El Retrato Familiar

RE-conociéndonos en ArtBo y La Otra

Todos hemos experimentado ese sentimiento extraño de ver en nuestros álbumes familiares, retratos de personas que por más que nos repitan, no consideramos “familiares”, aparece la tía y sus hijos que ni siquiera conocíamos, la prima hermana de la mamá, que ignorábamos existía, los papás de nuestros papás que ni siquiera recordaban nuestro nombre. Nosotros mismos somos los más extraños en esas fotos. Lo familiar en realidad es todo menos familiar, sin embargo aunque “ilusión bien fundada”  LA FAMILIA se establece como algo a lo que no podemos decir que no, algo casi que sagrado; lo cierto es que nos avergonzamos de ella, de sabernos parte, quisiéramos desconocerla y sin embargo la re-conocemos y en ella también nos re-conocemos, somos parte de ella, es inevitable.

En esta semana que termina, fuimos testigos de uno de esos RETRATOS, aquellos en que necesitamos nombrar a cada uno de los fotografiados para recordarlos, como podríamos olvidarlos. Los retratados no son los primos, o los tíos, son algunas de las acciones repetitivas (llámese comentario, habito, figura, discurso, personaje, etc.) que siempre se hacen presentes en acontecimientos del tipo de ArtBo y La Otra. A continuación propongo algunos de ellos, no sin antes reconocer el olvido momentáneo de muchos de ellos que seguramente se ofenderán al no ser tenidos en cuenta para la foto. Así mismo me imagino que en las manos de alguien (anhelo) existe otro “retrato”, en el que los miembros fotografiados en realidad hagan parte de lo que queremos llamar arte, de ser así, por favor compártanoslo.

En el RETRATO aparecían en orden de derecha a izquierda:

-Los protocolos almidonados (tiesísimos como izadas de bandera) que valoran más los “marcos” que las obras. -Las grandes frases como: La vitrina del arte, plataforma independiente e interdisciplinaria, la rigurosa selección, abierta a todos los públicos, acceso a mas de tres millones de personas al mundo del arte, arte vivo como política distrital, en un espacio de interacción constante entre los participantes, una Bogotá llena de arte, a partir de hoy el arte esta donde lo quieres ver, no, La Otra, la callejera…-El desorden, en apuestas interesantes que se pierden precisamente por este. -La cantidad de figuras importantes como El doctor y La doctora, que pasan por ahí, como si de verdad por fuera de este retrato les interesara EL ARTE. -El ir para que me vean y no para ver. -Los bordes tenues, entre la improvisación y él: se me salió de las manos. -Las masas que recorren y que jamás compraran arte (joven). -Las frases que mueren como frases: es que es in situ, sin embargo  ¡ha este berraco espacio con tanta humedad! Y tómele la foto pero que no se vea el hueco en la pared  o eso cuélguelo ahí.– Las boletas carísimas, perdón bonos o donativos.-Los vigilantes, que recuerdan constantemente que eso es arte, no lo puede tocar, ni fotografiar.-Las conferencias interesantemente planteadas y generalmente poco visitadas, las otras solo planteadas. -El  criterio de compra, lejanísimo de todo lo que nos enseñan en las facultades de arte (y que nos creímos). -La sospecha de los que no expusieron sobre los que si expusieron: eso es pura rosca.  -La sospecha de los que si expusieron. Ellos también sospechan de los otros. -La creencia de que el arte en realidad es para todos. -El abuso del término “contemporáneo” para justificar cualquier proyecto, cualquier montaje, cualquier discurso. –lo lejano que sigue siendo el arte de otros que también hacen  arte. –las políticas culturales pensadas  por esos que no hacen parte del arte.

En fin desafortunadamente habrá que recordar  lo que dice Bourdieu sobre la familia:

Los ritos de institución (RETRATOS como estos) van a constituir a la familia en una entidad unida, integrada, unitaria y por lo tanto estable, constante, indiferente a las fluctuaciones de los sentimientos individuales.

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Isabel Kristina Díaz.


En Torno A Una Convocatoria Del Museo De Arte Contemporáneo

MAC – Hernández Mellizo http://d1.scribdassets.com/ScribdViewer.swf


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por Luis Hernández Mellizo


La Telaraña Global De La (pregunta) Retórica


Oh what a tangled web we weave, when first we practice to deceive!

Sir Walter Scott. Marmion

…because of age of mass travel stupid artists can move around the globe being well… stupid

Art Dog

La Pregunta Retórica, la pregunta sin respuesta, es un género literario tan antiguo como a la burocracia. El burócrata cultural, respondiendo a  la necesidad de sostener un sistema de Poder mediante una cadena de puestos inútiles, ha hecho de la Pregunta Retórica la justificación de su existencia. La relación factual entre la Respuesta y la Pregunta Retórica obviamente no existe, pero darse cuenta de ello lleva tiempo y ese tiempo debe ser financiado por alguien; ese tiempo perdido en no encontrar la respuesta al problema es el oro del burócrata y su poder sobre la colectividad se funda en la manipulación de la ansiedad continua y el juego de la expectación que la pregunta crea.

Gran parte de la adicción continua con la que el Arte Político, el nuevo drug dealer encargado del Lenguaje simbólico del Capitalismo Filantrópico, se basa en la producción contínua, fordista, en masa, de la Pregunta Retórica. La Pregunta Retórica se ha convertido en una carrera y una profesión como la Medicina o la Construcción. Y ¿Quién la promueve y la financia? El Estado. La Institución. La Corporación. El museo. La Universidad. En un terreno diferente a la cultura, obtener del Estado o la Institución  recursos para solucionar  un problema que con el tiempo se demuestra que no existe se llama corrupción. En el terreno cultural no. Allí, dilapidar el dinero en burocracia se llama Políticas Culturales.

La Pregunta Retórica básica – ¿Puede el arte incidir en un cambio social? – si tenemos en cuenta que ya había sido formulada durante la Revolución Francesa y que todo el arte de Jaques Louis David, como nuestro arte político del Siglo XXI, es un intento de responderla a través de la heroización del artista y del tema que lleve a una sociedad más justa, lleva reciclándose y proporcionando empleo mucho tiempo. La Pregunta Retórica es  la piedra angular del aparato de nuestro Arte Contemporáneo, que no es más que un reciclado del sistema Académico de David y el monopolio dictatorial de la burocracia académica de la Francia de la primera mitad del siglo XIX. Asimismo, la pregunta tipo lleva 200 años cuidándose con esmero de no ser respondida. No obstante, en nuestra era, la insistencia en su formulación, y su ausencia de respuesta, viene de los años 60. Hoy, en sus  rozagantes 40 años, se halla pandémicamente diseminada por toda la tierra.  Martha Rosler se la acaba de hacer de nuevo en enero del 2010. Take the Money and Run? Can Political and Socio-critical Art “Survive”? http://www.e-flux.com/journal/view/107, y lo que aún falta por venir desde esa dinámica de mutación del Logos corporativo es previsible. La única respuesta que parece ser clara es que – mientras sobreviva la telaraña de la especulación retórica y su flor más preciada, la Pregunta Retórica – el “Arte Político” y quienes se alimentan de él, no tendrán de qué preocuparse en términos de subsistencia material.

La industria de la Pregunta Retórica respecto a la función política del Arte debe ser, en principio y junto con la de la mismísima politización de la Estética, una de las industrias más poderosas y rentables sobre la tierra. Es un imperio que cada día es alimentado en cada rincón donde exista devoción por el discurso burocrático respecto al arte y, desde luego, donde haya un mercado para éste. Yace en la mismísima semilla del Turismo Cultural, uno de los rubros más importantes del mercado del Turismo contemporáneo. Erradicar los eventos basados en la Pregunta Retórica y erradicar la burocracia que vive de éste fenómeno, implicaría una catástrofe a nivel de empleo, a nivel de la industria del turismo y sobre todo la catástrofe del Sistema  mismo, que – sin un foco de distracción respecto a sus procedimientos sobre el manejo del capital y la legitimación y la voluntad de eternización de la pobreza a través de la estética, que es el papel que el Arte y la Teoría políticos cumplen en su nombre – quedaría totalmente expuesto al análisis político, ideológico y económico desde metodologías que ha evadido hasta ahora con relativo éxito.

El Altermodernismo de Bourriaud no es otra cosa que la mutación bacterial del desprestigiado Posmodernismo para seguir legitimando con nuevas vestiduras el turismo basado en la Retóricas de la Identidad.  La nueva “creolización” del artista, del curador y de la burocracia no es más que la Creolización del Turismo y da un nuevo aire a los eventos basados en la especulación sobre la función social del arte, cuyo código secreto de sucesiones binarias de inutilidad y su grosero colaboracionismo estaban siendo desnudados. El Altermodernismo no pasa a ser pues, más que una recodificación de la imperiosa necesidad de sostener a como dé lugar el sistema de bonificación corporativa y de servidumbre ideológica de la cultura a través del turismo y el populismo cultural. La manera eufemística de decirlo y venderlo en un lenguaje, que más posmoderno no puede ser, es imponderable:

“Artists traverse a cultural landscape saturated with signs, creating new pathways between multiple formats of expression and communication. The artist becomes ‘homo viator’, the prototype of the contemporary traveller whose passage through signs and formats refers to a contemporary experience of mobility, travel and transpassing [..]Altermodern art is thus read as a hypertext; artists translate and transcode information from one format to another, and wander in geography as well as in history”. Bourriaud. Altermodern Manifesto.

http://www.tate.org.uk/britain/exhibitions/altermodern/manifesto.shtm

Sin eufemismos ni latinajos, lo resume a su manera naif un comentarista profano en el blog Art&Politics de Art Review:

The basis of alter modernism is ‘it moves around a bit’ …because of age of mass travel stupid artists can move around the globe being well… stupid, and that’s ok?

http://www.artreview.com/group/artandpolitics/forum/topic/show?id=1474022:Topic:667645&page=1&commentId=1474022:Comment:667654&x=1

No sabemos a nivel de qué otros presupuestos se encuentra el presupuesto que el Capital cultural le dedica a la Pregunta Retórica. ¿Cuántos empleos dependen de que la Pregunta retórica exista? ¿Cuántos empleos se perderían si desapareciera? ¿Cuánta gente depende, para sobrevivir, pagar sus cuentas, sus hipotecas y sus vacaciones  –  aunque el capitalismo se ha encargado de te

Si tratáramos de examinar cuánto se ha gastado y se gasta el Capital Corporativo en aceitar ese sistema turístico de bonificación, privilegios y compinchería oratoria en torno a la especulación retórica sobre la relación entre Arte y Política, el problema se vuelve inconmensurable. Cuánto se ha gastado y se gasta en artistas, curadores, filósofos, teóricos, críticos, conferencistas, directores de Museo, directores de Colección y profesores, en organizar Bienales, Foros, Ciclos, Conferencias, Encuentros, Convivencias, Fiestas, Paseos, Tumultos, Cafés, Conciliábulos, Performances… En pasajes, hoteles, limosinas, taxis, residencias, honorarios, viáticos, cenas, almuerzos, chicas, chicos, clubes, psicotrópicos, alcohol y perfumes… En luces, sonido, video, refrigerios… souvenirs

Ésta que presento al público, es solo una pequeña antología de eventos basados en la Pregunta Retórica. El material  que se encuentra a diario en Internet es infinito. Las preguntas y sus exóticas y variopintas expresiones posmo tomadas de la retórica de la “rebelión”, del “desastre”, de la “hostilidad” y de la “rabia” están en negrillas. El escenario burocrático en el que se dieron está en letra standard. Las respuestas, claro está…en ninguna parte.

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¿Qué hacer de la pregunta  « ¿Qué hacer?»? ¿Qué hacer? Pensar lo que viene. ¿Toca? Y entonces ¿cómo hacerlo? ¿Qué hacer? y ¿qué hacer de este imperativo? ¿En qué tono tomarlo? ¿Desde qué altura?¿De dónde viene el aplomo en general?Aplomo. Llamemos. ¿Qué es lo que llamamos aplomo?¿qué hacer? ¿qué vamos a hacer con la tierra? «¿qué hacer?», si no por una doble interrogación: -«¿Qué hacer de la pregunta “¿qué hacer?”?».

Derrida. Jacques Derrida y Alain Minc, «Penser ce qui vient», Le Nouveau Monde  (París), 92 (1994), pp. 91-110. Traducción de Bruno Mazzoldi en El tiempo de una tesis. Desconstrucción e implicaciones conceptuales, Proyecto A Ediciones, Barcelona, 1997, pp. 29-39. Edición digital de   Derrida en castellano. http://www.jacquesderrida.com.ar/textos/que_hacer.htm

What is at stake when artists, architects, curators, organisers and other cultural producers facilitate bricks-and-mortar change, on the ground in cities, with citizens, communities and institutions?
How do we test the interrelationships between the practices of artists and urban policy makers?
What is the metric that we might utilise to determine effectiveness?
And what do we mean by effectiveness?
Critical effect? (Or, for that matter, critical affect?) The putatively emancipatory outcome generated by some kind of new situational knowledge?
Or, is it a question of generating ambiguity, per se, as a means of problematising hegemonic political, economic and cultural formations?

Joshua Decter. Art and Its Cultural Contradictions.
http://www.afterall.org/journal/issue.22/art.and.the.cultural.contradictions.of.urban.regeneration.social.justice.and.sustainability

¿Cómo pensar la política?

Seminario “Política, policía, arte”. Con la presencia de Gustavo Chirolla como conferencista principal, el Programa de Bellas Artes de la UJTL sigue adelante con el Seminario “Política, policía, arte”, que tiene su tercera charla el miércoles 03 de marzo, en el Hemiciclo de la Biblioteca de la Tadeo. http://boletin.utadeo.edu.co/index.php?option=com_content&view=article&id=661&catid=65

¿Pero…, de qué vive un artista en Colombia?

Esta es una pregunta recurrente entre la gente  que converge en los diversos ámbitos del arte; sobre todo si se trata de un artista contemporáneo en sus manifestaciones más radicales y experimentales.
Durante los días 25, 26, 27 y 28 de enero en el auditorio del Banco de la República de Popayán se dará cita a artistas, críticos, curadores, gestores, productores,  docentes, estudiantes, en nombre propio y en representación de entidades que tienen que ver con la investigación, el desarrollo y la promoción del arte en Colombia.
http://www.mincultura.gov.co/?idcategoria=33838

¿HOW MIGHT ART take measure of the multiple mutinies and upheavals that currently beset global society?…
How might art become integral rather than peripheral to the widespread challenge that affects not only the production of art but its reception as well, particularly in light of the deleterious effects of reactionary, conservative and fundamentalist politics on all world social formations today?
What is the current world picture?
How has it changed since the postwar period in Europe,
and since decolonization opened up Africa, Asia, and South America?
As the world order built on First, Second, Third and Fourth World divisions implodes, what arrange-
ments of power are emerging?

Okwui Enwezor, The Unhomely: Phantom Scenes in Global Society. http://www.terryesmith.net/texts/TS_CreatingDangerously.pdf.


¿Cuál es el status de la imagen?
¿Cuál es su grado necesario de visibilidad (o invisibilidad)?
¿Cuáles son sus posibilidades de hacer y deshacer, de traducir verdad o falsedad?
¿Cuál es la elocuencia de la ausencia, de lo latente y de lo potencial?
¿Cuáles son las operaciones artísticas que intervienen en estas reflexiones?
¿Cómo aproximarse desde el territorio del arte a los problemas políticos, sociales, económicos y raciales, para resignificarlos?
¿Cómo transformar los modos establecidos de representación, muchas veces arbitrarios e impuestos, a partir de nuevas miradas críticas?
¿Cómo cuestionar la noción misma de la representación?
¿Qué rol cumple el arte ante una realidad compleja?
¿En qué medida tiene sentido estudiar el rol de la representación en diálogo con otros artistas latinoamericanos o internacionales, o con la propia historia?
¿ Dentro de este núcleo están las siguientes exposiciones regionales:¿Cuáles son los modos posibles o deseables de participación?
¿Cuál es el límite entre el arte producido por artistas para y con las comunidades y un programa social?
¿Cómo resguardar al arte de los imperativos de lo políticamente correcto?
¿Cómo educar desde el arte?
¿Puede hablarse de una dimensión ética en el arte, y en tal caso, qué efectos conlleva?
¿Cuál es la relación entre pedagogía artística y obra de arte?
¿Cómo provocar la mirada artística?
¿Cuál es la necesidad de la acción?

Comité Curatorial, 41 Salón Nacional de Artistas.Wilson Díaz, José Horacio Martínez, Oscar Muñoz, Victoria Noorthoorn y Bernardo Ortiz.http://salonesdeartistas.com/41sna/posici%F3ncuratorial.pdf

¿Cuál es la relación existente entre Arte y Política? ¿Cómo se articulan estas nociones y como se afectan la una a la otra? ¿La relación entre arte y política fundamental en la Modernidad, lo es hoy en la contemporaneidad?

Para poder develar estos interrogantes, entre otros, trataremos de abordar la noción de política y la noción de arte a la luz de procesos y análisis artísticos y culturales, que se desprenden de los discursos teóricos, históricos y críticos de las diferentes disciplinas que conforman las Ciencias del Arte: la antropología, la psicología, la filosofía, la estética, la sociología, la historia, la teoría y la crítica.

Objetivos

  • Generar un espacio de orden teórico para desplegar los interrogantes que sean necesarios, en lo referente al estudio del Arte y la Política y sus complejas relaciones, tanto a nivel sociológico, psicológico, antropológico, artístico, filosófico, estético e histórico.
  • Configurar un terreno conceptual para acentuar la divulgación y consolidación de las Ciencias del Arte en el país.
  • Evidenciar la relación existente entre el Arte y la Política desde las Ciencias del Arte.
  • Propiciar un espacio de diálogo entre la ciencia y el arte, la investigación y la creación.
  • Divulgar las más recientes investigaciones realizadas alrededor del tema principal.
  • Reunir a los más importantes investigadores nacionales e internacionales interesados en la temática del seminario y unirlos en la red del proyecto Arte y Política.
  • Estrechar los nexos entre la academia francesa y la colombiana.
  • Consolidar los vínculos entre instituciones de educación superior del país que ofrecen programas de formación artística y programas de orden teórico.
  • Consolidar y estimular la creación del Centro Franco-Colombiano de Altos Estudios.
  • Dejar sentadas las bases de cooperación para el intercambio académico entre las universidades francesas y colombianas.

Metodología

Se proporcionará un material escrito a cada uno de los participantes con el fin de propiciar elementos de discusión y análisis y, así garantizar una discusión abierta durante la cátedra al final de cada sesión y en la mesa redonda.

El seminario está orientado a estudiantes, profesores y profesionales de diferentes áreas y disciplinas como Artes (cine, literatura, plástica, teatro, danza, arquitectura y diseños), Ciencias Humanas, Ciencias Médicas, artistas e investigadores interesados en las Ciencias del Arte y en la problemática tratada.  Estará abierto al público dentro y fuera de la comunidad universitaria.

Se realizará un libro con las ponencias de los participantes.

Ponentes no invitados

Recepción de ponencias desde el 1º de febrero, hasta el 30 de mayo de 2010. Las ponencias deberán portar sobre el tema Arte y Política y serán estudiadas y seleccionadas por el comité científico de la cátedra.

Comité científico

  • Juan Carlos Guerrero (Profesor U. Tadeo, miembro GICA)
  • Pedro Pablo Gómez (Profesor U. Distrital)
  • Ricardo Lambuley (Decano Facultad de Artes U. Distrital)
  • Carlos Eduardo Sanabria (Profesor U. Tadeo)
  • María Mercedes Herrera (Profesora U. Tadeo, miembro GICA)
  • Estela Barreto Álvarez (Vicerrectora Académica de la ESBA de Cartagena)
  • Carole Ventura (MAMC)
  • Ricardo Arcos-Palma (Profesor U. Nacional, Director Museo de Arte y coordinador de la cátedra-GICA).

Comité operativo

¿Pero por dónde comenzar a hablar de nosotros mismos?

Tendríamos que preguntarnos, ¿qué sucede en el contexto en el que se presenta el evento? Los curadores decidieron tomar como lema central una de las preguntas planteadas por Roland Barthes en uno de sus primeros seminarios en el Collège de France “¿Cómo vivir juntos?”

¿Cómo no pensar en la seriedad de esa pregunta  barthésiana llevada al contexto del arte, en un país donde el vivir juntos parece posible por paradógico que parezca, aunque marcado por una gran miseria y una gran diferencia racial y por ende social? En un país donde la miseria “convive” a unos pasos de la opulencia, donde el arte mismo es custodiado por esos personajes de negro, está pregunta replanteada desde el arte, sigue sin respuesta.

Ricardo Arcos-Palma. EL « CÓMO VIVIR JUNTOS », PERO NO REVUELTOS.
Vistazo Crítico a la Bienal de Sao Pâulo.

What is the political in political art? What can art do to make another world? What is the role of the exhibition, especially of projects that were made in an activist context, and what role does communication and networking play in art-making?

Sat 29th May | 2–4 pm | Artist as Activist, Art as Catalyst* | Speakers: Martha Rosler, artist | Zanny Begg, artist | Wong Hoy Cheong, artist | Choi Tsz-kwan, Ger, artist | Moderated by Manray Hsu, independent curator and art critic Backroom Conversations:
Presented by: Asia Art Archive
In conjunction with: ART HK 10
Supported by: Home Affairs Bureau, The Government of the Hong Kong Special Administrative Region, and Burger Collection

For more information: http://www.aaa.org.hk or visit AAA’s booth at ART HK 10

Nuestra pregunta  fundamental será entonces: ¿Cuál es el lugar que ocupa el cuerpo en las diferentes prácticas artísticas y culturales de la contemporaneidad?

Para poder develar, entre otros, este interrogante principal trataremos  de abordar el cuerpo a través de los mapas que crean las diferentes disciplinas que conforman las Ciencias del Arte: la antropología, la filosofía, la estética, la sociología, la historia y la crítica.

La primera versión de la Cátedra Franco-Colombiana de Altos Estudios, pretende reunir una serie de investigadores y artistas que han reflexionado y elaborado obra con el cuerpo. Contaremos entonces, con la participación de ponentes nacionales e internacionales de muy alto nivel, especialistas en el tema.

Bogotá, del 16 al 31 de octubre del 2008
Instituciones vinculadas y responsables del proyecto
Universidad Nacional de Colombia
Universidad Distrital Francisco José de Caldas,
Dirección Nacional de Divulgación Cultural, Universidad Nacional de Colombia.

María Belén Sáez de Ibarra. Dirección Nacional de Divulgación cultural, universidad Nacional de Colombia
Pedro Pablo Gómez. Coordinador Unidad de Investigación, Facultad de Artes ASAB Universidad Distrital, Grupo de investigación Poiesis XXI.
Ricardo Lambuley. Decano Facultad de Artes ASAB. Universidad Distrital. Miembro fundador de la Red Franco-Latinoamericana de Estética y Ciencias del Arte. Grupo de investigación COMA.
Ricardo Arcos-Palma. Director Grupo de Investigaciones en Ciencias del Arte GICA. Universidad Nacional de Colombia. Coordinador Académico de la Cátedra Franco-Colombiana de Altos Estudios.

Inscripciones
Del lunes 6 al miércoles 15 de octubre

Estudiantes U. Nacional – U. Distrital $ 25.000
Docentes, administrativos y egresados U. Nacional – U. Distrital $ 50.000
Estudiantes otras universidades $70.000
Particulares $100.000

Can Art Inspire Social Change and Contribute to a Sustainable Earth?
NZ Art Exhibit About Environment and Society http://artsociety.suite101.com/article.cfm/environment_society_and_art#ixzz0fHPvlPoH

¿Cuáles Son Las Claves De Una Política Cultural Progresista?

La pregunta “¿Cuáles son las claves para una política cultural progresista?” es inabarcable, obviamente, y el formato de la encuesta, una sola respuesta en pocos minutos, hace aún más irreales sus posibles resultados. Sin embargo la imposibilidad misma de contestar hace que una multiplicidad de apuntes, guiños y sugerencias vayan apareciendo para definir el sentido de este debate.
http://www.ojoatomico.com/cualesson/index.html

How can art effect political change?
Art 21.FLASH POINTS. March 12th, 2009

How can art effect political change? Art21: FlashPoint. April 1st, 2009

Is all art political? Is the very nature of art itself political? Can there be art without politics? Does art have the potential to transform the world? Art 21 http://www.pbs.org/art21/discuss/current/index.html

Por estos días la Facultad de Artes ASAB termina la selección de los maestros y maestras que entrarán a conformar su planta docente a partir de 2008. Entre otras preguntas, a los elegibles les han planteado reflexionar sobre la función crítica del arte. Mediante este criterio de selección se desea establecer en qué época viven los y las aspirantes, –se pretende establecer qué tienen en mente el elegible o la elegible en cuanto a las funciones del arte en la actualidad; un portafolio puede decir mucho del pasado, pero poco del presente.

Es función  del arte actual, ¿atestiguar visualmente los acontecimientos dolorosos o placenteros que modelan la sensibilidad, como creían en la Antigüedad? –¿Educar en la fe, tal y como se estableció en el Medioevo y en el arte de la contra-reforma? –¿Condicionar la sensibilidad como creían en el siglo XIX? ¿Formar para la libertad, como esperaban algunos ilustrados del siglo XX? –¿Producir imagen como pretenden algunos en la actualidad modernizante? –¿Construir formas alternativas para pensar, como creen otros artistas en la Contemporaneidad?
¿Cuáles son las funciones del arte en el tiempo actual? Esta pregunta genera otras subsidiarias: ¿cómo queremos configurar nuestra actualidad? ¿Visualmente, multiculturalmente? ¿Cómo criticabilidad? ¿Es la crítica algo deseable para una comunidad, o para qué tipo de comunidades? ¿En la visualidad y o en la multiculturalidad es realizable la crítica o tal vez ellas dificultarían su existencia? La pregunta con la que se ha puesto a prueba la solidez intelectual de los evaluadores y la de los evaluados no es ingenua. La pregunta prolífica es aquella que reta el intelecto de unos y otros

La función del arte ¿es el acompañamiento visual de los generales en sus campañas expansivas o defensivas? ¿Es el elogio de los atletas victoriosos en Olimpia? ¿Es la asistencia al sacerdote piadoso en su afán de asegurar sus pertenencias salvando el alma de sus feligreses? ¿Es complacer las expectativas de confort que nuestra época se ha encargado de generar en hombres y mujeres? ¿Es satisfacer la necesidad de irrealidad que generan nuestras angustias? ¿Es construcción de imagen como nos sugieren los Estudios Visuales? ¿Es un registro etnográfico como difunden hoy los Estudios Culturales? ¿Es asistencia social como desea el humanisum profiteer? ¿Es construcción de pensamiento crítico como único garante de la libertad? ¿Son cosas que significan porque abren horizontes de libertad?

La respuesta que construyamos habrá de determinar nuestra respuesta a las construcciones artísticas, –pretenderá solucionar nuestras inquietudes legítimas sobre lo que es arte, al establecer sus condiciones mínimas. Si la ética ha pensado para sí unos mínimos, ¿por qué el arte no puede explorar esta posibilidad?

Jorge Peñuela. La Función  Crítica Del  Arte. http://esferapublica.org/nfblog/?p=1117

¿Qué nuevas fuerzas centrífugas emergen en la cultura bajo la línea ecuatorial?
¿Qué saldos han tenido las políticas de inclusión?
¿Qué nuevos diagramas de poder han emergido con la inscripción del sur en el mapa artístico global?
¿En qué medida la práctica artística puede pretender tener aún alguna relación con el proyecto de la descolonización?

SITAC VII 2009
Séptimo Simposio Internacional de Teoría sobre Arte Contemporáneo
7 th International Symposium on Contemporary Art Theory
Director: Cuauhtémoc Medina
3.30-3.40   Cuauhtémoc Medina: Perdiendo el Norte
3.40-5.00 Nikos Papastergiadis/Jean Fisher/ Nelly Richard
Moderador: Cuauhtémoc Medina
5.00-6.00 Debate y ronda de preguntas y respuestas
6.00-6.20 Receso Receso
6.20-7.00 Doris Salcedo/Beatriz González conversan con Taiyana Pimentel
7.00-7.30 Preguntas y respuestas

How does the design of an architectural space affect social dynamics?
Can art stimulate social engagement and social movement?
This production-seminar was grounded in a literature drawing from art, architecture, cognitive science, sociology, and urban planning. This CAT 124 course was the recipient of a $5000 Open Classroom Challenge Grant from the UCIRA.
Social Architectures Course. Social Movement Laboratory.

In June of 2004 the New York Foundation for the Arts conducted an online poll concerning people’s attitudes regarding “political art” Of the 3000 or so individuals who responded, around 69% voted that “political art is boring”, 4% thought “politics should be kept out of art”, and 27% appreciated “political art”.

But what is “political art” and who defines it?
Who makes your art materials, how much are they paid, and under what conditions do they work?
Seen in such a context, can any work of art truly be above politics?
But what about the transcendent qualities of art, doesn’t that universality place the arts soaring above the corrupt world of politics and the vulgar materialism of society?
Doesn’t the spirituality of art keep it free from the constraints of avarice?
Doesn’t the mystical aspect of art place it above earthly and mundane concerns?

WHY ALL ART IS POLITICAL
Mark Vallen – October 2004
www.art-for-a-change.com

Can art create political change? Jackedobkin. Flickr.

Can Good Art be Political Art? Peter Cresswell
December 14, 2009

¿Cuál es la forma en que se lleva a cabo esa doble vida?
¿Cómo se produce al mismo tiempo que se organiza?
¿Cómo entienden los artistas su producir el sur para el sur?
¿Cómo se conectan estas líneas que rara vez se intersectan?

Sábado 31 de enero. Panel III
Desde el sur, para el sur: el despliegue de otra geografía
Centro Cultural Universitario Tlatelolco
10:00-11:30   Ricardo Basbaum, Magdalena Jitrik, Fernando Alvim, Roberto Jacoby. Moderadora: Daniela Pérez
11:30-12.30 Debate y ronda de preguntas y respuestas
12.30-12.45 Receso
12:45-13:45 Terapia intensiva: debate sobre el simposio a cargo de participantes de las clínicas. Moderadora: Mariana Botey
13.45-2.20 Raimond Chaves: Toque criollo
Enero 29-31
Clínicas I, II, III
Centro Cultural Universitario Tlatelolco
10.00-2.00
Clínica I. Zonas de disturbio, cartografías de la fractura
Responsable: Mariana Botey

¿Hasta que punto el SUR se prefigura como la inversión teórica de la trinidad: universalidad (globalización)-modernidad-capitalismo? ¿O es el SUR la interioridad espectral de la formación histórico-política del capitalismo como sistema mundo?

El énfasis de la clínica será el de establecer un contexto histórico-teórico al concepto-metáfora SUR como herramienta crítica en las prácticas culturales contemporáneas.

Is art a tool for political influence?
Can art embellish the world or art is a tool of political influence, a critical approach to society, conveying messages and aiming for the change? According to Gustave Courbet…

http://www.coursework.info/University/Social_studies/Sociology/Social_Theory/Is_art_a_tool_for_political_influence__C_L89482.html#ixzz0fHXa6gHY

Can Political and Socio-critical Art “Survive”? Martha Rosler .EFlux. 2010

http://e-flux.com/journal/view/107

Can it be decisive insofar as it effects political change which can be measured?
Perhaps such an art with such intent is castigated for its very ineffectiveness?

Art & The Political Seminar: Part 1
1st December 2006, Glasgow School of Art
Chaired by Craig RichardsonOrganiser: Dr. Ross Birrell (Research Assistant, Studio 55: Centre for Research in Fine Art Practice, GSA and Editor of online journal, Art and Research: A Journal of Ideas, Contexts and Methods.
Art & The Political Seminar: Part 1
1st December 2006, Glasgow School of Art
Chaired by Craig Richardson
Participants: Tanya Eccleston (Director of Research Centre for Art in Social Contexts, Programme Leader Fine Art, Head of Sculpture & Environmental Art, GSA), Chad McCail (Artist, Cumbria Institute of the Arts), Ross Sinclair (Researcher, Sculpture & Env Art, GSA), Alan Currall (Researcher, Sculpture & Env Art, GSA), Ken Neil (Head of Historical & Critical Studies, GSA), Chris Fremantle (On The Edge Research, Gray’s School of Art), Monika Vykoukal (Curator, Peacock Visual Arts Aberdeen), Justin Carter (Sculpture & Env Art, GSA), Minty Donald (AHRC Research Fellow in the Creative and the Performing Arts, Mackintosh School of Architecture, GSA), Craig Richardson (Chair) (Researcher, Oxford Brookes University), Sue Brind (Research/Sculpture & Env Art, GSA), Damian Sutton (Research Developer, School of Design & Fine Art, p-t Historical & Critical Studies), Klaus Jung (Head of Fine Art, GSA and Director, Studio 55: Centre for Research in Fine Art Practice), Dominic Hislop (Artist, Berlin), Oliver Ressler (Artist, Vienna), Kyle McCulloch (Artist, Glasgow – and editor of spoof art magazine Pear: A Journal of Art, Context and Enquiry), Ranjana Thapalyal (Researcher School of Design, and p-t Historical & Critical Studies, GSA).
Following this morning’s GFT lecture by Chantal Mouffe on agonistic democracy, this afternoon’s Seminar will focus upon two recent projects which engage in different ways with the concept of democracy and representation.

Is art just to be considered as ”advanced entertainment” or is it possible to detect a political
potential in and through art?
From the historical avant-garde, through the neoavant-garde and up to,
what can be labeled as the current “avant-garde”, the political dimension has always been of
immense importance, for both artists and critics. Through analysis of various case examples,
including theater, sculpture, painting, performance and film, we want to examine and discuss how
the political content is expressed in avant-garde art works. Are their political statements articulated
explicitly through their content or does it lie implicit in the artworks form?
Is it the social impact that enables us to distinguish art as political?
Can the collage-like form and inorganic nature of the movie be understood as a proposition
of a new form of community?
How does art regain an importance in society?
Can art play a role in a social transformation? – in
what form?

Through an analysis of Beuys performance (or aktion as he preferred) Coyote – I like America and
America likes me (1974), in which he lived together with a wild Coyote for 7 days, I want to
examine and discuss the political potential expressed through this work. How does this correspond
with Beuys’ theoretical framework, with its social and political orientation?

Jasper B.G. Riis-Hansen
Avantgardistic demands to politics-political demands to the avant-garde

Can art be political?
Can artists help to make a revolution?

Steps toward formulating a thesis
A thesis is an answer, but you have to start with a question.
What answer does George Grosz give?
What answer does John Heartfield give? What answer does Hannah Höch give?
Can there be more than one answer to the question?
https://eee.uci.edu/programs/humcore/Student/archives/Year2007-2008/Winter2008/LectureNotes/LNWk4-2_RGM_lec2_printerfriendly.htm

El arte, ¿para qué y para quién?

(mesa redonda sobre función social del arte)
Proceso, September, 2004 by ¡ Gonzà lez Rosas, Blanca
En un debate poco común, el pasado miércoles 22 de septiembre cuatro artistas enfrentaron y confrontaron ante estudiantes, el reducido y nulo impacto que tiene su quehacer en la opinión pública y en el devenir social en general.
Invitados por la División de Ciencias y Artes para el Diseño del plantel Xochimilco de la Universidad Autónoma Metropolitana (UAM-X), la crítica y artista visual Mónica Mayer, el curador y videoasta Iván Edeza, la performancera y activista cultural Lorena Wolffer, y la videoasta Ximena Cuevas, reflexionaron sobre la relación entre su quehacer y la sociedad….

Otro mundo es posible
¿Qué puede el arte?

# Autores: Aurora Fernández Polanco
# Localización: Estudios visuales: Ensayo, teoría y crítica de la cultura visual y el arte contemporáneo, ISSN 1698-7470, Nº. 4, 2007 (Ejemplar dedicado a: ¿Un diferendo “arte”?) , pags. 125-144

Can  Art Change the World? A Holistic Theory. Jerry Saltz. The Village Voice. Tuesday, Sep 5 2006

Can artists change society? – join the debate www.a-n.co.uk/forums

Can artists save the world?

Posted by Anna Maria Di Brina – 02 December 2009 17:29 Tracey Emin, Antony Gormley and others respond to climate change A large, parasite-like form has appeared on the façade of 6 Burlington Gardens, London So let’s go back to the original question: can art change the world? United Nations Environment Programme  World Environment Day 2007  Nobel Peace Center International Polar Year  Union of Concerned Scientists Tromsø Art for the Environment  BOZAR Centre for Fine Arts Mia Hanek

Can  art change politics, does politics determine art?

Forms of Resistance 11 & 12 October 2007 Seminar

Can art change politics, does politics determine art?

(www.vanabbemuseum.nl/seminar)

This two day discussion seminar reflects on some of the issues brought up in the exhibition Forms of Resistance. The seminar will introduce the exhibition and invite a number of artists, theorists and activists to discuss the political possibilities of the art field. Some of the questions addressed will include:

–         What are possible relationships between art and political action?

–         What role does aesthetics play in articulating the desire for social and political change?

–         How can we interpret the political desires of previous artistic

generations today and how does it impact on our understanding of the history of art?

Speakers Will Bradley, Marcelo Esposito, Charles Esche, Brian Holmes, Gerald Raunig, What, How, For Whom? and Marina Vishmidt.Information The seminar will be held in the Van Abbemuseum, Eindhoven 11th October 15:00 – 21:00 12th October 12:00 – 17:00

What kind of images are significant in these constructions of national identity? What is the relation between the interpretation of these images as a form of national capital and the process of globalisation, both of which have been increasingly criticised in the past two decades? And do national identities (and the art and popular-culture images attached to them) still matter when suprana tional communities and their related identities – such as the European Union – are quickly gaining ground? The symposium will also critically examine how the geographical model has become seemingly ineradicable in the academic and museological interpretation of art and visual culture: will we ever, or should we ever, abandon the concept of nationality as a primary structuring principle?

University of Amsterdam and the Van Gogh Museum Visual Culture and National Identity: A Symposium June 10-11, 2010 Lectures, discussion panels and research workshops With (a.o.): Susan Buck-Morss, Thomas Dacosta Kaufmann, Sudeep Dasgupta, Annet Dekker, Wessel Krul, Neil McWilliam, Griselda Pollock, Anthony Smith, Anna Tilroe and Kitty Zijlmans

Can socially engaged art do more harm than good? Are there ethical responsibilities for social art? Does socially engaged art have a responsibility to create public good? Can there be transdisciplinary approaches to contemporary art making that would contribute to issues such as urban planning and sustainability?

The artists involved in Open Engagement: Making Things, Making Things Better, Making Things Worse, challenge our traditional ideas of what art is and does. These artist’s projects mediate the contemporary frameworks of art as service, as social space, as activism, as interactions, and as relationships, and tackle subject matter ranging from urban planning, alternative pedagogy, play, fiction, sustainability, political conflict and the social role of the artist.

This years conference will host over 140 artists, activists, curators, scholars, writers, farmers, community organizers, film makers and collectives including: Nato Thompson, The Watts House Project, Linda Weintraub, Ted Purves, Henry Jenkins, Wealth Underground Farms, Brian Collier, Anne E. Moore, David Horvitz, Chen Tamir, and Parfyme.

Credits: Sponsors-RACC, PNCA, PSU, The Cyan Open Engagement planning committee—Katy Asher, Ashley Neese, Sandy Sampson, Crystal Baxley, Laurel Kurtz, Amy Steel, Lexa Walsh, Ally Drozd.j


Cuestiones Domésticas (en Torno Al Diálogo Con Nicolás Bourriaud)

Estábamos intentando escuchar las respuestas que el señor Bourriaud, concedía al finalizar la charla del día miércoles, en el marco de la II cátedra  franco Colombiana de Arte, cuando alguien preguntó algo sobre la política de los salones regionales y nacionales, la idea, creo, era recordar sobre la pertinencia de dicha organización, dependiente de cuestiones netamente locales, cuando se escuchaba en el auditorio de la mano de Radicante, la pérdida del origen, como condicionante para el artista de la altermodernidad. Los ojos del señor Bourriaud, daban cuenta de no entender mínimamente, a qué se referiría la señora que le insistía de nuevo, sobre dicha pertinencia; en la mesa, Jaime Iregui parecía ser el elegido para salvar al señor en cuestión de tan domestica pregunta. Lo cierto es que el avión ya salía para Cartagena y con la 26 en el estado en el que se encuentra tocaba parar ahí la cosa, y dejar toda otra pregunta sin responder, esperando que alguien en el auditorio, le explicara a la señora que por más que lo intentara, el señor invitado estaba imposibilitado de entender tan compleja pregunta. Compleja, no porque el traductor y él mismo no intentara captar el sentido de sus palabras, sino porque los significados fallan, aquí donde origen no tiene que ver con nacionalidad, sino con institución o con parentesco, o padrinazgo, aquí donde, lo interhumano esta mediado por condicionamientos sociales, donde, pensar en estética relacional nos obliga a pensar en sospechosos, más que en confiables, aquí donde para ser artista se necesita tener un conocido en la “capital”, y en donde al igual que lo que pasa en cualquier juzgado de nuestra ciudad, se escucha mencionar en las galerías o departamentos de arte, a tal o cual Señor, muy importante que conoce a otros tres también importantísimos, que lo pueden recomendar, mijito. Aquí donde  gozamos diciéndole a cualquiera Doctor, Maestro, o simplemente Su merced, en donde las cedulas reales, simplemente se transformaron en diplomas de universidades, digámonos la verdad, si importa de dónde se gradúa; no venga a decirme que no, pero no porque dude de las bondades de ciertos programas, sino porque simplemente allí es en donde usted podrá encontrar con quien RELACIONARSE, eso sí, ESTETICAMENTE RELACIONADO,  de acuerdo claro está con sus conveniencias, o los de su obra.

Entonces señor Bourriaud, mas que indicar la importancia de la traducción, tendríamos que hablar de adaptación, (chiviar es adaptar de alguna manera) creo que se sorprendería de las acepciones de significado que toman  los términos que su obra propone en nuestro contexto. Y en todo caso siempre será la fuerza de los hechos la que le gane a toda teoría.

Isabel Kristina Díaz.


El Paquidermo Contra La Mantaraya: Una Fábula Sobre La Libertad De Expresión En Colombia

“Os exhorto, por la sangre de Cristo, a que admitáis la eventualidad de que pudierais estar equivocados” – Anónimo (citado por S. Haffner en Memorias de un Alemán).

“Los derechos y las libertades o se usan o se pierden”. –Carl Sagan.

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Desde que Liliana Angulo cuestionó el contenido del artículo, con tono acre y mirada metálica, supimos que las cosas iban a complicarse. Cuando recibió la revista, la ojeó con avidez y pronto se encontró con un subtítulo en negrilla que dice: “Hablando con Jorge Jaramillo”. Él es su jefe y esa tarde estaba presente, también ojeando la revista y sumergido en un silencio conventual. En una inflexión efervescente, Liliana reclamó por el lenguaje empleado en ese artículo. Con un disgusto apenas disimulado, interrogó también por el contenido: ¿Cómo era posible que la entrevista con su jefe, Jorge Jaramillo -quien seguía al lado apretando los labios- hubiera comenzado con una pregunta que indagaba sobre supuestos “chanchullos” en la Fundación? A duras penas lograba atenazar su cólera. Se le respondió con monosílabos, con silencios que acaso reclamaban por la intromisión. El encuentro terminó más pronto que tarde, con una despedida tan cordial como tensa.

Para leer apartes de la entrevista con Jorge Jaramillo, pulse aquí

Pocos días después, el 27 de junio y por teléfono, se nos ordenó detener la distribución de nuestra revista. Nos citaron también a una reunión “de carácter urgente” con Jorge Jaramillo, para el día 30 de junio a las 5 de la tarde. Al conocer la orden, Edith, nuestra directora y la periodista del grupo, contrajo la frente y endureció la mirada. Le consultó a algunos abogados y les repetía: “Nos prohibieron distribuir la revista”, como buscando en ellos alguna señal del estupor que ella sentía. Pero nadie parecía perturbado. “Hay que ver…  Hay que ver por qué tomaron esa medida y qué es lo que quieren”, le respondían. Flotaba en el ambiente de la revista un aire de malos tiempos por venir.

La reunión “de carácter urgente” comenzó puntualmente. “Vamos a dejar todo por escrito”, dijo Jorge Jaramillo lacónicamente. Katia González, la funcionaria encargada de formación, asumió la tarea de leer el oficio que nos tenían preparado. Estaba fechado el 25 de junio. Flotando como cadáveres, en medio de ocho consideraciones y 22 sugerencias, se imponían dos órdenes directas. Primera: teníamos que quitarle la primera hoja a todas las revistas e introducirles una fe de erratas; esto, porque había “omisiones” e “inexactitudes” en ella (ver “Detalles de la controversia”). Segunda: de aquí en adelante seríamos obligados a presentar el machote impreso de la revista para que fuera sometido a la revisión y aprobación del gerente de artes plásticas y visuales; sólo hasta que él estampara su firma podríamos publicar. Para resolver el problemita de los ejemplares que habían sido distribuidos antes de la orden, nos propusieron una fórmula simple y práctica: recogerlos. Tal cual. Simplemente recogerlos, arrancarles la primera hoja, meter la fe de erratas y devolvérselos a sus dueños. Todo fue dicho y escrito en unos términos tan técnicos, tan oficiales, tan gerenciales, que a primera vista parecía ser un procedimiento aséptico, dictado por el más puro espíritu de perfeccionismo.

Lo único que no parecía encajar del todo en la aparente higiene ideológica del oficio, era el último párrafo. En éste, Jorge Jaramillo decía: “De otra parte quiero manifestar que considero irrespetuosa, ofensiva y poco profesional la manera en que he sido presentado en la revista y el manejo que se le dio a las respuestas dadas por los entrevistados.”

Quedamos desconcertados inicialmente. “¿Cómo pueden someternos a la aprobación del contenido de la revista antes de publicar?”, dijo Alfredo, el poeta y administrador público del grupo. “¿Qué sentido tiene que nos pidan una fe de erratas, si al mismo tiempo tenemos que arrancar la hoja?”, dijo Farley, el artista plástico del grupo. “¿Por qué cambian las reglas del juego a mitad del proceso?”, preguntó Carolina, la abogada en formación del equipo. “Quieren arrodillarlos. Se están desquitando por el artículo de los chanchullos”, dijo un abogado que conoció el caso de pasada. Mientras tanto, Edith repetía: “¿Y con qué cara vamos a ir a reclamarle a la gente que nos devuelva las revistas para arrancarles una hoja?… A mí eso me parece humillante…”

Fueron días y días de leer y releer. De analizar. De consultar leyes y jurisprudencias. De profundizar en detalles, adelantar hipótesis y proyectar escenarios.

Al final, nos instalamos en una conjetura que nos pareció suficientemente consistente: las medidas tomadas no eran más que un acto de hostigamiento y nuestra revista, claramente, estaba siendo objeto de censura. El artículo que interrogaba por la transparencia de la gestión de Jorge Jaramillo les había caído como una patada en el hígado; nunca imaginaron que una publicación nacida de la entraña de una de sus convocatorias se atrevería a presentarle a los lectores situaciones que ameritan respuestas por parte de la Fundación. Querían mostrarnos “quién manda” en esta joda. Sentimos que querían intimidarnos, asegurar el control sobre nuestras ideas y ponernos al borde de un pequeño escarnio público. Si los lectores veían hojas arrancadas, fes de erratas y todo eso, inmediatamente quedaría en entredicho la seriedad y calidad de la revista. Y, por supuesto, también la pulcritud de su contenido.

Después de varias tardes azarosas, definimos por fin una acción a seguir. Era algo audaz y poco usual, pero valía la pena intentarlo. Fue así como elaboramos un concienzudo derecho de petición solicitando la revocatoria de todas las medidas que pensaban aplicarnos. En realidad, lo que buscábamos era llevar a la FGAA a un terreno que siempre es fértil, cuando hay buena voluntad: la conciliación. Por eso elaboramos el documento limitando al máximo el uso de adjetivos y conjugando todos los verbos en condicional. Evitamos hacer aseveraciones categóricas. Todo lo planteamos en el terreno de lo posible, nunca de lo evidente. Sustentamos nuestros planteamientos en normas específicas; las citamos todas, las administrativas, las constitucionales, las del decoro. Queríamos que la FGAA ponderara los hechos desde el punto de vista legal y reconsiderara su posición, restituyendo nuestros derechos y dejándonos en paz. Entregamos el documento el 9 de julio y cruzamos los dedos para que la táctica diera resultados.

Como no hay deuda que no se pague, ni plazo que no se cumpla, el 9 de agosto, después de una prórroga de cinco días hábiles en la fecha límite, por fin comenzaron a llegar laS respuestaS. Así: en plural. En total nos llegaron siete respuestas, seis por e-mail entre el 9 y el 11 de agosto y una por correo físico, también el 11. Por pura curiosidad comparamos alguno de los archivos que llegaron por vía electrónica con el que llegó en físico y, vaya pues, no coincidían del todo: la redacción de algunas frases era diferente y habían suprimido párrafos.

Todas las misivas venían firmadas por Ana María Alzate, no por Jorge Jaramillo. En un Castellano estrecho, básicamente nos dijeron que desatendían nuestra petición central. Mantuvieron la prohibición de distribuir la revista y negaron que estuvieran incumpliendo alguna norma o vulnerando nuestros derechos fundamentales. No explicaron el por qué. Suponemos, por eso, que ellos manejan la rancia pedagogía de “esto es así porque yo lo digo”.

La respuesta de ocho páginas contenía también un rosario pintoresco de curiosidades. De un plumazo, la señora Ana María Alzate desconoce que alguna vez nos hayan solicitado revisión o aprobación del contenido de la revista. Así, sin más, como quien se quita una mota del abrigo. Como si no hubiera quedado impresa esa exigencia, en letra clara y folios membreteados, en el oficio que nos entregó Jorge Jaramillo el 25 de junio. “Siempre es que a uno lo creen pendejo”, decía riéndose un amigo nuestro. También acomodan el texto de algunas normas constitucionales e interpretan de manera exótica los conceptos de libertad de expresión, libertad de información y libertad de prensa.


La respuesta está escrita en el más estricto desorden. “Si no puedes convencerlos, confúndelos”, dijo una amiga con la que compartimos el mensaje.

En nuestra petición habíamos solicitado acceso a los documentos de revisión y aprobación de los proyectos ganadores en años pasados. Nos entregaron un cartapacio de e-mails intercambiados entre la Revista Asterisco  (proyecto ganador en 2008) y la FGAA. Lo que no nos mostraron fue algún machote impreso, revisado y con la firma de Jorge Jaramillo autorizándolos a publicar. Vimos claramente que los compañeros de “Asterisco” no incluyeron en su revista la mitad de las declaraciones y salvedades que nos exigen a nosotros, pero no encontramos ninguna fe de erratas por esas omisiones(1). Blanco es.

Total. Una vez recibimos las respuestas, dimos por válida la última de ellas, para efectos de no enloquecer. Ahora, nuevamente nos hemos sumergido en el análisis legal y conceptual de todo este caso. Con decisión, nos adentramos en un laberinto de leyes. Cuando accedimos en pleno al mundo de las sentencias de la Corte Constitucional pareció como si hubiésemos encontrado una piñata, a la que sacudimos y nos regaló una lluvia de dulces de colores. En el marco de los análisis de la Corte, de toda la jurisprudencia que de ella emana, el mundo vuelve a tener sentido; las libertades de pensamiento, conciencia, expresión, información y prensa ocupan el lugar que se merecen. Efectivamente, nadie, y menos una autoridad administrativa, puede prohibir la circulación de una publicación, a menos que medie una orden judicial (Sentencia T-213/04, entre otras. Googleenla y verán). Efectivamente, no sólo la Constitución sino todos los tratados internacionales que Colombia ha suscrito para la protección de los derechos fundamentales, prohíben tajantemente la imposición de controles previos a una publicación (Sentencia C-650/03, entre otras). Efectivamente, a muchos de estos actos los cataloga la ley como censura, en tanto la Revista MantaRaya no es un impreso de la FGAA, sino una publicación autónoma, editada por nosotros, que somos una unión temporal de carácter privado. Y mejor no adentrarnos en los otros siete derechos fundamentales que, en nuestro criterio y en concordancia con lo expresado por la Corte Constitucional, nos han sido vulnerados. Sería tedioso hacerlo.

Lo único que hemos lamentado es la ignorancia. En realidad, antes de esta situación, no conocíamos nuestros derechos a plenitud. Es evidente que tampoco los conocen una buena parte de nuestros colegas escritores, artistas, periodistas e incluso abogados. Nos han inculcado una forma impúber de ejercer nuestra ciudadanía. Todos esos Jorges, todas esas Ana Marías habitan y engordan en nuestro inconsciente, gritando en el silencio de nuestros miedos: “No tentarás al señor tu Dios”. Precisamente para paliar esa eterna inequidad del mundo, se hicieron los Estados de Derecho, en donde el poder no es un feudo administrado por los dioses de turno, sino el resultado de un pacto que hemos consagrado como sociedad y que se llama LEY.

Por eso, acudimos a los tribunales y serán ellos quienes determinen si la principal entidad de cultura del distrito, la encargada de promover las artes, las letras y el pensamiento en la ciudad más importante de nuestro país, ha violado libertades fundamentales. Será la justicia quien diga si se cometió o no un liberticidio en las mismas huestes de quienes han sido encomendados para fortalecer los cimientos de nuestra cultura. ¿Qué cultura de pacotilla puede ser la que no se asienta, primerísimamente, sobre los valores democráticos?  Los jueces decidirán y confiamos en que cumplan a cabalidad con su deber.

En primera instancia, el juez 20 penal municipal de Bogotá declaró improcedente nuestra acción de tutela por considerar que todo se reduce a un conflicto contractual y, por lo tanto, debe ser tramitado ante la justicia contencioso administrativa; un argumento similar esgrimió la FGGA en su alegato ante ese juzgado. En nuestra opinión, en cambio, este caso toca la médula de varios derechos fundamentales; por eso impugnamos el fallo del juez y ahora esperamos un nuevo fallo, en segunda instancia. Sea cual sea la decisión, también nos gustaría que la Corte Constitucional elija nuestra tutela para hacer una revisión final: visto está que los derechos de expresión, información y prensa aún no son comprendidos plenamente por gran parte de la sociedad.

Mientras tanto, tenemos a medio hacer los números dos y tres de la revista. Estamos angustiados y trabajando al máximo de nuestras capacidades para cumplir con la fecha límite que nos impone la convocatoria que ganamos. Rumores de buena fuente nos aseguran que somos comidilla en la FGAA y que no nos bajan de “desocupados” y “grandísimos”… En la óptica de muchos aparecemos como unos insignificantes aletosos que ya obtendrán su merecido. Eso esperamos precisamente, obtener lo que nos merecemos.

:

Edith Sánchez
Adriana Carolina Martínez
Óscar Farley Sánchez
José Alfredo Sánchez

Comité Editorial de Revista MantaRaya (2)

:

Especial para Esfera Pública


(1) La declaración “Revista editada por la Unión Temporal o el Consorcio” tal, no aparece en la Revista Asterisco. Tampoco la salvedad: “Los contenidos y opiniones expresadas en la publicación son responsabilidad de los editores y/o autores”. A la Revista MantaRaya se le exige elaborar fe de erratas por omitir esas aseveraciones. De igual manera, el manual de imagen de la Alcaldía establece que el tamaño de los logotipos debe ser de un 7% con respecto al tamaño de la página; la revista Asterisco no cumple con esa indicación, sin embargo, no le pidieron rectificaciones, fe de erratas, o algo similar, por esa razón.

(2) La Revista MantaRaya es el proyecto ganador de la Convocatoria “Publicación periódica sobre Artes Plásticas y Visuales, 2009”, de la FGAA.


Sobre nuestro Lugar Favorito

¿Qué probabilidad habría de que los objetos y aun más (sobre todo esto) la propuesta que compone “Nuestro lugar Favorito” de angélica Teuta, recientemente expuestos en el espacio de la Alianza Francesa, fueran considerados arte, antes de algún momento del siglo XX?, insisto la pregunta no es solo por los objetos, sino por la propuesta. Y no es que aquí interese tan vieja pregunta, pero si algunas sugerentes respuestas. Así mismo, qué probabilidad tendría Seurat de sospechar maliciosamente que algún día del siglo XXI, su cuadro de bañistas, acompañaría una exposición (esta vez invertido, casualmente) de esta Joven Artista Colombiana (¿?).

En la llamada “teoría institucional del arte” se dice que un artefacto se convierte en obra de arte en tanto que haya recibido el estatuto de tal por una o varias personas en nombre de una institución social conocida con el nombre de “mundo del arte”. Para Dickie, cualquier artefacto puede llegar a ser una obra de arte si hay consenso en el mundo del arte. De la misma forma Arthur Danto dice que la pregunta que debiéramos hacernos, es ¿Cuándo hay arte? Y que la respuesta seria, “que hay arte únicamente desde el registro de la interpretación que escapa al profano, que en ningún caso es espontanea, que supone un público informado que conoce el medio del arte y que se deja ganar por la atmosfera de la teoría artística”. Según Richard Jeffrey y Amanda Dure, “Antes de la mitad del siglo XVII, el término ‘probable’ (en latín probable) significaba aprobable, y se aplicaba en ese sentido, unívocamente, a la opinión y a la acción. Una acción u opinión probable era una que las personas sensatas emprenderían o mantendrían, en las circunstancias.” Entonces a la pregunta de cuándo hay arte, la respuesta probable o “natural” (en ese sentido no podríamos hacer nada al respecto), seria que en dicha propuesta; esto ahora y bajo las reglas propias del arte (nombradas así, parecen extrínsecas y autónomas), pues le han concedido el “honor” de serlo, honor que también menciona Danto, podría convertirse en demerito, toda vez que decir que algo es arte, implica siempre tan solo un predicado. Es decir que “Nuestro Lugar Favorito” no necesita de una sensibilidad estética, para ser apreciado, el que reconoce la silla como igual a la que compro por la carrera 53 a la altura de Colciencias o al que reconoce en las plantas allí presentadas, la palma de la entrada de su casa, o la fuentecita de porcelana que le vio en la casa a otra persona, no estaría errado, tampoco importa que su intuición ingenua lo prive de hallar en esta disposición espacial el sentido que solo los No profanos, hallan.

La probabilidad que esto tiene de ser Arte, está en la medida en que alguien (lo importante es que sea del “mundo del arte”, o una institución reconocida) diga que es así y punto. Entonces la probabilidad de que “Nuestro Lugar Favorito”, sea en realidad arte, depende toda vez de la probabilidad de que exista eso que llamamos “mundo del arte”, o que quienes lo validaron lo representen, (en el caso de nuestro contexto especifico). Pierre Bourdieu, sostiene que un nuevo modo de producción artística coincide de alguna manera con la producción de un nuevo modo de percepción, por lo tanto de legitimación. Pero para Danto, la cuestión nada tiene que ver con percepción, sino con institucionalización, así que el “mundo del arte” “inventa” (designar en este caso es inventar) que “Nuestro Lugar Favorito” es arte y a su vez este inventa su público o receptores, lo que a su vez inventa en cuanto a institución al “mundo del arte”, toda vez que lo acepta, espera y crea. Desde lo cual se plantea que en realidad ese es –EL lugar favorito-, nunca Nuestro, sino de alguien mas ¿pero entonces de quien? El mejor mundo posible, donde las probabilidades coinciden con las circunstancias y entonces la sensatez termina por producir lo que era posible que produjera. Sin embargo cabe la pregunta obvia ¿si las circunstancias cambiaran, necesariamente cambiarían las probabilidades?

Isabel Kristina Díaz

Sobre Nuestro Lugar Favorito.

Isabel Kristina Díaz.

¿Qué probabilidad habría de que los objetos y aun más (sobre todo esto) la propuesta que compone “Nuestro lugar Favorito” de angélica Teuta, recientemente expuestos en el espacio de la Alianza Francesa, fueran considerados arte, antes de algún momento del siglo XX?, insisto la pregunta no es solo por los objetos, sino por la propuesta. Y no es que aquí interese tan vieja pregunta, pero si algunas sugerentes respuestas. Así mismo, qué probabilidad tendría Seurat de sospechar maliciosamente que algún día del siglo XXI, su cuadro de bañistas, acompañaría una exposición (esta vez invertido, casualmente) de esta Joven Artista Colombiana (¿?).

En la llamada “teoría institucional del arte” se dice que un artefacto se convierte en obra de arte en tanto que haya recibido el estatuto de tal por una o varias personas en nombre de una institución social conocida con el nombre de “mundo del arte”. Para Dickie, cualquier artefacto puede llegar a ser una obra de arte si hay consenso en el mundo del arte. De la misma forma Arthur Danto dice que la pregunta que debiéramos hacernos, es ¿Cuándo hay arte? Y que la respuesta seria, “que hay arte únicamente desde el registro de la interpretación que escapa al profano, que en ningún caso es espontanea, que supone un público informado que conoce el medio del arte y que se deja ganar por la atmosfera de la teoría artística”. Según Richard Jeffrey y Amanda Dure, “Antes de la mitad del siglo XVII, el término ‘probable’ (en latín probable) significaba aprobable, y se aplicaba en ese sentido, unívocamente, a la opinión y a la acción. Una acción u opinión probable era una que las personas sensatas emprenderían o mantendrían, en las circunstancias.” Entonces a la pregunta de cuándo hay arte, la respuesta probable o “natural” (en ese sentido no podríamos hacer nada al respecto), seria que en dicha propuesta; esto ahora y bajo las reglas propias del arte (nombradas así, parecen extrínsecas y autónomas), pues le han concedido el “honor” de serlo, honor que también menciona Danto, podría convertirse en demerito, toda vez que decir que algo es arte, implica siempre tan solo un predicado. Es decir que “Nuestro Lugar Favorito” no necesita de una sensibilidad estética, para ser apreciado, el que reconoce la silla como igual a la que compro por la carrera 53 a la altura de Colciencias o al que reconoce en las plantas allí presentadas, la palma de la entrada de su casa, o la fuentecita de porcelana que le vio en la casa a otra persona, no estaría errado, tampoco importa que su intuición ingenua lo prive de hallar en esta disposición espacial el sentido que solo los No profanos, hallan.

La probabilidad que esto tiene de ser Arte, está en la medida en que alguien (lo importante es que sea del “mundo del arte”, o una institución reconocida) diga que es así y punto. Entonces la probabilidad de que “Nuestro Lugar Favorito”, sea en realidad arte, depende toda vez de la probabilidad de que exista eso que llamamos “mundo del arte”, o que quienes lo validaron lo representen, (en el caso de nuestro contexto especifico). Pierre Bourdieu, sostiene que un nuevo modo de producción artística coincide de alguna manera con la producción de un nuevo modo de percepción, por lo tanto de legitimación. Pero para Danto, la cuestión nada tiene que ver con percepción, sino con institucionalización, así que el “mundo del arte” “inventa” (designar en este caso es inventar) que “Nuestro Lugar Favorito” es arte y a su vez este inventa su público o receptores, lo que a su vez inventa en cuanto a institución al “mundo del arte”, toda vez que lo acepta, espera y crea. Desde lo cual se plantea que en realidad ese es –EL lugar favorito-, nunca Nuestro, sino de alguien mas ¿pero entonces de quien? El mejor mundo posible, donde las probabilidades coinciden con las circunstancias y entonces la sensatez termina por producir lo que era posible que produjera. Sin embargo cabe la pregunta obvia ¿si las circunstancias cambiaran, necesariamente cambiarían las probabilidades?

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Arde Sao Paulo: El Fantasma De La Política En La Bienal

Amigos de Esfera Pública,

Les hago llegar una actualización de listado de adhesiones al primer documento colectivo que se ha emitido a propósito del intento de cancelación de la obra de Roberto Jacoby en la Bienal de San Pablo a cargo de la dirección de la Bienal –

les recuerdo que pueden enviar sus adhesiones y comentarios a: “el alma nunca piensa sin imagen” <elalmanuncapiensasinimagen@gmail.com>, que es también la dirección donde contactar con la brigada argentina por dilma para cualquier solicitud de información, imágenes, discusión, etc.
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Marcelo Expósito
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Arde Sao Paulo: el fantasma de la política en la Bienal

“La 29º Bienal de San Pablo está anclada en la idea de que es imposible separar el arte de la política”. A tenor de lo sucedido en las últimas 48 horas, hay serios motivos para dudar de la honestidad de esta declaración.

La obra de la Bienal de San Paulo que promete ser la más interesante no ha sido realizada por ningún artista, sino por la propia institución cuando ordenó cubrir unos imponentes paneles con papel de embalar, para impedir que puedan verse dos ampliaciones fotográficas: el rostro amistoso y atractivo de Dilma Rousseff frente al gesto agrio de José Serra, su opositor socialdemócrata en las elecciones a la presidencia de Brasil.

La obra propuesta por el argentino Roberto Jacoby ha consistido en socializar su espacio para que sea gestionado por una Brigada Argentina por Dilma que se dispuso a diseminar abiertamente propaganda favorable a la candidata del Partido de los Trabajadores en sucesión de Lula, apostando a ser parte del momento histórico excepcional de unidad, solidaridad, redistribución y democracia que se abre en América Latina.

De acuerdo con la —poco convincente— justificación hasta ahora emitida por la Fundación Bienal de San Pablo, un informe de la Procuraduría Electoral General habría decretado que la obra incurre en un “delito electoral” por quebrantar la Ley que impide la “vehiculación de propaganda de cualquier naturaleza” en espacios cuyo uso dependa de los poderes públicos. Sin embargo fue la propia Bienal la que concurrió a sede judicial para denunciar la obra que habían invitado.

Uno de los curadores de la Bienal, Agnaldo Farias, ha declarado a la prensa que “no podemos contestar la decisión de la justicia, porque corremos incluso el riesgo de que nos lleven presos. Si hubiésemos conocido de antemano que se trataba de Dilma, sabedores de que habría habido problemas, hubiéramos avisado al artista”. El argumento de los curadores de que habrían “sido sorprendidos” por el desarrollo de la pieza no se sostiene, ya que la misma fotografía censurada figura tanto en el catálogo de la Bienal como en su sitio web.

A esta afirmación pusilánime no se puede sino responder con una pregunta: ¿qué piensa que convoca un curador de arte establecido cuando invoca la palabra “política”? Más allá de este caso puntual, no son infrecuentes las propuestas curatoriales que apelan a la relación “arte y política” para exhibir cementerios documentales o retratos de pobres o raros distantes. Esta obra política de Jacoby se opone eficazmente a esta despotenciación del arte político que ejerce actualmente el mainstream institucional.

Pero ¿qué sucede cuando un artista se toma en serio la necesidad de convertir un espacio artístico en un espacio público, para producir confrontación política —y no falso consenso— en tiempo real y en el mismo vientre del sistema del arte? El alma nunca piensa sin imagen —que así se titula la obra— consiste en algo más que la propaganda electoral favorable a Dilma: el espacio de la muestra asignado a Jacoby se transformó además en una máquina de producir antagonismo entre opiniones diversas, tomando partido e imponiendo al establishment artístico implicarse en una discusión sobre el hecho constatable de que, en un espacio geopolítico como América latina, existe hoy más experimentación, más creatividad y —en definitiva— más esperanza en el área de la política y de lo político —desde las estructuras institucionales hasta el campo de los movimientos sociales— que en el sistema del arte contemporáneo.

Jacoby participa en la Bienal por partida doble, pues integró asimismo el colectivo de artistas, sociólogos, militantes de varias ciudades que en 1968 produjo la histórica Tucumán Arde, documentada erróneamente —y se trata de un síntoma grave y elocuente— en el web de la Bienal como una obra del Grupo de Arte de Vanguardia rosarino. Ésta fue clausurada en la central obrera en Buenos Aires, bajo presiones militares durante la dictadura del general Onganía: su provocación consistía en desbordar el sistema del arte para abrazar el movimiento de protesta social en contra del sistema  vigente. A la inversa, El alma nunca piensa sin imagen parece haber sido censurada por instalar en el centro del sistema del arte una actividad a favor de un proceso extraartístico que sucede en la institución política. La Brigada Argentina por Dilma nos lo expone como algo mucho más real —porque resulta más imperfecto y complejo al fin— que la pulcritud inmaculada con que habitualmente brilla la palabra “política” en los textos curatoriales.

Buenos Aires/San Pablo, 23 de septiembre de 2010

Brigada Argentina por Dilma:  Adriana Minoliti, Alejandro Ros, Ana Longoni, Alina  Perkins, Cecilia Sainz, Cecilia Szalkowicz, Daniel Joglar, Fernanda Laguna, Francisco Garamona, Florencia Hipolitti, Paula Bugni, Hernán Paganini, Javier Barilaro, José Fernández Vega, Julia Ramírez, Kiwi Sainz, Laura Escobar, Lidia Aufgang, Lucas Rubinich, Mariano Andrade, Mariela Scafati, Mariela Bond, María Granillo, Nacho Marciano, Roberto Jacoby, Santiago Villanueva, Syd Krochmalny, Tomás Espina, Víctor Florido, Victoria Colmegna.

Adhesiones (al 25/9/2010):

Marcelo Expósito (Barcelona/Buenos Aires).

Gachi Hasper (Buenos Aires)

Diana Aisenberg (Buenos Aires)

Cecilia Sainz (Buenos Aires)

Federico Geller (Buenos Aires)

Helena Chávez (México)

Fernanda Nogueira (Sao Paulo)

Miguel López (Lima)

Francisco Reyes Palma (México)

Marina de Caro (Buenos Aires)

Octaviano Moniz Barreto (Bahia)

Damián Ríos

Inés Patricio (Rio de Janeiro)

Hugo Salas

Guadalupe Maradei (Buenos Aires)

Federico Brollo (Buenos Aires)

Hugo Vidal (Buenos Aires)

Leo Ramos (Resistencia)

Ramiro Larraín (Buenos Aires)

Inés Martino (Rosario)

Compartiendo Capital (Rosario)

David Gutiérrez Castañeda (México/Bogotá)

Hernán Rodolfo Ulm (Argentina)

Beba Eguía (Buenos Aires)

Ricardo Piglia (Buenos Aires)

Mariana Serbent (Mendoza)

Laura García Hernàndez

Magdalena Jitrik (Buenos Aires)

José Curia

Leandro Katz (Buenos Aires)

Adrián Pérez (Buenos Aires)

Eduardo Grüner (Buenos Aires)

Carolina Senmartín (Còrdoba)

Mariana Botey (México)

Carlos Aranda (México)

Daniel Duchowney (Argentina)

Aldo Ambrozio (Brasil)

Carlos Banzi (Argentina)

José Luis Meirás (Buenos Aires)

Gabriela Nouzeilles (Princeton)

Lía  Colombino (Asunción)

Museo del Barro (Asunción)

Taller Crìtica (Asunción)

Fernando Davis (Buenos Aires)

William López (Bogotá)

José Ignacio Otero (Buenos Aires)

Leonardo Retamoso Palma (Santa María)

Emilio Tarazona (Lima)

Ricardo Resende (Sao Paulo)

María Cristina Pérez (Rosario)

Gustavo López (Bahía Blanca)

Marcelo Diaz (Argentina)

José Luis Tuñón (Comodoro Rivadavia)

Carlos Dias (Brasil)

Claudia del Río (Argentina)

Juan Manuel Burgos (Còrdoba)

Marcos Ferreira de Paula (Sao Paulo)

Amalia Gieschen (Argentina)

Cristina Freire (Sao Paulo)

Suely Rolnik (Sao Paulo)

Cristina Ribas (Rio de Janeiro)

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