Pensar la Escena

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A diferencia del año pasado, en el que tuvimos exposiciones como el Salón Nacional y el Premio Luis Caballero, la atención del campo del arte y los medios de comunicación se centró este año en las ferias de arte y algunas exposiciones que se organizaron paralelamente en lo que ya se conoce como Mes del Arte.

Sin embargo, una vez se cierran las ferias es muy poco lo que se escribe a modo de balance sobre esta red de eventos. Es cierto, son muchos y obviamente es imposible ver todo. Aún así, cada cual hace su recorrido y elabora su propio panorama, así como una serie de obras o situaciones que le parecen relevantes.

Como cierre de actividades* en 2014, publicamos una serie de conversaciones con el ánimo de reflexionar sobre estos eventos y su incidencia en el medio artístico y cultural.

Las primeras tres conversaciones -con Guillermo Vanegas, Juan Mejía y Juan Peláez– se concentran en las muestras del Mes del Arte y, más que hacer una lista de obras y personalidades, revisan dinámicas mediáticas, dan cuenta de aspectos que consideraron relevantes en lo curatorial, el espacio dedicado a publicaciones, la feria como espacio expositivo, su papel para captar nuevos públicos y la forma como estos circulan por estos eventos, así como la ausencia de proyectos artisticos e institucionales que sirvan de contrapeso a las lógicas del mercado y su discurso mediático.

Las conversaciones con Lucas Ospina, Paulo Licona y Santiago Pinyol giran en torno a cómo percibieron la escena del arte a lo largo de 2014 y señalan aspectos como la normalización de las prácticas artísticas por parte del mercado y la academia, la preguntas por las obras detrás del llamado boom del arte, la forma como los espacios independientes participan del mercado y cómo son incluidos en curadurías oficiales como indicador de lo que sucede fuera del mundo del mercado.

Iniciamos con Guillermo Vanegas, quien reflexiona en torno a los eventos en general, su divulgación en los medios, las propuestas curatoriales y su incidencia en el campo de las prácticas artísticas e institucionales.

En esta segunda entrega en torno a los eventos y exposiciones del llamado Mes del Arte, hablamos con Juan Mejía sobre curadurías como Arte Cámara, Referentes y Proyectos, así como sobre la exposición “El diablo, probablemente” y la feria del Espacio Odeón.

Conversación con Juan Pelaez (MIAMI) en torno al papel que juegan los llamados “espacios independientes” en ArteCámara y otras ferias de arte fuera del país. ¿Qué representan este tipo de espacios para las ferias de arte? ¿porqué no pueden comercializar sus propuestas en espacios como ArteCámara?

Lucas Ospina se pregunta: ¿Cuales son las obras relevantes detrás del llamado boom del arte colombiano? ¿Hay más visibilidad para los coleccionistas que para los artistas? ¿Se está normalizando el medio artístico? ¿Ha perdido espontaneidad y capacidad de experimentación? ¿Qué artistas e instituciones toman riesgos y son impredecibles?

Alejandro Martín y Santiago Pinyol respondieron a los cuestionamientos de Lucas Ospina. Para leer, pulse aquí

“Hay una situación de muy poca rebeldía. Es chevere que todo el mundo trabaje, haga cosas agradables y trate de estar en un lugar tranquilo, confortable. Lo que veo es que no hay mucho lugar de acción, entre tanto pulular de cosas. Y sí, en el fondo hay tanto, que no hay nada” dice Paulo Licona sobre las situaciones y dinámicas del medio del arte local en 2014.

Conversación con Santiago Pinyol en torno a la participación de La Agencia en ArteCámara, la forma como serán presentados y re-presentados los espacios independientes en ArcoColombia2015, así como su supuesto valor para “indicar lo que sucede fuera del mercado del arte”.

***

*esferapública hace una pausa de fin de año a partir del primero de diciembre (no se publicarán más textos, pero continúan abiertas las secciones de comentarios), tiempo en el que haremos mantenimiento a la plataforma, reorganizaremos los archivos y pensaremos en nuevas propuestas para celebrar en 2015 los quince años de este espacio de discusión.

 


El fin de la clase media en el arte

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Dave Hickey, estadounidense, escritor de cuentos cortos, ensayista, marchante atípico, profesor por defecto y crítico tempestuoso, anunció hace un par de años una suerte de retiro de toda actividad pública relacionada con el mundo del arte. En una entrevista le preguntaron por sus experiencias de más de medio siglo por universidades, galerías, ferias, bienales y museos, y cuando le pidieron que describiera el mayor cambio que había presenciado, Hickey respondió: “El cambio principal, del que la gente no se ha dado cuenta, es que ya no hay una clase media —hay una clase de cortesanos, que seríamos usted y yo—. Somos meseros intelectuales para gente inmensamente rica. En consecuencia, comparado con los ingresos de los coleccionistas actuales, el arte es más barato que nunca: una compra que significaría mucho para una pareja de medianos ingresos es nada para esta gente. Los coleccionistas no entienden la geometría de la elevación de precios en el arte, espacialmente del arte histórico. Ellos lo reinvierten todo muy pronto, lo que daña el mercado y no les importa. Siempre quise vender arte de tal manera que el coleccionista se lo llevara y dijera, “¡Por US$40.000!— ¡Y basta con mirarlo!” Siempre tuve la esperanza de que podía haber alguna transubstanciación del valor del dinero al valor del arte.”

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El cantante David Byrne, de la banda Talking Heads, se preguntaba en un artículo reciente: “¿Ya no me interesa más el arte contemporáneo?”, y se respondía en la misma línea de Hickey: “No es noticia que el mundo del arte está al servicio del 1% más millonario […] El desmembramiento en curso de la clase media ha afectado mi modo de ver. Esto significa que nadie, excepto los muy ricos, son el público objetivo para ver el arte en las tiendas de las galerías: cualquier otro que piense que este arte estaba a su alcance debe resignarse a desaparecer del espectro económico […] Esto no necesariamente es una crítica a los artistas —es más sobre cómo mi percepción ha cambiado.”

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Hickey y Byrne cantan desde el primer mundo una opereta a la desesperanza que acá, en Colombia, dados los alcances del mercado, apenas llega al nivel de tuna folclórica. En los extremos del espectro criollo podríamos tener dos hits económicos que, mal leídos, son síntomas de triunfo: el primero, la compra reciente por más de $1200 millones de pesos que hizo el único coleccionista pudiente del país a la artista mejor posicionada en el escalafón de la inteligencia mundial: la “compra de tres unidades del obra plegaria muda” por “US$686.560.400”, como reza en el informe de contratación de 2013, que hizo el Banco de la República a la Galería Alexander and Bonnin que representa a nuestra Doris Salcedo en Nueva York. El segundo ejemplo podría ser la Feria del Millón, una feria paralela a la Feria de Arte de Bogotá, donde lo que importa es el precio: cada pieza expuesta “vale un millón de pesos (o menos)”. En la versión del 2013, expuso 42 artistas escogidos entre 365 solicitudes y se vendieron el 92% de las obras exhibidas.

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En la mitad de ambos ejemplos está la inopia: unos cuantos coleccionistas —dicen que son más o menos 25 en el país— que de vez en cuando compran arte. Y lo compran dominados por un sexto sentido, por un fervor errático y caprichoso que, más temprano que tarde, termina convertido en un juego inaprensible y volátil. El mundo del arte es un espejismo para inversionistas, es una isla, es el único espacio de la tierra donde el dinero no sabe lo que compra y la incertidumbre misma sobre el valor de lo real se convierte en experiencia.

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Mientras tanto para una masa ingente, y cada vez mayor de artistas, de los más de 500 que salen egresados año a año de la universidad, el modelo de negocios del arte —por más industrias culturales que le metan— no funciona. A los artistas cachorros nadie parece haberles dicho que el arte no es una profesión, que aparte de las becas estatales y de una que otra migaja filantrópica, lo mejor es que se inventen una forma de automecenazgo que los haga menos vulnerables a las fluctuaciones sociales de un sistema económico aleatorio. El arte solo es negocio para el que niega el ocio, el artista proclama el ocio, el negociante, en cambio, todo lo convierte en trabajo y, por ende, en dinero.

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Pero el arte no es de ricos o de pobres, es algo que anda por ahí, es de todos y es de nadie, es un espacio desclasado para los que se atreven a hacerle el quite a la bancarrota vital, que es lo que a final de cuentas marca el auge o el declive real de toda vida y toda escena.

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(Publicado en Revista Arcadia #108)

 


Manifiesto: Curaduría Independiente para un Arte Independiente, José Roca

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(Transcripción realizada por Claudia Díaz, de una intervención de José Roca para la revista Arcadia, “El papel del arte independiente en Bogotá”, el 17 de octubre de 20142, 2´49”)

Introducción

Si el arte contemporáneo es un poder, buscará desplegarse y expandirse de manera absoluta. Invadirá por completo la escena del arte libre. Se sumará a las demás tecnologías de la invasión social. Se hará totalitario. No arte libre. No arte. En tanto su existencia es solo una aceptación de quien la vigila y la agencia. El curador. Entonces lo contemporáneo del arte desaparecerá como opción y se planteará como lo definitivo; arte inmediato, arte político. Será el curso que el arte libre como no arte está llamado a seguir. A ese arte lo llamamos arte independiente porque ha neutralizado de si su verdad y su libertad.

Manifiesto: Curaduría independiente para un arte independiente

  1. El arte es siempre una instancia (digamos como) para abrir la mirada.
  2. Una persona (que está) que se familiarice con los diferentes lenguajes del arte es una persona más propensa a ser tolerante con la diferencia de todo tipo, racial, sexual, de clase. Es una persona que probablemente sea más proclive a establecer vínculos con personas que no son de su entorno inmediato (o sea ese político, familiar, social, etc.)
  3. (Porque) El arte realmente es un ejercicio de apertura de miradas.
  4. (yo pienso que) El éxito que puede tener cualquier proyecto está en (realmente) tratar de trabajar con los artistas. Estar (como) al servicio de los artistas y utilizar lo que uno tenga, el poder que uno tenga, para poder hacer las cosas posibles para ellos.
  5. (Por otro lado) La curaduría independiente o la independencia tiene una mayor libertad pero tiene mucha dificultad de tener continuidad porque justamente no hay financiación (toca estar corriendo donde están los proyectos y) La figura del curador independiente es básicamente una persona que está tratando de conseguir proyectos donde se los den.
  6. Nosotros hacemos otras cosas que de pronto una institución no puede(n) hacer porque tiene(n) una estructura mucho más pesada. Nosotros somos más livianos, podemos decidir cosas más rápidamente, podemos cambiar. Es como un bote chiquito y un transatlántico. (Yo pienso que)
  7. Cuando uno trabaja en un sitio tiene que entender el sitio. Tiene que entender qué le falta, qué le puede servir y hacer sus proyectos para (que digamos) que se adecúen a las necesidades de donde uno trabaja.
  8. (Yo pienso que) La única forma de ser internacional es ser profundamente local, el trabajo de Doris Salcedo. Ella está hablando a partir de un hecho específico en Colombia. Ella se aleja y crea una obra que tiene ya su vida propia. Tratando de alejarse del hecho para no volverlo a poner en evidencia sino tal vez crear a partir de él (y esas obras son muy potentes) (y son). Es posible leerlas en otros contextos porque también hay injusticias, memorias de duelo y circunstancias de violencia.
  9. En otras partes del mundo la gente se puede relacionar con esas obras sin necesidad de conocer específicamente cuál fue la razón que los motivó.

Conclusión

El arte libre se retira. Son los tiempos de la independencia en los que desaparece el colectivo y una pseudoindividualidad regresa. La del artista independiente al que el curador dice servir y asistir.

Claudia Díaz, 5 de noviembre de 2014

Enlaces

http://chipcheapness.blogspot.com/2006/11/manifiesto-avant-pop-traduccin.html

http://chipcheapness.blogspot.com/2010/09/manifiesto-para-un-arte-libre.html

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(imágenes, Rodrigo Fernández Bahamón)


Crítica en Directo # 29: El Mes del Arte Contemporáneo (1)

El llamado “Mes del Arte” viene con una oferta grande y heterogénea en términos de ferias y exposiciones. Hay muchas cosas para ver y recorrer en el mes de octubre en Bogotá.

Sin embargo, una vez se cierran las ferias es muy poco lo que se escribe a modo de balance sobre esta red de eventos. Es cierto, son muchos y obviamente es imposible ver todo. Aún así, cada cual hace su recorrido y elabora su propio panorama, así como una serie de obras o situaciones que le parecen relevantes.

En este orden de ideas esferapública estará publicando en el curso de esta semana una serie de entrevistas con críticos, artistas y curadores en torno a este tema.

Iniciamos con Guillermo Vanegas, quien reflexiona en torno a los eventos en general, su divulgación en los medios, las propuestas curatoriales y su incidencia en el campo de las prácticas artísticas e institucionales.

(Para escuchar la conversación, pulse el botón rojo en la parte superior de la imagen)

Crítica en Directo # 30: El Mes del Arte (2) 


Ferias de Arte. La Transescena del Arte

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Introducción

La Feria de Arte se consolida como el escenario sintético del Arte en que confluyen arte y mercado, en que es imposible deslindar lo específico del arte, en que el observador se acerca al coleccionismo y el artista abandona definitivamente su ingenuidad. Se opera la mutación del espacio y del tiempo en esa transescena que cobra su propio significado como tiempo espacio divergente del tiempo y el espacio ordinario. Así transpuestos, el tiempo y el lugar originan esta nueva situación en que la mixtura hace realidad tal intercorporeidad. Así coexisten Arte y Mercado, público y coleccionismo, curador y art-dealer. Arte y espectáculo. El arte es entonces una política de su propio acontecer y tiene lugar como el estatuto de nuestra contemporaneidad.

Día 1. ArtBo

Estoy sentada en el café Illy. Un hombre mayor acompañado por un joven pide poder compartir la mesa conmigo. Lo reconozco. Para él en cambio yo soy una extraña. Y empiezan su conversación. En realidad se trata de una primera aproximación informal. El hombre mayor escribe en unos papelitos amarillentos. Son pequeños y en cada uno caben apenas unas notas. Escribe con meticulosidad mientras va dibujando cada letra. Repite para si la nota que escribe. El joven parece dictarle. Reconozco al hombre mayor. Es un crítico de vieja data. Interroga al joven minuciosamente. El joven es un artista. Cabello rubio ensortijado, ojos azules. El joven va equipado para la ocasión. Saca un catálogo y va describiendo al crítico cada una de sus obras. Presumo que son obras de ingenio por los comentarios del crítico. Como estoy a corta distancia puedo observar cada uno de sus gestos y puedo apreciar la aproximación. Cada tanto, el crítico le dice al joven que es muy inteligente. El joven impávido prosigue con la exhibición de su talento. Puedo suponer que sus obras son una especie de gadgets, de objetos de ingenio. Parece que la entrevista está motivada por una exhibición a futuro en una galería por montar. El crítico ha sido encargado para aproximarse a los artistas que conformarán la primera muestra. Y esta parece ser una primera aproximación para un texto futuro que el crítico está por escribir. El crítico dibuja meticulosamente las apreciaciones que el artista va haciendo de su obra. En determinado momento comienza el dictado de lo que el joven artista llama sus “categorías”: “objetos intervenidos”, “ensamblajes”…Me sorprendo con la decidida aplicación del crítico, con su postrarse ante el artista. Llevo una hora escuchando esta conversación. El joven sigue imperturbable ante la adulación desmedida. De tanto en tanto el crítico pregunta por los precios. Las tarjeticas de papel periódico que lleva escritas se van acumulando. -“Eres muy inteligente”, “Te felicito”- Es tal vez la cuarta vez que escucho esta frase. Los dejo a solas en la mesa y me levanto. Así es como se escribe la crítica. No acierto a dar con el nombre del artista. No importa. Es uno más de los cientos de artistas que replican el modelo. ¿Y el crítico? Es un pez mayor. Sobreviviente a los viejos y a los nuevos tiempos. Un verdadero mutante.

Día 1. Artbo

En las fotografías de prensa ella aparece como una mujer altísima. Más femenina y joven, más glamorosa.

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Día 3. Sincronía

Las Carpas. La escala del edificio de feria ha sido notablemente reducida de suerte que el observador visitante carece de toda perspectiva y la relación con las obras se hace promiscua. Ninguna notoriedad, ningún efecto estético.

La obra escueta y mísera está en la cercanía de una presencia que la incorpora sin ningún obstáculo. Mirar se transforma en deglutir literalmente la obra. El suceso estético se ha hecho mísero. Pornomiseria. La art-dealer ha envejecido notablemente. Los nóveles artistas de ayer arrastran ahora el peso del tiempo. La caducidad. La decrepitud. Los visitantes aprovechan la entrada gratuita de esta tercera feria. En su mayoría son mujeres mayores, quizá pensionadas, habitués de este tipo de espectáculos pseudoculturales. En el centro de la escena El Director. El crítico de toda esta farsa. Hay un estand donde se muestra él mismo como objeto de exhibición. (Es el hombre mayor del otro día, el que entrevistaba al joven artista en el café ILly, el viernes en Artbo) Detrás suyo una cita de Andy Warhol que intentaría darle notoriedad a todo esto. En una pequeña vitrina sobre un pedestal un muñequito a escala que lo representa. A pocos pasos de allí, de este centro, el estand del Arte Político. Y un nombre, el del artista en cuestión. Solíamos vernos para conversar sobre estos problemas antes de su más reciente mutación. El dolor humano es ahora un motivo más para el arte. La crítica ha mutado hasta transformarse en objeto. Y las víctimas son sólo personajes de esta maqueta artística. Un nombre. ¿Un collage? Una silla. Un computador. Una joven asistente. Un crítico detrás de sus lentes y su aire de notoriedad. Una mutación imposible. También la crítica se oferta en la feria.

Una metamorfosis. La crítica deviene arte. El arte deviene crítica. La causa es pura anarquía. Un juego. La gravedad de las consecuencias ha cedido hasta transformarse en un estand de feria. Nombres de artistas. Nombres de galerías. Me pregunto si Arte Político- G. V. es un nombre más. Un lugar más para el arte. Entonces el grupo de curiosos de domingo se detiene y el crítico artista exhibe sus artilugios.

En el pasado existió un poeta que habló del crítico artista. Luego fue acorralado en una cárcel por ser homosexual. Alguna vez presintió esta decadencia en sus notas sobre América.

Evito mirarlo. Evito entrar en contacto físico con este espacio. Entonces elijo un ángulo en el stand vecino, un lugar para testificar todo esto. Y oigo su voz: -“Las víctimas del asbesto”- .

Pasos atrás el crítico curador, el del viernes en Artbo, un semidios de la escena del arte en Colombia. (Recuerdo el Fausto, al hombrecito vestido siniestramente de rojo). Sonríe maliciosamente. Quizás los nombres en estas carpas crean haber podido optar por una condición diferente a la de ser artistas contemporáneos. Así lo manifiestan algunos. El viejo Mefisto lo ha prometido y ha sucedido la transacción. El dinero les hace pensar en una supuesta consistencia. En realidad se desintegran y su escala se ve reducida a esta desproporción de la escena del Arte. El corredor en Sincronía difícilmente permite deambular.

¿Lo saben? Aquí todo parece querer cobijarse con la indiferencia, con la ignorancia. Los artistas se ofertan directamente. El glamour del juego sucio desaparece. La transacción es directa. Literal. Un objeto de ferias.

Los compradores glamorosos evitan este lugar. Hacen una omisión expresa. Es el tercero, sin existencia real.

Por momentos recuerdo la vieja carpa remendada de un circo. Los payasos obsoletos. El león enfermo. Y un director gordo y pintarrajeado que intenta persuadirnos de reír. Y reímos, es lo menos que podemos hacer.

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Día 1. Artbo

Glamour. Una mujer delgadísima habla a las cámaras. Un vestido con volantes. Maquillaje excesivo. Y ocurrencias. Ninguna tesis fundamental. Al entrar, un locutor intentaba disertar frente a una obra. Nuestros ojos se encontraron. Un nuevo intento. Inicio del ejercicio de la persuasión crítica.

Llegada al pabellón central. El lugar del concurso. Una semipenumbra. Un grupo de curiosos sigue al guía.-“ La obra de hoy prescinde del aparato crítico”, un curioso asiente-“sí, podemos decir lo que se nos ocurra”. Ninguna certeza. Cualquier discurso se sostendría. Cualquier ocurrencia. Final del juego, final de la interpretación. La obra carece de sentido. El guía exhibe una escarapela que cuelga de su cuello. Una suerte de distintivo que pese a todo su discurso sobre la insuficiencia crítica, lo diferencia de su público. Entonces recuerdo la casa de reposo donde los visitantes llevan zapatos y estos los diferencian de los enfermos que arrastran sus chanclas.

Sigo al grupo fundiéndome en esa multitud ávida. Entonces los veo venir. A los tres.

Caminan con determinación y por momentos dirimen un veredicto. Son casi reconocibles para esta masa anónima de curiosos. Se los ve a otra escala de la escala humana con que se los suele representar en los medios. Aquí el glamour cobra su justa proporción. Son más bajitos, más gordos, más insípidos, más reales.

Por momentos se encuentran en un acercamiento irreal en que el encuadre de observación es casi imposible. Respiran a mi lado. Y presiento su olor, la escala humana. Las arrugas de un traje vencido por el desgaste del día.

Día 1. Artbo

Granizo. A pocas cuadras de la entrada de Artbo hay un paradero de buses. Estoy subida en la silla de espera de este lugar provisional. Todavía no alcanzo la entrada de la feria. A mi lado dos o tres estudiantes que también se han resguardado de la tempestad. Con nuestros paraguas abiertos protegemos nuestros cuerpos. Los carros pasan velozmente. El peatón nada significa. Quizá ni existe. Se promedia al lado del mobiliario urbano. En el baño, me seco el pantalón bajo el chorro de aire caliente a presión. Otra pareja de visitantes hace lo mismo en el baño contiguo. Los vi caminar bajo la lluvia en medio de la tempestad. Ella pelo rosado, el sombrero. Vestidos negros, casi grises. Vestidos los dos como una unidad indiferenciada. Reconozco ese estado, esa indiferencia en que creemos estar en una performancia continua. Pero pereceremos. Somos espectadores y nada más.

Día 1. Artbo

Intento situarme en el espacio para establecer un recorrido. Pero es difícil intentar establecer un método de visita. Rápidamente mi deambular se hace irregular. Como si un capricho extemporáneo lo alejara del recorrido. Encuentro que los otros visitantes también intentan ordenar sus recorridos. Gastamos tiempo infructuosamente para lograrlo. Entonces desistimos y nos entregamos a un simple deambular. Pero rápidamente llega la saturación. Un cansancio producido por esta sobreimposición de nombres, de luces, de títulos, de ruido. Alguien a mi oído:- “El arte cansa”-

En realidad esta visita se parece a un trabajo al que no sabemos cómo responder. Hay dificultad en la adecuación. En el intentar acomodarse.

En sus mesitas, vendedores glamorosos me sonríen. Ninguno parece local. Rememoro el intento de asepsia con que se inició todo esto. La nueva época. El blanco y el negro. La impecabilidad. El cuerpo sin apenas rastros de precariedad. El orden. La sensación de objeto recién adquirido. Por momentos camino flotando por esta pasarela. En la Berma, los cientos de obras abriéndose un lugar.

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Día 2. Odeón

Recuerdo las proyecciones de cine a medianoche, aquí en el antiguo TPB. Después salir y caminar bajo las estrellas hasta La Nueva Santa Fe. Ahora es un edificio abandonado. Una ruina cultural. El fruto de la desidia de las varias generaciones de funcionarios que han sucedido desde entonces.

Día 2. Odeón

Idéntico glamour al del día primero en Artbo. Por alguna razón nuestra precaria ciudad se resiste a caer en el olvido. Atrás fue cuna de los poetas, ahora de artistasy galeristas, de exposiciones, de ferias, de curadores. De compradores abriéndose camino en el viejo edificio abandonado.

Día 2. Odeón

Un patio, columnas desnudas. Restos de baldosín blanco. La humedad se reviste con el dorado con el que algún instalador intervino estas ruinas. Euforia. Un joven artista celebra una venta. Abrazos, risas. Camino sin detenerme en la escena anterior hasta la entrada donde compro el catálogo. Me interesa hacerme a los catálogos. Uno amarillo, otro neón, otro carmelita. ¿ Contarán los colores, la diagramación? Cuenta el lugar. Cuentan los espacios. La organización. Cuenta la escala.

Con los catálogos podré establecer una zona de abstracción donde pueda captar los entreactos.

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Día 1. ArtBo

Mesas de editoriales. Libros, revistas. Camisetas. Ojeo un pequeño librito, son cartas entre un padre artista y su hija. Algo en esa escritura me detiene. Un tono que creo reconocer. Entonces los nombres. Hernán y Tamara. Algo del pasado regresa. Su llegada a Bogotá desde Buenos Aires. El pequeño apartamento de la 22 con tercera. Una cita pospuesta. Desencuentros. Reuniones. Comidas, encuentros. Literatura, después la distancia. El silencio. Compro el librito. La hija del artista me habla de un proyecto. Creí reconocerla mientras anotaba en su Moleskine. El tiempo ha pasado. La vi alguna vez cuando era una niña y estábamos de visita en su casa. Se abrió una puerta y vimos una niña jugando con cientos de muñecas. Para mí fue una sorpresa ver las barbies en la casa de mi profesora de filosofía. Las paredes eran negras, los techos de vidrio, como ventanas abiertas al cielo. También los vestidos eran negros. En una mesa de trabajo adosada a un costado del salón, recortes sobre Leonardo da Vinci. Me asalta el recuerdo. El diminuto apartamento de la Nueva Santa Fe a donde llegaron. Buscaban algo singular, el grupo entero de artistas entró en la casa, venían tras algo para ilustrar el más reciente significado de la posmodernidad. En principio parecían interesados por algunos objetos nuestros, el pulpito con las teteras amarillas. Se hacían señas, miraban, luego se fueron. Y la época siguió sus rutas. Sus desarrollos y evoluciones. Nacía algo que prometía renovación.

La joven sigue hablando de su proyecto, en otra mesa reconozco a su padre. Este es su estand. Lo rodea un estaff completo de colaboradores. Faltan ellos, habrán de llegar. Hernán y Tamara. Guardo el librito de cartas junto a los catálogos y la revista Matera para ojearlos en la noche.

Día 3. Sincronía

Domingo. Reúno fuerzas para esta tercera salida. Algo me impide llegar con entusiasmo. Quizá la certeza de un espectáculo que deseo evitar. Hace frío. Algo del desencanto dominical me permea, pero es necesario esto tercero. Esta perspectiva.

No me cobran al entrar. Hay poca gente, todavía es temprano. Los curiosos no tardarán en llegar.

Reconozco a algunos artistas. Generaciones entradas en relevo a pesar de la resistencia. En el centro un hombre sentado sonríe. Es el hombre del café, el que entrevistaba al joven artista en el día primero.

Me habría gustado no venir.

No hay un Museo para esta falta de lugar. Un lugar que dé cuenta de lo que simplemente caduca y se pierde en la transescena.

Notas de Feria tomadas en una libreta

-La crítica se ha hecho inconsistente, apenas un tambalearse sobre y de la palabra sobre sí. Lo demás es la pura ficción de la crítica, su novela. Pero el ser ya no es un accidente (Beuys) sino una sucesión de patrones anticipados. Toda supuesta espontaneidad ha sido suplantada por lo superfluo. La cinta sin fin de unos estados en red en que se nos cuenta quiénes somos llamados a ser. (En Artbo)

-¿Por qué este maremágnum de escrituras? Esta ansia de pictografías ¿ De dónde la necesidad? ¿O es una moda? (Luego de la tercera visita)

-Novela en tres actos. Tres días. Escritura en tres espacios. (El domingo en la tarde)

-lo banal que no tiene significado se presta a querer ser interpretado. Lo que queda es el espacio. La feria. Este deambular incesante frente al “arte”. La sala del museo también contiene adosada a ella una mesita donde cómodamente se ha instalado el vendedor quien hace las veces de crítico o de curador. De impulsador de la obra. Entonces el visitante no está solo. Pero puede exhibir su capacidad y transformarse súbitamente en comprador. En coleccionista. Así la feria propicia la fantasía del observador amateur al ofrecerle la posibilidad de investirse por un instante de coleccionismo y cumplir esa fantasía. (Viernes, en Artbo)

-Novela del arte. Nada para decir, nada para entender salvo la necesidad del intercambio. Del valor. De la transacción. De la necesidad de entrar en la colección. (Sábado, en Odeón)

-Puede prescindir de una interpretación porque su afán es no decir nada. Pretende sólo circular. Hacerse evidente en el mercado. Existir. Y sólo puede existir en ese intercambio. Ese intersticio de la transacción monetaria. La obra no es mercancía en espera sino precisamente cuando la expectativa de la espera se ve satisfecha plenamente con el valor. (En Artbo)

-No posmodernidad sino submodernidad, dice Heriberto Boeder, su pensar anárquico. El de la submodernidad. Todo en esa submodernidad se desprende del representar. También el observador. El supuesto observador. Sólo hay ocurrencias, por ejemplo, en la mesa del crítico. Nada puede representar. Siguiendo a M. Ponty Boeder afirma, Intercorporeidad. Es eso, la feria es eso. (Sábado de madrugada, preparándome para salir de Feria)

– El comprador de obra, el futuro coleccionista parece ser el único que logra configurarse, que logra consubstanciarse. El público en general se desfigura. Por eso juega a ser también coleccionista. No basta con mirar. (Sábado, en Odeón)

-Supuesta emancipación social mediante la crítica política. El crítico jugaría con esa promesa, con esa expectativa. Allí radica su valor. También el del Arte Político. Arte y Crítica Política suspenden la fe. Crean la promesa. Despliegan un tiempo suficiente que daría consistencia a su ser relativo. El necesario para suspender el juicio y disuadir momentáneamente a su público. (Sábado antes de la segunda salida)

-En la época del deshacimiento del juicio estético, de su imposibilidad, se nos lleva a seguir pensando en la posibilidad de ese juicio. Así nuestra escritura debería suceder en los márgenes de una crítica imposible. Llamados a un orden del discurso perdemos de vista el engaño. (Sábado en la mañana)

-Entonces la crítica deviene desecho. Una redundancia innecesaria. (Sábado en la mañana)

-Recordar las mesas de los art-dealer: computador, esquelar, fotos. Su impecabilidad al vestir. (Sábado en la tarde)

-Boeder habla de los sin sombra. Condición del hombre de la submodernidad. (Sábado)

-Desprovisto de todo sentido, de todo significado el arte ha dejado de ser interpretable. (Tener en cuenta esto antes de empezar a escribir sobre la Feria)

-El Arte es ahora una reducción de su significado hasta el punto de hacerse asignificante. Boeder retoma a Wittgenstein.

-Valor de las entradas, $ 25.000 Artbo, $ 15.000 Odeón, entrada gratuita Sincronía. La escala de valores es proporcional a la escala de los espacios. La feria es un lugar. Y un tiempo. (Domingo en la noche)

 

Claudia Díaz, octubre 26 de 2014.

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Bogotá ¿capital del arte?

“Bogotá, capital del arte” es la frase que circula durante el mes de octubre en el país[1]. El mes de las artes plásticas en Bogotá se promociona gracias a ferias como ArtBo, Odeón, Sincronía, Barcu y exposiciones prometedoras como la de Andrés de Santa María en el MamBo, la de Francisco Antonio Cano en el Museo Nacional, Alberto Durero en el Museo del Banco de la República y “Selva Cosmopolítica” en el Museo de Arte de la Universidad Nacional. Con esto en mente, se habla de un país que durante este mes promueve el arte y apoya a los jóvenes artistas colombianos.

A primera vista, los artículos que promueven este gran movimiento convencen al público de que Bogotá es de hecho, capital del arte. El apoyo de la Cámara de Comercio a ArtBo ayuda a reiterar la importancia de este sector dentro de la industria nacional y, con lo que se dice sobre las ferias, se da a entender que de hecho existe en Colombia un mercado del arte. Sin embargo, existe algo más allá de las fotos de la inauguración de ArtBo en la revista Jet Set o las fotos del mundo del arte en la cuenta de Instagram de Catalina Casas. Así, en este artículo pretendo evidenciar algunos datos y algunos hechos, para cuestionar si en realidad existe en Colombia, un mercado del arte que permite afirmar a Bogotá como capital del arte.

El mercado del arte es el tercer mercado no regulado más grande del mundo después de las armas y las drogas. En el 2013, el mercado global del arte alcanzó la cifra de 47,400 millones de euros en las ventas totales de arte y antigüedades, mostrando crecimiento de 8% con respecto al año anterior[2]. Según un análisis de mercado de la firma Arts Economics el número de transacciones también aumentó a 36,500,000, pero la mayor parte del incremento en ventas se debió al alza de precios de las obras. Del mercado global, Estados Unidos representó en el 2013 un 38%, China un 24%, Inglaterra un 20% y la Unión Europea como un todo un 32%.

A la hora de hablar de mercado existen múltiples actores que hacen parte de este entramado. Sin embargo, para fines de este artículo se escogieron tres actores principales cuya presencia en Colombia puede ser contrastada con las grandes urbes del arte: las galerías, la feria de arte y las subastas. Antes de continuar es esencial mencionar que en el campo colombiano es muy escasa la información sobre datos específicos del mercado, pues no existen aún entidades que se encarguen de analizar y tabular las cifras. Por este motivo este análisis se hará con la poca información que se encuentra disponible.

Ahora bien, empecemos por la galería. En el mundo, las galerías representan dos tercios del mercado y en el 2013, el 50% de las ventas de arte se hicieron en galerías de arte.  La galería es el eje principal del mercado primario, desde donde se hace el trabajo de promoción y legitimación de la obra del artista. En este sentido, la galería cumple con dos funciones y opera en dos mundos distintos e incluso contradictorios: el mundo capitalista (desde el cual se deben asignar precios, arreglar contratos con artistas y buscar maneras de pagar la renta) y el mundo de las instituciones culturales (desde el cual la galería debe seleccionar y promocionar artistas a través de exhibiciones, artículos y demás para asegurar un posicionamiento de sus artistas en el mundo del arte)[3].

En Colombia hay un gran número de galerías desde las cuales se hace promoción tanto de mercado primario como de mercado secundario. Sin embargo, son pocas las que hacen un trabajo serio tanto de representación como de legitimación. Una de las tendencias colombianas es la proliferación de “dealers”, es decir personas particulares que se encargan de comprar y vender arte, por lo general, al mejor postor. Este tipo de prácticas, si bien no son ilegales, van en contra de las buenas prácticas del campo artístico, pues este modelo de ventas se enfoca únicamente en las ganancias económicas y deja de lado uno de los roles principales del galerista que es el del acompañamiento del artista a través de su carrera y servir como herramienta para la consolidación de sus propuestas. Por otro lado, si bien no se sabe a ciencia cierta pues las galerías no hacen pública toda su información, es cierto que en Colombia aún existen algunas prácticas dentro de las galerías que deben replantearse. Por ejemplo, la ética del artista debe ser que su creación no esté ligada a la satisfacción de los gustos, deseos y necesidades del mercado. Sin embargo, es sabido que la forma de operar de algunas galerías bogotanas es bajo contratos mensuales en los que se le exige al artista cierto número de obras para satisfacer un tipo de demanda. Desde la óptica del mundo del arte, esta práctica va en contra de lo que debe ser y hacer un buen artista. Además de esto, los precios a los que venden las galerías y las estrategias de estos continúan siendo un misterio (aunque el precio es un misterio en el mercado global). En conversación con una galerista, menciona que a la hora de poner el precio a las obras tiene dos estrategias. Para aquellas obras de artistas emergentes que aún no tienen posicionamiento en el mundo del arte hace una simplificación en la cual el precio es igual a tres veces lo que costó producir la obra. Para obras con un mayor “pedigree” dice que “es complicado” y que “todo depende”. De este modo no existen en el mercado colombiano referentes de precios que permitan una mayor visibilidad del mercado y que a su vez generen confianza en el mismo para los consumidores.

Según Olav Velthius, cuando se habla de la ubicación de la galería, en los grandes mercados se establece una separación entre el mercado del arte y el resto de la economía. En ciudades como Amsterdam, Nueva York, París y Londres, las galerías de arte se han agrupado en calles y barrios llegando a construir así “distritos de arte”. En Bogotá, el barrio Macarena había sido el barrio artístico de la ciudad, aunque sólo contaba con la participación de algunas pocas galerías y desde hace tres años, la Feria la Otra que luego fue Bienal. Sin embargo, últimamente ha estado sonando el barrio San Felipe como el nuevo BAD o Bogotá Art District. Pero el poder llamar a esta zona “Art District” es bastante debatible. Se trata de un par de cuadras en las que se encuentran algunos talleres de artistas, tres galerías (Sketch, 12:00 y  Beta) y la fundación de José Ignacio Roca, Flora. Detrás del nombre “BAD” está el nombre de Alejandro Castaño, un arquitecto y coleccionista que tiene como proyecto construir en esta zona unos nuevos edificios y remodelar las casas que ya existen para hacer así el Bogotá Art District. Sin embargo, resulta dudoso que la existencia de cuatro espacios de arte y los planes de un proyecto de inversión inmobiliaria sean suficientes para hablar de un barrio de artistas en Bogotá, equiparable con Wynwood en Miami o, por ejemplo, lo que fue hace un par de décadas el SoHo en Nueva York.

Después de esta breve revisión de la galería, nos vamos a referir a la subasta. La subasta es la plataforma principal para el mercado secundario de arte. En el 2013, un 7% de las ventas de arte en el mundo se hicieron a través de las casas de subasta. Según un análisis hecho por las firmas Portafolia y ArtTactic, en el 2012 las ventas en subasta en Colombia aumentaron un 35% con respecto al año anterior y un 98% de las ventas correspondieron a arte moderno[4].

Si bien en Colombia se han hecho subastas de arte hace muchos años, las casas de subasta no han sido exitosas en el país. Hasta este año se abrió la única casa de subastas que existe actualmente en Colombia, Bogotá Auctions, entre cuyos socios están el martillo Benjamín Creutzfeldt, el gerente general, Timothée de Saint Albain, José Darío Gutiérrez, abogado y coleccionista, Pilar Cabrera y Camilo Chico Triana. La casa ha realizado dos subastas de arte moderno y contemporáneo. La primera de ellas, realizada el 20 de febrero del 2014 ofertó 42 lotes de los cuales se vendieron 24 por un total de COP$ 274,000,000 (exc. Premium) y el valor de ventas mínimo estimado en el catálogo era de COP$ 562,000,000.  La segunda se realizó el 26 de junio y se ofertaron 72 lotes, de los cuales se vendieron 27 por un total de COP$ 169,000,000. Si se miran estas cifras con respecto a las de las subastas de Sotheby’s o Christies (las dos casa de subastas de mayor reconocimiento y que representan un total del 90% de la venta de subastas en el mundo) no son de ninguna manera comparables. El monto más alto alcanzado en la historia de las subastas fue de US$ 142,405,000, es decir, aproximadamente más de un 90% del total recaudado en la primera subasta de BogotaAuctions. La famosa venta de la obra de Oscar Murillo en Christie’s se dio por US$391,471, cifra que no ha sido alcanzada en ninguna subasta en Colombia ni siquiera por alguno de los artistas con mayor trayectoria del país como Beatriz González o Alejandro Obregón. Aunque en comparación con las grandes subastas del mundo, estas no resultan significativas, si son una primera aproximación hacia un mercado del arte más formalizado. Según Camilo Chico Triana, una de las principales motivaciones para crear esta casa de subastas fue “generar un referente para el mercado, pues el mercado del arte colombiano no esta referenciado a excepción de unos pocos referentes de precios que existen a nivel internacional”.

Además de esta iniciativa, la gran parte de las subastas de arte en Colombia son realizadas por fundaciones (bien sea de arte o no) con el fin de recaudar fondos. De este modo, se ha asociado la compra en subasta a un acto caritativo, en donde el precio esta dictado por qué tan filantrópico sea el comprador. Este tipo de subastas han desviado al público a pensar que el valor de la obra tiene que ver con un acto piadoso, en vez de ser el resultado de una valoración cultural y económica del artista, y de la interacción entre la oferta y la demanda.  Además, estas subastas utilizan prácticas diferentes con el fin de atraer a un mayor público que por lo general no esta familiarizado con el arte. Es el caso de la Novena Subasta de Arte de los Héroes realizada por la Corporación Matamoros el 4 de agosto del 2014, en la cual los martillos fueron Ricardo Barreneche y Ricardo Arango, reconocidos martillos de subastas de ganado. Esto por supuesto implica una dinámica bastante diferente a la dinámica común de las casas de subasta pues las obras se ofertan acá entre gritos y cantos, en algo que parecía más una venta en una plaza de mercado.

Por último, haré una mención de las ferias de arte. Las ferias de arte son una plataforma establecida para conglomerar en un mismo espacio y momento múltiples galerías con el fin de atraer a un mayor número de coleccionistas y posibles clientes. Las ferias existen en el mundo desde la década de los 70 y hoy por hoy son una de las fuentes de venta más importantes para el mercado. En el 2013, se reportó que un 19% de las ventas del mercado se hizo a través de ferias locales e internacionales y un 33% de las ventas de galerías, habían sido en las ferias.

En el caso de Colombia, aunque en la década de los noventa se realizaron varias ediciones de una feria organizada por reconocidas galerías de arte contemporáneo, este formato expositivo inició hace diez años un proceso de mayor proyección y respaldo con la aparición de ArtBo, la Feria Internacional de Arte de Bogotá. Este evento se ha venido consolidando con los años, especialmente por estar avalada por la Cámara de Comercio de Bogotá, en reconocimiento de las industrias culturales como uno de los sectores más importantes del país en términos de crecimiento. El año pasado (2013), durante sus cuatro días, la feria atrajo cerca de 25 mil personas entre compradores y visitantes y presentó un total de 65 galerías tanto nacionales como internacionales. Según un estudio público realizado por la Facultad de Administración de la Universidad de los Andes, la mayoría del público (50%) se ha venido concentrando en la franja joven entre los 18 y 25 años de edad, son universitarios (55%), colombianos (95%) y de estratos 5 y 6 (45%). Además, un 50% de los asistentes corresponde a público general (es decir que no son artistas, galeristas, coleccionistas, gestores, representantes del sector cultural o expertos en arte). Con respecto a los intereses del público, un 60% afirma que ArtBo es un espacio de disfrute y entretenimiento, y menos del 5% afirma asistir con la seguridad de comprar obras de arte. Aún así, más de un 50% afirma que ArtBo les permite aprender sobre arte latinoamericano y más de un 70% están totalmente de acuerdo con que la feria promueve el arte contemporáneo. Lo anterior demuestra que más que un espacio comercial, ArtBo se presenta en la ciudad como una plataforma para el entretenimiento y la educación. Si bien representa una plataforma comercial importante en América Latina, ArtBo aun no puede ser comparada con las grandes ferias internacionales alrededor de las cuales gira una cantidad mucho mayor de mercado como ArtBasel, Frieze, y ARCOmadrid, entre otras. ArtBo cuenta con un programa de 200 invitados VIP que son aquellos coleccionistas que en realidad utilizan el espacio de la feria como plataforma comercial, pero podría afirmarse que la otra parte del público no ve la feria como una oportunidad comercial si no como una oportunidad educativa y  de entretenimiento. Quizás uno de los factores que explique este fenómeno sea que el público colombiano es de los menos desarrollados y educados dentro del mercado del arte. La nueva identidad de ArtBo para este año (“entre lo moderno y lo contemporáneo”) es un reflejo de la intención de querer educar a un público que aún no se siente familiarizado con el concepto de arte contemporáneo. Espacios que hacen de ArtBo una plataforma única en su especie como ArteCámara (espacio para difundir y visibilizar el trabajo de jóvenes promesas del arte colombiano), Articularte (espacio pedagógico) y Referentes (espacio nuevo que da una mirada al arte entre 1940 y 1970 para dar al público un contexto histórico del arte colombiano y latinoamericano) son la perfecta demostración de que la misma feria es consciente de que el público colombiano es un público que aún debe ser educado. Como lo demostró el estudio mencionado, la mayoría del público de ArtBo son jóvenes que ven en la feria una oportunidad para obtener referentes visuales y educarse en las últimas tendencias artísticas. Así, aunque ArtBo ha venido mejorando enormemente en los últimos años, es evidente que aún no alcanza las dimensiones en mercado las grandes ferias internacionales, no por la feria misma, sino por que aún circula dentro de un público al cual le hace falta educación y conocimiento sobre el mercado de arte.

Adicionalmente, en las grandes urbes del arte en donde se realizan ferias de grandes dimensiones se ha dado el fenómeno de que surjan ferias satélite (alternativas) alrededor de la gran feria, dando el surgimiento de las llamadas semanas del arte. Es el caso de Miami, en donde se dan ferias satélite como Scope o Untitled alrededor de Art Miami o en Nueva York con ferias como Downtown Art Fair o Pulse Art Fair alrededor de Frieze. En Bogotá, alrededor de ArtBo han empezado a surgir pequeñas ferias en los últimos años que intentan complementar los contenidos de esta semana del arte. Odeón, feria de arte contemporáneo va a realizar en este año su cuarta versión, posicionándose como una feria de arte emergente y alternativo que ha venido creciendo. En el primer año convocó un total de 3500 asistentes y logró USD$90,000 en ventas, y en su tercer año convocó 6,500 asistentes y alcanzó USD$ 250,000 en ventas. Para este año, va a funcionar con un total de 16 galerías, entre las cuales hay ocho nacionales y ocho internacionales, continuando así con su progresiva expansión. Por otro lado existe desde el año pasado “La Feria del Millón” cuya principal característica es que todas las obras deben ser vendidas máximo por un valor de un millón de pesos. Así, esta feria atiende otro tipo de público, de coleccionistas jóvenes interesados en adquirir en sus vidas un poco de arte. Adicionalmente existen otras ferias más pequeñas como Sincronía, y Parcur (que inaugura este año). De este modo se ve que se esta empezando a dar una proliferación de ferias, en donde lo interesante es que cada una atiende a un tipo de público y un mercado diferente, aunque todas cumplen con el objetivo de promocionar el mercado del arte en Colombia y empezar a educar a un público que apenas nace.

Después de este breve repaso de algunas características y actores del mercado del arte, paso a plantear algunas preguntas sobre este naciente mercado en el país. No sin antes advertir que al haber hecho comparaciones de cifras y datos con algunas de las grandes urbes del mundo, no es mi intención degradar a Colombia o demeritar el gran avance que se ha hecho, todo lo contrario. Hay que destacar que las galerías en Colombia son cada vez mejores. El hecho de que Colombia sea el país invitado a ARCOmadrid lo reafirma pues esto sólo es posible por que se considera que el país tiene un núcleo de galerías importantes con la capacidad de salir al exterior a una feria.  La llegada de cada vez más galerías internacionales (como Mor Charpentier o Nohra Haime) que deciden abrir sucursales en el país también demuestra que tenemos en Colombia un potencial en crecimiento. La apertura de una primera casa de subastas representa una gran oportunidad para crear referentes en precios reales y públicos, que formalicen y dinamicen el mercado creando mayor confianza y transparencia. El crecimiento de las ferias de arte es un elemento fundamental que ayuda a la construcción de una cultura de mercado y a la educación de un público futuro, tanto en prácticas formales como en fijación de precios. Son un fenómeno que promueve el amor al arte y educa y promueve nuevos coleccionistas y ayuda a visibilizar una de las industrias crecientes del país. La presencia de artistas colombianos como Mateo Lopez, Gabriel Sierra, Nicolás París o Nicolás Consuegra en galerías internacionales, y con obras en importantes museos del mundo demuestra que el talento colombiano es cada vez más reconocido.

Pero ¿es esto suficiente?, ¿existe realmente el coleccionismo en Colombia?, ¿puede hablarse de un mercado del arte formalizado en el país?, ¿qué tanto es el impacto de ArtBo en el mercado nacional como en el mercado internacional?, ¿realmente es esta la feria de mayor calidad en América latina?, ¿a qué se ha debido el fracaso de las casas de subastas en Colombia?, ¿cuál es el futuro de espacios independientes y auto-gestionados, dentro de un mercado en donde escasea el poder adquisitivo?, ¿radica el problema en que el público colombiano aún no esta educado para operar en este mercado?, ¿de qué manera se podrían formalizar las prácticas de galerías colombianas? Estas son sólo unas de las múltiples dudas que aún hace falta responder con respecto al campo del arte en Colombia. Es cierto que el país ha venido escalando en el campo del arte, pero también creo que hace falta trabajar muchos aspectos para que Bogotá pueda efectivamente ser llamada capital del arte.

 

 

Isabella Torres

 

Referencias:

  • Velthius, Olav. Talking Prices. (2005).  Princeton University Press
  • Matthew Caines. International art market 2013: new report examines the facts and figures.  Marzo, 2014. Periódico The Guardian. Disponible en:

http://www.theguardian.com/culture-professionals-network/culture-

  • Juan Andrés Valencia Cáceres. “¿Quién compra arte en Colombia?”. Febrero, 2014. Periódico El País. Disponible en:

http://www.elpais.com.co/elpais/cultura/noticias/quien-compra-arte-colombia

  • Estudio de impacto. Feria de arte Artbo. Elaborado por Jaime Ruiz Gutierrez. Facultad de administración. Universidad de los Andes. Enero 2014.

 


[1] http://www.semana.com/cultura/multimedia/bogota-capital-del-arte/405104-3

[2] http://www.theguardian.com/culture-professionals-network/culture-professionals-blog/2014/mar/19/international-art-market-2013-facts-figures#keyfindings

[3] Olav Velthius. P. 23

[4] http://www.elpais.com.co/elpais/cultura/noticias/quien-compra-arte-colombia


Sobre la mala leche: de lo light al re-formance

Geene Courtney, Sausage Queen. Patrocinadao por Zion Meat Company durante la semana nacional del Hot Dog en USA, 1955.

Geene Courtney, Sausage Queen. Patrocinadao por Zion Meat Company durante la semana nacional del Hot Dog en USA, 1955.

Por Carlos Monroy

Corrección Clara Giraldo

Después de salir del recelo que me provocó leer el texto La incesante repetición del gesto, me cuestioné sobre las expectativas que han recaído en el performance como medio y evento artístico en los últimos años y por qué ha crecido exponencialmente el número de practicantes, exposiciones y facultades que se dedican al género. Pensé en los procesos de domesticación e institucionalización por los que ha pasado desde los sesenta y, en consecuencia, en las cargas e intereses que recaen hoy sobre sus practicantes cuando realizan una obra de arte-acción.

El tema me resulta tan propio y al mismo tiempo tan espinoso, que no me es posible abordarlo todo en un solo texto, por lo tanto, en esta primera instancia compartiré diez preguntas que considero relevantes, pues afrontan problemas del performance en la contemporaneidad y revelan el planteamiento reducido, ligero e intrépido que La incesante repetición… expone.

  1. ¿Lo que se espera del performance en términos de impacto social, creativo o político es viable o son metas absurdas con respecto a la oposición, reacción o complacencia de lo que un cuerpo consigue realmente desempeñar frente a la maquinaria del mercado o las instituciones?
  1. ¿El agotamiento estético del medio es tan “evidente, light y trillado” que permite empaquetar las acciones en grupos del mismo comportamiento sin tener en cuenta los detalles de cada acción, minimizando las consecuencia estéticas, políticas y sociales de cada una? ¿Puede hacerse el mismo ejercicio con cualquier otro medio artístico?
  1. ¿Es posible que el agotamiento generado por la repetición incesante sea justamente, el elemento más potente y reaccionario de la práctica en el arte-acción, teniendo en cuenta que los gestos son repetidos en diversos contextos, sociedades y lugares por diferentes personas, de modo que es imposible atribuirle autoría a la generalidad del gesto?
  1. ¿Por qué seguimos juzgando los lugares comunes y los espacios permisivos del “cliché” de la practica apoyándonos arcaicamente en la figura de un autor con barnices decimonónicos y modernos, en vez de abordarlos como espacios pedagógicos, divertidos, necesarios y ante todo singulares?
  1. ¿La novedad mantiene el arte-acción vivo o, por el contrario, escuda y patrocina las embestidas del capital?
  1. ¿Existe alguna diferencia entre los gestos de los artistas de arte-acción y los mismos, reiterados por “otro tipo de performers” como Lady Gaga? Si existe, ¿radica en los cuerpos, contextos, intereses, intenciones o en el mercado que cada uno habita? Y si no, ¿por qué nos frustramos al sentir que la esencia de la acción es traicionada cuando el mercado filtra, engulle y explota los mismos gestos?
  1. ¿Por qué asumimos el arte-acción como un medio crítico per-sé que no debe tener nexos directos con el espectáculo? Si esta condición fuese indiscutible, ¿no deberíamos buscar metodologías para que la crítica sobreviva sin resquebrajarse, consiguiendo cohabitar inteligentemente dentro del espectáculo, en vez de juzgar el arte acción bajo los mismo paradigmas del mercado?
  1. ¿La preocupación por diferenciar lo que es de lo que no es arte-acción y por justificarlo son problemas falsos, opuestos a los argumentos abarcadores que defienden la práctica desde sus inicios, como un medio libre de presiones y limitantes con la posibilidad de abrazar cualquier gesto corporal creativo, libertario y perspicaz sin importar lo que este sea?
  1. ¿Será que la “malsana y ya vívida mediocridad creativa” de los practicantes del arte acción es un mal común o es la manifestación de un proceso de construcción consecuente de discurso, carrera, aprendizaje y vida, por el que todo artista debe pasar?
  1. ¿“Lo que presentan y re presentan muchos artistas de performance es elemental y sin profundidad” o nuestra mala leche y carencia de comunidad es tan grande que nos impide recibir la acción de otro con tolerancia, humildad y empatía entendiendo la exposición de cada cuerpo como un gesto de vulnerabilidad, apertura y diálogo?

Existe performatividad al escribir un top 10. Es un ejercicio hecho por muchos y repetido en diversas formas y contextos, es en sí un gesto reiterado. Se forma a partir de una visión que divide, segmenta y reagrupa a su parecer, captando solo la voluntad del consumo, achatando la perspicacia y los detalles. Presenta generalidades rápidas y tips prácticos que, afanosamente, ayudan a encontrar un producto de “calidad”, sin tener que tomarse el trabajo de perderse en los más ricos laberintos de la experimentación y anulan la capacidad de aventurarse entre los productos que no tienen la supuesta calidad.

Hemos hecho y re hecho tops 10 porque son insaciables y siempre están listos para reformularse. Los diez gestos más utilizados del arte-acción no son la excepción, ni mucho menos estas diez preguntas sobre el arte-acción en la contemporaneidad. Sin embargo para mi fortuna, y sabiendo que insisto en un gesto repetido, hago un top 10 que espero que suscite mas de diez respuestas.

La incesante repetición… asume que el registro fotográfico es un documento veraz que refleja toda la acción. Esto es visible al hacer una consulta rápida y constatar que las imágenes de los seductores collages que acompañan el texto no solo corresponden a obras de arte acción, sino también a memes; registros de esculturas, danza contemporánea y piezas teatro; fotografías de catálogos de productos comerciales y de moda; entre otros infiltrados. Estas inserciones no son felices, pues resulta evidente que no se hicieron en función de expandir los límites de la práctica, sino que se escabulleron al asumir la tirana e intimidante orden del progreso; por eso basta una pesquisa superficial, fría, exacta y mecánica como la que ofrece Google cuando escribimos: performance art red dress o performance art naked.

El texto debería llamarse Los diez gestos más encontrados en fotografías de registro de performance, para que en su persuasión existiesen brechas cuyas dudas con respecto al campo de acción y al objeto discutido permitieran ignorar el error. Usar imágenes que no fueran de arte acción, aunque lo parezcan, era una simple norma de cortesía con sus practicantes y con los lectores, puesto que el énfasis de tan severa crítica era el arte acción.

Mientras los collages repiten fragmentos de las mismas acciones o artistas y el texto rescata el valor imprescindible de un mítico original, las otras imágenes se someten a una posición secundaria de copia sin valor que solo sirven para ser explotadas convenientemente sin reconocerlas. A través de la mea culpa, la autora pretende exorcizar su preocupación por cometer lo que cree un error y en el proceso reduce a migajas el tiempo vital que los creadores invirtieron aplanando maliciosamente la singularidad de cada uno. El texto muestra una misantropía comparable a la homogenización y el control de los cuerpos de los que todos hacemos parte.

Sin embargo, no todo me causó recelo, gracias al texto adelanté significativamente la compilación de información para mi trabajo académico y artístico más reciente la serie Re-formance puro Re-formance; facilitó que conociera el trabajo de una parcela de gente que no sabía que existía; y me obligó a reflexionar con empatía y consciencia la práctica de los otros, de su autora y la propia. Por eso quiero compartir toda la información que encontré de cada imagen de los collages, para restablecer la procedencia y autoría, de modo que sea posible otorgar o no el valor que cada de una estas acciones pueda tener.

Sí, he insinuado en todo el texto que la repetición del gesto a-autoral puede ser el factor más poderoso de la practica en actualidad, pero justamente su importancia radica en reconocer quien y por que lo esta repitiendo.

Después de los links, encontrarán un collage con las imágenes de las cuales no conseguí información y que agradezco que con la ayuda de sus autores o conocedores pueda completarse.

 

  1. Sobre el desnudo

 

Erika Ordosgoitti. Intervención Monumental 2012

https://www.youtube.com/watch?v=1FQyA4WrA1o

 

Stephanie Monserrate, Hector Cruz y Seil Roman. (Esto aquí no es una plaza): arte, cuerpo y derecho. 2014

https://www.youtube.com/watch?v=zXgXMiPpS5Y

https://www.youtube.com/watch?v=dyEz9czZQh8

 

Macarena Perich Rosas. Tajo 2013. Venice Performance Art Biennal

https://www.youtube.com/watch?v=J-mPWst5FNo

 

Penny Harpham, Kat Henry y William McBride. Deliverance Artstripped Bare. 2010. Berlin

https://www.youtube.com/watch?v=i3uOT7BgiOs

https://www.youtube.com/watch?v=KG-7za6w0Vc

 

Diana J Torres. Pornoterrorismo. 2014.

https://www.youtube.com/watch?v=my71lf66g_c

http://vimeo.com/28740729

http://vimeo.com/96643146

 

Jerome Bel. Nomme Donne par l’ateur. 1994. (Danza Contemporánea)

http://www.kaaitheater.be/fr/e1289/jerome-bel/

http://www.jeromebel.fr/spectacles/videos?spectacle=Nom%20donn%C3%A9%20par%20l%E2%80%99auteur

http://www.jeromebel.fr/CatalogueRaisonne/?idChor=1

http://www.louvre.fr/jerome-bel-1995

 

Franko B. I’m Thinking of You. 2010.

http://www.youtube.com/watch?v=EtF7kgygS3o

 

Jessica F Hirts (USA-Spain). Nevertheless 2010. (2 de las fotografías)

http://jessicafhirst.com/performance-/nevertheless

https://www.youtube.com/watch?v=-Aaud3tjwyE

 

Feelarte. Ruth Madruga, Mafalda Gómez, Álvaro Pérez, Ester López, Pilar Gil,Carlos González, Íñigo Sanz, Aldán Pino, Aroa Gómez, Sara Segovia y Carlos Sanz Aldea. Cuarenta y Ocho Ocasiones 2013.

http://proyectoarteaccion.wordpress.com/

 

Johannes Deimnling. No rose without a thorn. 2007

http://bbbjohannesdeimling.de/index.php?/hidden/no-rose-without-a-thorn–2007/

 

Joseph Ravens. Corvus 2012.

http://josephravens.com/video

 

Ma Liumin. Fen Ma Liuming in Lyon. 2001.

http://tremblebot.tumblr.com/post/13846985599/ma-liuming-fen-ma-liuming-in-lyon-france-2001

 

Kyra O’reilly. Synocpation (for more bodies) 2010

http://performatus.net/kira/

https://vimeo.com/70929385

https://vimeo.com/15857326

 

Elke Auer y Esther Straganz. The Queen of Eggs. 2010 (Escultura y fotografías)

https://andiepandyland.wordpress.com/category/degree-work/2nd1st-year/research/page/3/

 

Marina Abramovic. Lips of Thomas. 2005 (Re-enactment)

https://www.youtube.com/watch?v=dRVJo8AQs5E

 

  1. Sobre el uso de vestuario rojo

 

Christine Brault. Your space or mine. 2011.

http://www.youtube.com/watch?v=xwXyvFGN_a4

 

Angie Hiesl y Roland Kaiser. China-hair-connection. 2007-2008. (Curaduria)

http://angiehiesl.de/eng/?page=cat&catid=163#

http://www.angiehiesl.de/chinae/pages/gallery/beijing.php

En esta curaduria Snežana Golubović. Makadam. 2007 – 2008.

https://www.youtube.com/watch?v=K8-i-6bqZIM (Otro trabajo)

 

Mella Jaarsman. Animals have no Religion. 2012 (Escultura/Performance para modelos)

http://mellajaarsma.com/installations-and-costumes/animals-have-no-religion-indra-i/

http://www.tumblr.com/search/Mella%20Jaarsma

 

Camila Cañeque. Dead End. 2010

https://www.youtube.com/watch?v=yLGOBJMg2IM

http://www.20minutos.es/noticia/1730396/0/camila-caneque/artista-censurada/feria-arco/#xtor=AD-15&xts=467263

 

Grimaldy Polanco. Return Link. 2012

http://perrorabiosoblog.wordpress.com/tag/eliu-almonte/

 

Dot Howard. Red carpet performance. 2004

http://www.dothoward.com/page15.htm

 

Macarena Perich. OM. 2008

http://patagoniaperformance.blogspot.com/

 

Eike Trinks. I like to educate myself. 2010

http://vimeo.com/16656911

http://ieketrinks.nl/wp-content/uploads/2010/12/2013-07-26_ieke-trinks.pdf

 

Julie Laffin. Guardian of the damned. Photos in exile 2008 (Serie Fotográfica) y Kiss Piece. 1996

http://www.julielaffin.com/photos-in-exile.html

http://www.julielaffin.com/kiss-piece.html

 

Nguyen Kimhoang. 11th NIPAF Asian Performance Art Series. Untitled 2006

http://www.aaa.org.hk/Diaaalogue/Details/204

 

Helena Goldwater. Once in a while. 2012

https://www.youtube.com/watch?v=QQ39WwB_Np8

 

Marina Abramovic. Energy Clothers. (Vestimentas)

http://www.harpersbazaar.com/culture/reviews/marina-abramovic-profile-1113

 

Escuela de Danza, Musica y Teatro Constantino Carminio. Condenada Sangre 2013.

http://www.eldiario.com.ar/diario/cultura-y-espectaculos/89574-condenada-sangre-de-la-imagen-del-otro-al-movimiento-en-el-espacio.htm

 

Nezaket Eciki. Defiant. 2009

http://vimeo.com/91698798

 

Therica Mayoral. Reflejo. 2005

http://therikamayoralenglish.wordpress.com/performance-1/

 

Ursula Ochoa. Misóginos. 2012- 2014

http://ursulaochoa.weebly.com/misoginos.html

 

Francesco Kiàis “IN-BETWEEN” | 1st Cyprus International Performance Art Festival 2013

https://www.youtube.com/watch?v=KwiMkDp1Nd0

 

Encrucijada por Anabel Vanoni. 2006

https://www.youtube.com/watch?v=e5JW1FXp7XA

 

Julie Andreé T. Rouge.

https://vimeo.com/31549957

 

Francesca Fini. Five actions with red gloves 2013 (Video-performance)

http://vimeo.com/60225669

 

The Red Man Group. (Cover del Blue Man para eventos empresariales, conferencias, etc)

https://www.youtube.com/watch?v=I4SQRHyNq74

 

Jelili Atiku. Lagos in Red. 2014

http://africasacountry.com/short-documentary-on-lagos-performance-artist-jelili-atiku/

 

Licra Enterisa. (Foto de catalogo de productos)

http://fr.aliexpress.com/item/Full-body-lycra-spandex-zentai-catsuit-light-brown-Leotard-S-XXL-costume-A001/553827127.html

 

Brittany Chavez. Feminicidio. De eso no se habla. 2013

https://www.youtube.com/watch?v=HMfaMpa3WEI&list=UUPaM4M7XB5tbCSUfv8HIWHw

 

Chiharu Shiota. Becoming Paint.1994

http://www.nastymagazine.com/digital/art/4341/chiharu-shiota

 

Melissa Aguirre. Intra Melissa. 2010

http://melissacorporalidad.blogspot.com/

 

  1. Sobre el uso de carne cruda

 

Dimitry Tyskalov. Meat Series. 2008 (Escultura y Fotografía escenificada)

http://dimitritsykalov.com/ – meat

 

Abel Azcona. Dirty Meat.

http://www.abel-azcona.com/dirty-meat

 

Jana Sterback. Vanitas: Flesh Dress for an Albino Anorectic 1987 (Escultura y Fotografía escenificada)

http://janasterbak.com/imageoeuvre/index.php?album=vanitas-flesh-dress-for-an-albino-anorectic/

 

Meme. Anonimo. (Meme encontrado en una pagina de absurdos polaca)

http://www.wiocha.pl/1107509,Eurowizja-2015

 

Tania Bruguera. El Cuerpo Del Silencio. 1997-1998 y El peso de la culpa 1997.

http://www.rtve.es/television/20101129/tania-bruguera/383517.shtml

 

Gabriela Rivera. Bestiario y Presentación Personal. 2012 / 2004-2006 (Objetos y Série Fotográfica)

https://www.youtube.com/watch?v=OwBPv2nt6d8

http://gabrielarivera.blogspot.com/p/portafolio.html

 

Tate Mosesin. Every Band Has A Shonen Knife Who Loves Them. 1989 (Fotografia para caratula de album punk)

http://tralfaz-archives.com/coverart/V/Various/VA_shonen.html

 

Max Provenzano. ¿Somos Carne? 2013

http://maxprovenzano.tumblr.com/post/49392427551/somos-carne-performance-fugaz-2da-feria-de

https://www.youtube.com/watch?v=uemUtE9XwVM

 

Johannes Deimling. All Saint. 2011.

http://www.youtube.com/watch?v=PYlz3IfidKI

 

Day Wihtout Meat. Animal Equility. (Grupo de Activismo de Barcelona por el derecho de los Animales)

http://www.youtube.com/watch?v=dUXfcHFIfVk

 

Zhang huan 1/2 (Meat). 1998 (Fotografia) My NYC. 2002.

http://www.zhanghuan.com/ShowWork.asp?id=20&iParentID=1

https://www.youtube.com/watch?v=KQTRI_eXo8M

 

Bacon Bikini Sessions (Serie de fotografias Semi-Pornografica site fetiches aleman)

http://www.wurstgott.de/?attachment_id=308

 

Raw Meat Models (Meme / Session de fotografía de moda)

http://thecrazypins.com/category/bacon-crazy/

 

  1. Sobre el uso de sangre o pintura roja en alusión a esta

 

Julie Andreé T. Unexpected Thought. 2002 y Viva! 2006

http://www.foi.sg/foi6/index.php?/project/julie-andree-t-canada/

https://www.youtube.com/watch?v=8so3p5gM1u4

http://vivamontreal.org/archivesen/2006-2/julie-andree-t/

 

Naivy Perez. S/T Acción No.1 2004

http://naivyperez.blogspot.com/p/performance.html

 

Ron Athey. Self Obliteration #1: Ecstatic 1 y 2. 2011

https://www.youtube.com/watch?v=yXpSqcCO8QU

http://vimeo.com/33845331

https://www.youtube.com/watch?v=lA6M5vADGtI

 

Zhang Huan. Angel 1993

http://www.zhanghuan.com/ShowWorkContent.asp?id=45&iParentID=44&mid=1

http://www.zhanghuan.com/ShowText.asp?id=19&sClassID=1

 

Maria AA. La Alfombra 2009

http://www.elrollohigienico.com/index.php?option=com_content&view=article&id=898:proceso-publico-de-maria-aa-en-la-galeria-weber-lutgen-de-sevilla&catid=68:noticias-artes-plasticas&Itemid=139

 

Regina José Galindo: Quien puede Borrar las huellas. 2003 y Ablución 2007.

https://www.youtube.com/watch?v=SDTLipg9vMc

http://hemisphericinstitute.org/hemi/pt/galindo-huellas

http://artpulsemagazine.com/bodily-remarks-the-performance-art-of-regina-jose-galindo

 

Abel Azcona. Primal Wound y My body mu rules. 2012 / 2013

https://www.youtube.com/watch?v=ka1sPAfxjDs

http://www.abel-azcona.com/my-body-my-rules

 

Poky Alejandro Zertuche. 21 y ni 100. 2011

http://mtyperformanceart.blogspot.com/2011/04/accion-21-y-ni-100.html

 

Carlos Espaliu y Abajo Izquierdo. 4 Cadenas.

http://www.abajoizquierdo.com/en/2012/02/02/4-cadenas/

https://www.youtube.com/watch?v=7Qjx9jrZZdY

Dominic Johnson. Vision of excess Night. The International Performance Festival 2009 at Warehouse9

https://www.youtube.com/watch?v=THfuWFbWWT4

http://www.body-pixel.com/2011/01/25/interview-with-dominic-johnson-on-pain-and-performance-art-embodiment/

 

Paul McCarthy: “Sauce” (1974)

https://www.youtube.com/watch?v=jfdacEJgqy4

https://www.rochester.edu/in_visible_culture/Issue_14/pdf/clevine.pdf

 

Abertura Vaginal. Mi cuerpo mi sangre mi templo. 2013 (Grupo de activistas feminine de Malaga)

http://vimeo.com/83051597

http://revistaelobservador.com/sociedad/7353-video-una-enorme-vagina-de-mas-de-un-metro-de-altura-procesionada-por-las-calles-de-malaga-al-grito-de-viva-mi-con

 

Franko B. Mama I can’t sing. 1995

http://www.jstor.org/discover/10.2307/1146718?uid=3737808&uid=2&uid=4&sid=21104709330493

https://journals.ku.edu/index.php/jdtc/article/viewFile/3393/3322

https://www.youtube.com/watch?v=ic6fOEkpiko (I miss you)

 

Beth Moyses. Lecho Rojo. 2007

https://www.youtube.com/watch?v=2pambKQDhrk

 

Sarah-Jane Grimshaw, Untitled. Festival Internacional de Performance “Ensemble of Women”. 2007

http://www.canalcontemporaneo.art.br/arteemcirculacao/archives/001515.html

 

Nezaket Ekici. Torch in the wind (Fackel im Wind). 2006

http://www.ekici-art.de/_e/art/performances/project_detail.php?id=65

 

Ursula Ochoa. Domesticas. 2012

http://ursula8a.blogspot.com/2011/09/domesticas.html

 

  1. Sobre hacer pintura vaginal

 

Francis O’Shaughness and Sara Letuorneau. Notre collation 2010. Bienal de Performance 7a*11d

https://www.youtube.com/watch?v=KyYHq4L5X8M

 

Lilibeth Cuenca Rassmussen. The Void. 2008

http://www.lilibethcuenca.com/A-Void

 

Cristina Padura. Sin Titulo Sin año. Pinturas con mestruación.

http://hormigaciones.blogspot.com/2007/06/cristina-padura.html

 

Miro Milo. The Plop Egg. 2014

https://www.youtube.com/watch?v=wRM_Wyj7elI

http://www.milomoire.com/?p=466

https://www.youtube.com/watch?v=wKFZOIv5sS0

 

Lauren Barry Holstein. cABARET / sPLAT

http://vimeo.com/thefamouslbh

 

Sue Casa y Lydya Brunch. Loving Hair Vagina Painting 2014

http://www.somarts.org/workmore-womenhouse/

 

Lina Pardo Ibarra. Una Mujer de Rojo. 2013

http://esferapublica.org/nfblog/una-mujer-de-rojo/

https://www.youtube.com/watch?v=5moXbgsoK7g

 

Su Ping e Ron San. Bu Zhi Dao / Don’t know. 2010

http://www.globaltimes.cn/content/535227.shtml

http://cimitan.blogspot.com/2011/05/shigeko-kutota-e-vagina-painting.html

 

Shigeko Kubota. Vagina Painting. 1965

http://www.artnet.com/magazineus/features/saltz/saltz4-7-08_detail.asp?picnum=2

 

  1. Sobre embadurnarse con pintura, alimentos o fluídos sobre el cuerpo

 

Nicole Soden y Eliú Almonte. Yelidá en agua dulce. 2012

https://www.youtube.com/watch?v=V6JWcd28JbI

https://www.youtube.com/watch?v=0QALA3PQjqE

 

Johannes Deimling. Being friends [what’s in my head #13] 2010

http://bbbjohannesdeimling.de/index.php?/hidden/whats-in-my-head-14–being-friends–2010/

 

Otto Muehl. Wehrertüchtigung 1967

http://www.ubu.com/film/muehl_wehrer.html

 

Nacho Ramírez. Flowing self-portrait. 2006 y Flowing Figures 2007 (Video Performance)

https://www.youtube.com/watch?v=SLkBgKVtpHI

http://www.nacho-ramirez.com/video-videoperformance/

 

Sarah Sitkin. Fotografia do Baseck (Foto do DJ de L.A. Baseck)

http://www.sarahsitkin.com/post/36630403896/baseck

 

Nohemí Peña Vera y José Luis Romero Chino. Rojo Impune. 2009

http://www.corneta.org/no_94/evento_de_performance_horasperdidas.html

 

Protomartires. Jose Alejandro Restrepo 2010 / Actor Cesar Badillo. (Video Performance)

http://hemisphericinstitute.org/hemi/es/restrepo-entrevista

 

Robert Melee. Splosh- 2011 (Set up para serie fotografica)

http://robertmelee.com/video-splosh.html

 

AJ Splosh Girl. Accords Perdus Borderline Biennale. 2011

http://vimeo.com/tag:aj+splosh+girl

http://vimeo.com/26108224

http://youtu.be/-tf8XFS2RMs

 

Carry Flag. Nutella Priest. 2013

https://www.youtube.com/watch?v=bdFi9Lab5eU

https://www.youtube.com/watch?v=o-96erIM50o

http://boingboing.net/2013/02/24/nutellaaarrghhhh.html

 

Cynthia Rowley y Olaf Breuning. Splash. 2010.

http://www.moma.org/explore/inside_out/2010/10/25/art-and-fashion-team-up-for-move-at-moma-ps1

 

Nacho Ramirez. Choco Adiction. 2007 (Video Performance)

http://www.nacho-ramirez.com/performances/

 

Alanna Lynch. Untitled performance (Nutella). 2013

http://alannalynch.wordpress.com/2014/06/20/untitled-performance-nutella/

 

Jurgen Scholl. (Diseñador y Marketing Aleman)

http://www.displayartist.de/

 

Olaf Breuning y Cynthia Rowley. Splash. 2010

https://www.youtube.com/watch?v=WjiXiHEm02I

 

Eric Paul Owens (EGGS) FODIE! 2010 (Libro de fotografo)

https://www.flickr.com/photos/ajaxserix/sets/72157607910010016/

http://www.ericpaulowens.com/foodiepo

 

Meg Watcher. Dumped! 2007 (Serie Fotografica)

http://www.megwachter.com/about

http://www.divinecaroline.com/entertainment/dumped-fourteen-reactions-getting-covered-goop

http://vimeo.com/1269868

 

Hector Canogne. Hombre de Barro. 2013

https://www.youtube.com/watch?v=3frBJmgrkI8

 

Mess Mistress’s .Sploshing Honey B (Usuaria de Youtube – Fetichistas virtuales)

https://www.youtube.com/watch?v=yD8xAhdLR7k

 

Karen Finley. Fotografias de presentacion de la artista para su pieza Shut Up and Love Me tomadas por Timothy Greenfield-Sanders.

http://www.greenfield-sanders.com/image/karen-finley-honey-grid-1

 

The Splosh Restaurant.

http://flickrhivemind.net/Tags/splosh/Recent

 

  1. Sobre envolverse lanas, cabellos, cordones, sogas, cintas o alambres a la cabeza

 

Micheline Torres. Carne. 2008 (Danza Contemporanea)

https://vimeo.com/67842109

http://www.bienaldedanca.com/atividades-bienal-de-par-em-par-2010/micheline-torres

 

David Masllorens. Aktion mit dem Kopf. 2011 (Video performance para proyección durante performance Muestrarte)

https://www.youtube.com/watch?v=JhQVB5_NTak

https://www.youtube.com/watch?v=JMf0ri8cw4E&list=UUY90mYNkbPrcwQvlUk-DZAw

 

Laura Armstrong. Facial Manipulation. 2013 (Serie de fotografías)

http://lauraarmstrongartworkfoundation.wordpress.com/2013/09/26/annegret-soltau-response-facial-manipulation/

http://lauraarmstrongartworkfoundation.wordpress.com/2013/09/26/soltau-albert-watson-response-edits/

 

Gilivanka Kedzior y Barbara Friedman. Double Bind. 2010

https://vimeo.com/20869798

https://vimeo.com/74813798

 

Ryoko Suzuki. Bind. 2001 (Fotografias)

http://www.brooklynmuseum.org/exhibitions/global_feminisms/suzuki.php

http://www.brooklynmuseum.org/eascfa/feminist_art_base/gallery/ryokosuzuki.php?i=1612

 

Gim Gwang Cheol. Memory Loading. 2006.

https://www.youtube.com/watch?v=iNC2T536bjc

 

Mike Parr. Close the camps. 2002.

http://www.themonthly.com.au/mike-parr-close-concentration-camps-2002-performance-art-anne-marsh-4006

http://artasiapacific.com/Magazine/62/DecapitationsAndProtestationsCutBurnStitchAndDrawMikeParr

https://www.youtube.com/watch?v=ljtZsmEHxT0

 

Melissa Aguirre. Acción sin titulo. 2007.

http://melissagarciaaguirre.weebly.com/2007.html

 

Otto Muehl. Kardinal. 1967

https://www.youtube.com/watch?v=8xs5wiLbQZA

 

  1. Sobre escribirse en el cuerpo o permitir que escriban sobre él

 

Zhang Huan. Family Tree. 2000

http://www.zhanghuan.com/ShowWorkContent.asp?id=27&iParentID=18&mid=1

 

George Pfau. Transfer Drawing. 2009

http://www.georgepfau.com/art/transfer-drawings#

 

Niña Yhared. Historias de mi piel. 2013

http://www.yhared.com/

 

Marina Widén. Subcutis. 2012

http://veniceperformanceart.tumblr.com/post/38086345213/la-cosa-piu-importante-un-resoconto-delle-giornate-di

 

Darren Saravis. Codes of Conduct Book. 2009 (Libro de fotografías)

http://www.darrensaravis.com/

 

Marleny Pineda Montoya. Performance. 2006.

http://newidentityofwomen.free.fr/artistes/marleny/

 

Vortexgrey. To Write Love On HIS Floor. 200

http://vortexgrey.deviantart.com/art/To-Write-Love-On-HIS-Floor-86740982

 

Milo Moire. The Script System.

https://www.youtube.com/watch?v=fp3kRUoPwhY

 

Gabré kvadratu. Performance Art. 2012

http://notharuhi.deviantart.com/art/Performance-art-tranc-309513582

 

Dennis Oppenheim. Two stages tracing drawing. 1971

http://www.dennis-oppenheim.com/early-work/153

http://www.medienkunstnetz.de/works/two-stage-advancing/

 

  1. Sobre uso del hielo

 

Nico y Katiushka. Melt. 2008

http://www.nicoykatiushka.org/index.php?/project/melt/

http://www.artishock.cl/2011/08/chile-en-la-bienal-del-museo-del-barrio/

https://vimeo.com/36037600

 

Yara Molina. Artificio del Consuelo. 2006 (Escultura)

http://www.criticarte.com/Page/file/art2006/ArmandoMigulzYaraAlmoina.html

http://issuu.com/xanygonzalez/docs/revista

 

Tom Pain. Grupo Reforma. 2011. (Monologo Teatral – Gerardo Trejoluna)

https://www.youtube.com/watch?v=81agtEHqu5M

https://www.youtube.com/watch?v=Uf5iCSWIw4k

http://www.youtube.com/playlist?list=PL4C77998C0DF1EF5D

 

Overflow, a reinvention of Allan Kaprow’s Fluids by the LA Art Girls, The Getty Center, 2008

http://www.getty.edu/research/exhibitions_events/events/overflow/video.htm

https://www.youtube.com/watch?v=RZ_FAgfJsss

 

Zhan Huan. Pilgrimage Wind and Water. 1998

http://www.zhanghuan.com/ShowText.asp?id=14&sClassID=2

 

Allan Kaprow. Fluids. 1963-2005

http://www.tate.org.uk/context-comment/blogs/performance-art-101-happening-allan-kaprow

http://www.art-agenda.com/shows/allan-kaprow-fluids-19672005/

 

Paul Kos. Glacier Golf. 1982 (Fotografia)

http://www.artnet.com/artists/paul-kos/glacier-golf-a-xwHC3hYaYpVF2C_WqPjO7w2

 

Melissa Aguirre. Auto retrato en Hielo. 2005

http://melissacorporalidad.blogspot.com/

 

Christine Brault. Latina del Norte 1 y 2. 2013

http://catarsisdiaria.wordpress.com/2012/08/20/el-arte-nos-cria-y-la-performance-nos-junta-en-miami/

 

Marina Abramovic. Lips Of Thomas. 1975/2005

https://www.youtube.com/watch?v=dRVJo8AQs5E 2005

http://www.li-ma.nl/site/catalogue/art/marina-abramovic/thomas-lips-1975/7215#

http://www.moma.org/explore/multimedia/audios/190/2000

 

  1. Sobre hacer action painting

 

Abajo Izquierdo. Start Again. 2012

http://vimeo.com/69762683

https://www.youtube.com/watch?v=7Qjx9jrZZdY

 

Lee Wen, Jiang Jing, He Liping. Anthropometry Revision: Yellow Period (After Yves Klein) 2008

http://leewen.republicofdaydreams.com/anthropometries.html

http://www.scribd.com/doc/46874893/Anthropometry-Revision-Lee-Wen

https://www.youtube.com/watch?v=l6XTGnAS_ss

http://leewen.republicofdaydreams.com/journey-of-a-yellow-man.html

 

Lilibeth Cuenca. Nevermind Pollock. 2013 y Void 2007

http://www.kunsten.nu/artikler/artikel.php?iperformancekunstenkanmanikkegemmesig

https://www.youtube.com/watch?v=kTSnHs80508

https://www.youtube.com/watch?v=vwAirpTRL5M

 

CULTUREBOT ephemeral evidence. Giant Yves Klein All Out Attack. 2012.

http://www.culturebot.org/2012/04/12826/culturebots-ephemeral-evidence-at-exit-art/

http://www.culturebot.org/2012/04/13187/culturebots-ephemeral-evidence-live/https://vimeo.com/43107931

 

WILD’Hiroyoshi Takeda, Oyogu Hirasakana, Takuma Kobayashi, Shinji Kashima Action, Ribido orchestra, Yuta&Itaru, Juri Tanaka, Kazuki Ohta y Kenzi. Design Festa vol.19. 2006.

http://hiroyoshi-takeda.com

https://www.youtube.com/watch?v=3JDJJmpMWSU

 

Inti Pujol y Jose Diego. El terror de los degenerados. 2013 y Extracción. 2011

http://vimeo.com/76575175

https://www.youtube.com/watch?v=AMfq4yThNRY

 

Julie Andreé T. Death Nature. 2012

http://vimeo.com/54636588

http://www.fta.qc.ca/fr/spectacles/2012/nature-morte

https://www.youtube.com/watch?v=ofDk8cbmqPM

 

Maria AA. Homenaje a Yves. 2007

http://vimeo.com/21489581

 

Janine Antoni. Loving Care. 1964

http://www.pbs.org/art21/images/janine-antoni/loving-care-1993

http://www.marthagarzon.com/contemporary_art/2011/01/janine-antoni-loving-care-lick-and-lather/

 

Alex Ayala. Flickr. 2012 (Fotografia)

https://www.flickr.com/photos/64193099@N03/

 

Andrea Seeber. Untitled. ¿Año?.

http://www.clarin.com/sociedad/Performance-Artista-Galeria-Vasari-Fernando_5_538196177.html

 

Anka Leśniak. Leaction painting 1. 2008.

http://www.ankalesniak.pl/action_painting2008.htm

http://www.dailymotion.com/video/xe5qse_anka-lesniak-body-of-art_creation

Jorge Brantmayer. Blanco. ¿Año? (Fotografia).

http://www.galeriaanimal.cl/ediciones/jorge-brantmayer/

 

Mike Shane y BellaVolen. Action Painting (Empresa profesional de Body Paint en Alemania)

http://www.bodypainting.at/

 

Peter Ziegler. Action Painiting In Assamstadt. 2014 (Fotografia de Moda)

http://www.peterziegler.net/galerie/action-painting/

 

Margo Onnes e Kim Schonewille. Imagen para Marketing de VAK Workshop. 2013

http://aangeschotenwild.com/2013/programma/sncultuurplein/workshop/?lang=en

 

CollagueLOW

Collague de imágenes sin información.