus intereses se centran en el estudio del performance, así como la relación arte y política. PhD de Artes y Ciencias del Arte de la Sorbona.

Santiago Rueda Fajardo (Bogotá, 1972) es artista, crítico, investigador en arte colombiano contemporáneo y curador independiente. En 2011 fue el curador encargado de la selección de trabajos para el pabellón Arte Cámara, espacio de arte joven de la feria bogoteña ArtBo. Ha sido co-curador del programa Jóvenes talentos de la Alianza Francesa Bogotá, y recientemente de la exposicion “Alli, alla. Desde Argentina, (Plataforma Bogota, 2011)”. Conductor del programa de tv-on line Optica Arte Actual (2009-2011), recibió el Premio de ensayo sobre arte colombiano (2004) y el Premio Nacional de Critica (Colombia, 2006).

Sylvia Suarez (Bogota, 1981) es curadora e investigadora independiente. Es miembro del grupo de investigacion Taller Historia Critica del Arte y colabora con la Red Conceptualismos del Sur. Ha realizado diversos proyectos curatoriales sobre arte colombiano moderno y contemporaneo. Maestra en Artes Plasticas con enfasis en Historia y Teoria del Arte (Universidad Nacional de Colombia) y Magister en Historia y Teoria del Arte, la Arquitectura y la Ciudad (Universidad Nacional de Colombia).

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