Artes Relacionales con Énfasis en Diplomacia y Relaciones Internacionales

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El Validadero Artístico

Carrera experimental para las prácticas artísticas y sus relaciones sociales

Título otorgado: Maestro en Artes Relacionales con Énfasis en Diplomacia y Relaciones Internacionales.

Advertencia: El Validadero NO es un espacio DIPLOMATICO, no pretende auto proclamarse INDEPENDIENTE ya que es difícil delimitar con claridad dicho término en el ejercicio de las prácticas artísticas contemporáneas, ni tampoco nace vinculado a ninguna INSTITUCIÓN educativa, artística o de las ciencias ocultas.

A propósito de la creciente importancia que tiene la educación PRE y POS-SUPERIOR (y su respectiva certificación) en la formación de un artista profesional y su vigencia y sostenibilidad en el campo, el VALIDADERO abre un espacio educativo que otorga el título de MAESTRO EN ARTES RELACIONALES, cuyos énfasis en DIPLOMACIA y RELACIONES INTERNACIONALES nos permitirán VALIDAR en la mitad del tiempo y con altos estándares de calidad, estudios en el territorio de las RELACIONES SOCIALES inter-artísticas, inter-institucionales y inter-personales.

Planteamos el desarrollo de procesos educativos que enlacen los elementos básicos que conforman los circuitos artísticos en Colombia y su impacto internacional, con la finalidad de entender la importancia del elemento humano y sus relaciones dentro de las dinámicas propias del campo artístico.

Acreditación y certificación del título otorgado

El título que otorgamos es acreditado únicamente por EL VALIDADERO como institución relacional y su grupo docente. El diploma entregado es un objeto simbólico que no es compatible o valido con ninguna universidad o institución en Colombia o en el mundo. El diploma, es pieza única producida por un artista invitado a realizar este objeto simbólico.

En este primer año hemos decidido invitar al maestro Luis Fernando Roldán quien realizará el diploma que los postulados al título de Maestro en Artes Relacionales se podrán llevar como pieza única de su grado.

Diploma

Planta Docente presencial y conferencistas.

Ana María Lozano, Andrés Gaitán Tobar, Manuel Quintero, Ana María Villate, Guillermo Vanegas, Paulo Licona, Andrés García La Rota, Juan Cárdenas, El Equipo TRansHisTor(ia), Cristina Lleras, Diego Martínez Celis, Hernando Cabarcas, José Aramburo, Franklin Aguirre, Carolina Ponce de León, María Stella Romero, Federico Daza M.

Estamos interesados en poner sobre el pupitre como materia de estudio, las RELACIONES HUMANAS que dan forma a las dinámicas artísticas CONTEMPORANEAS.

 

*PLAN DE ESTUDIOS *

Proponemos en un tiempo no mayor a un año para formar artistas profesionales y preparados para las siguientes competencias:

1 “Relaciones críticas” (MARZO)

¿Cómo opera la crítica de arte? ¿Cuáles son las herramientas del crítico? ¿Cuál es la importancia de la crítica? Relación entre críticos y otros actores del campo del arte.

2 “Vehículos curatoriales” (ABRIL)

¿Cuál es el papel del curador? ¿Cuál es la responsabilidad del curador en el campo del arte? ¿Qué dinámicas y lecturas generan las curadurías artísticas en la relación con la obra de arte? ¿Qué impacto e importancia tiene el curador entre los artistas? Dinámica del curador como artista o el artista como curador.

3 “De la teoría a la práctica” (MAYO)

Desarrollo y planteamiento individual o colectivo de un proyecto artístico ligado a los procesos propuestos de la carrera.

4 “Procesos y relaciones expositivas” (JUNIO)

Socialización y exposición del proceso del primer bloque de conocimientos de la carrera, anteproyecto y correcciones de los proyectos.

5 “Salidas pedagógicas” (JULIO)

Relaciones con la naturaleza y el entorno que nos rodea (ciudad), primeros medios de producción, re significación y reconocimiento de nuestro patrimonio arqueológico, transformaciones de nuestra historia cultural, social, política y económica.

6 “Diplomacia artística” (AGOSTO) PRIMER MÓDULO DE PROFUNDIZACIÓN

Relaciones de Independencia e institucionalidad en las prácticas artísticas en Colombia. Límites entre lo profesional y lo personal! Contradicciones del medio artístico y estrategias para el buen entendimiento entre los pares.

7 “Como por arte de ocio” (SEPTIEMBRE)

Las relaciones con el juego, el ocio y el deporte son materia de estudio, a partir de las dinámicas atípicas que producen diferentes reflexiones para el debate y la toma de rutas dentro de las prácticas artísticas.

8 “relaciones internacionales” (OCTUBRE) SEGUNDO MODULO DE PROFUNDIZACION

Marco de ARTBO 2015 INVESTIGACION ENTREGA FINAL DE PROCESOS, SOCIALIZACION DE LOS PROYECTOS, EXPOSICION FINAL (ENTREGA DE DIPLOMA POR VENTANILLA)

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Requisitos de ingreso y pago de matricula

El cierre del postulaciones para las matriculas es hasta el miércoles 25 de febrero enviando su portafolio u hoja de vida al correo electrónico elvalidadero@gmail.com

Requisitos para los aspirantes:

– presentar portafolio u hoja de vida según su disciplina.

– datos personales completos (nombre, apellidos, número de cedula, disciplina a la que pertenece, teléfono fijo de contacto, teléfono móvil de contacto, dirección de residencia).

FECHAS DE LA CONVOCATORIA:

Los aspirantes deberán enviar los requisitos al correo electrónico elvalidadero@gmail.com  a partir del LUNES 2 DE FEBRERO y hasta el MIÉRCOLES 25 DE FEBRERO hasta las 12 de la media noche, fecha en que se cerrará la recepción de requisitos.

EL DÍA JUEVES 26 DE FEBRERO SE DARÁ AVISO A LOS ASPIRANTES PRESELECCIONADOS PARA ENTREVISTA EN LAS INSTALACIONES DEL VALIDADERO.

FORMAS DE PAGO                                                                                                                                                                                                                         La forma de pago se acordará con cada uno de los estudiantes con base en la siguiente información: A continuación describiremos las modalidades de pago 2015 para acceder al título de MAESTRO EN ARTES RELACIONALES con énfasis en Diplomacia y Relaciones Internacionales en El Validadero Artístico.

* Un solo pago completo por un valor de $ 800.000 pesos al inicio del programa

La fecha de consignación es la siguiente:

Lunes 2 de Marzo de 2015.

*Pago a dos cuotas, la primera al inicio del programa y la segunda a la mitad de la carrera, por un valor de 450.000 pesos cada cuota.

Las fechas de consignación son las siguientes:

Lunes 2 de Marzo de 2015.

Miércoles 1 de julio de 2015.

*Pago mensual de $150.000 pesos (8 cuotas).

Las fechas de consignación son las siguientes:

Lunes 2 de Marzo de 2015. Lunes 6 de Abril de 2015 (primer lunes después de Semana Santa). Lunes 4 de Mayo de 2015. Lunes 1 Junio de 2015. Miércoles 1 de Julio de 2015. Lunes 3 de Agosto de 2015. Martes 1 de Septiembre de 2015. Jueves 1 de Octubre 2015.

Datos de Contacto de El Validadero Artístico

TEL 2832962 CEL: 3115834872 – 3125397109

CORREO ELECTRÓNICO: elvalidadero@gmail.com

LINK:   https://www.facebook.com/validaderoartistico

 

 

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La secta de los artistas olvidados: Cárdenas, Marmolejo, Barney…

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Un artista se convirtió en un pie de citas. Los únicos llamados que recibe son de jóvenes investigadores para hacerle preguntas sobre el pasado. También lo llaman curadores, galeristas y coleccionistas para indagar por el destino de sus piezas icónicas o para hacerle homenajes precarios, agonísticos y, ante todo, retrospectivos. A nadie parece importarle lo que hace en el presente. Él sigue vivo por ahí, con sus cinco o seis lustros encima, asediado por esa incómoda y prematura posteridad.

Es claro que hay más artistas desconocidos que conocidos y más son las historias sin contar que las contadas. Pero son más, muchas más, las obras olvidadas. Valdría la pena hacer una antología brevemente enciclopédica de este arte marginado, y de la estirpe de singularidades sobre las que se cierne la contingencia de una segunda oportunidad sobre la tierra. Podríamos comenzar esta curaduría azarosa, gratuita y sin coyuntura, con tres artistas nacidos en Colombia a mediados del siglo pasado: Miguel Ángel Cárdenas (Espinal, 1954), María Evelia Marmolejo (Cali, 1958) y Alicia Barney (Cali, 1952).

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Warhol sentenciaba: “en el futuro todo el mundo tendrá una fama mundial de 15 minutos”. Pues bien, en el pasado cada artista tuvo su cuarto de siglo de vanguardia, y muchos de los olvidados trabajaron codo a codo con las figuras protagónicas a las que hoy atribuimos la exclusividad de las franquicias del video, del performance o del arte conceptual. El pretendido dinamismo de cada nueva escena de artistas estelares tendrá siempre algo de primicia, pero siempre es enriquecedor volver hacia los padres y abuelos para entroncar la herencia y darle dimensión al cambio.

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A mediados de los años ochenta, mientras la discusión sobre los “nuevos medios” apenas aparecía en la escena colombiana y cuando se veía el video como novedad —todavía para muchos lo es—, Miguel Ángel Cárdenas, en Holanda, donde reside desde 1962, se despide de ese soporte y vuelve a la creación solitaria de dibujos y pinturas en su taller. En 1985 hizo una última presentación en vivo, al aire libre, ante una audiencia de dos mil personas, con doce bailarines y los mejores equipos y mezcladores de edición del momento. Su tendencia a exagerar y a enfatizar el movimiento lo llevan, en 1983, a hacer una jornada continua de televisión por 24 horas, una teletón con entrevistas, bailes, cantantes, motoristas, actrices, ajedrecistas. En una incursión televisiva anterior, de1981, transmite un video de 20 minutos titulado Somos libres!?, un esquema de secuencias teatrales, simbolismo y humor y amor ante la situación de dos homosexuales que no encuentran lugar en el mundo.

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Ahora bien, no se trata de homenajear a Cárdenas, de repatriarlo o de reconocerlo con orfandad culposa como “Precursor del Video Arte en Colombia”. No, Cárdenas está muy bien donde está, es claro que una lectura de su obra a la luz del video puede ser provechosa, pero tal vez lo sea más si se hace a través de su interés por el movimiento, por el sexo o por el limbo de no ser de aquí o de allá.

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En el Cárdenas artista no prima un medio, la novedad tecnológica, sino el gesto y, como en muchos otros artistas, una capacidad de anteponer la pulsión gestual a la marca única y estilística. Es un estado de exageración difícil de catalogar: Cárdenas usa cámaras y más cámaras y propicia más y más movimientos, se filma a sí mismo, sus pies, sus manos, y filma a otros; mientras sus colegas hacen piezas largas y monótonas, él hace filmaciones breves y filmaciones de sus filmaciones, intentos para llegar a la verdad desde diferentes perspectivas, mezcla de mirada cubista con actitud futurista, una tontería magistral que lo lleva a tomar sopa, filmarse saboreándola y decir: “The soup is delicious”.

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También hay un Cárdenas profesor que enseña por fuera de los parámetros disciplinares. Para clase de video Cárdenas hace ejercicios como el de caminar con los alumnos por la ciudad y el campo usando como guía un corazón trazado sobre un mapa cartográfico, una deriva cordial de todo un día que incluye altas dosis de performance y ginebra. A falta de experiencias en la vida y sin muchas horas de vuelo, los artistas en otras latitudes solo aprenden a hacer arte a punta de pantallas y hablan con solemnidad de los medios de los medios de los medios, mientras su arte habla del arte del arte del arte.

Es mucho lo que se habla de lo político en el arte pero estas discusiones parecen quedarse encerradas en salones de clase, foros virtuales o en el circuito galería-feria-subasta-museo-colección. Lo político en el arte no es sino la fidelidad a la incertidumbre, a la experiencia de lo experimental, ahí están los problemas, los experimentos incesantes de prueba y error que hacen posible un diálogo constante con el mundo. De pronto hay que mirar con que gestos estos artistas hablan, su política gestual, antes de que el arte político se convirtiera en fórmula manida y predecible.

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Ahí están las acciones de la artista María Evelia Marmolejo quien muestra que más importante que hacer “arte político” es hacer las cosas políticamente en la esfera vulnerable de lo público, un equilibrismo cuasi anónimo y contingente sin la red de protección ni la sombrilla glamurosa de lo que llamamos arte o el apoyo fuerte de una gran institución. Es diciente la falta de documentos que hay de su obra, pareciera que en este caso es más importante hacer que registrar, exactamente lo opuesto a lo que sucede con esas acciones que solo comienzan cuando alguien grita: “¡luces, cámara, acción!”.

Mientras se atribuye a otros artistas más recientes la maternidad del performance y del performance político o del performance de alta duración en Colombia, tanto en fechas como en acciones lo hecho por Marmolejo es anterior. Marmolejo, a finales de los años setenta, en la clase de escultura de la Escuela de Bellas Artes presenta Tendidos, un tendedero de ropa donde cuelga toallas sanitarias usadas y limpias y un pañal de tela, el anclaje es un gancho de carnicería. Para la clase de dibujo, pega varias cartulinas en la pared e intenta dibujar con su dedo untado de sangre una línea continua a pesar de los quiebres entre una y otra superficie. Ambas piezas no son aceptadas como arte y reprueba ambos cursos. Marmolejo abandonó la Escuela.

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Sin embargo, más allá de quien hizo primero qué, en Marmolejo resulta importante destacar los lugares y momentos de sus acciones. En 1981, en la Plazoleta del Centro Administrativo Municipal de Cali forma una larga línea de papel blanco y sobre ella marcha descalza y cubierta de vendas, se hace pequeños cortes en la planta de los pies, camina, deja marcas de sangre, protege con gaza sus heridas y sigue marchando hasta que al minuto 20 suena la alarma de un reloj que la saca de su trance. La acción es observada por un grupo de policías. La acción no es observada por el Gobierno de ese entonces, el de Turbay Ayala, algo más preocupado en mantener un estatuto de seguridad que usa el cuerpo de los disidentes como parte de su obrar estatal: intimidaciones, detenciones injustificadas, interrogatorios, tortura y exilio.

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Con Rosemberg Sandoval, otro artista de la ciudad, Marmolejo viaja en 1982 a Bogotá. En la Galería San Diego, invitados por Rita Agudelo, hacen Actos y Situaciones, una acción continua de tres días en plural y en singular. La artista planea la coincidencia de la muestra con el desenlace de su ciclo menstrual, en su cuerpo lleva pegadas toallas sanitarias pero sus genitales están desnudos, chorrea sangre mientras camina y marca algunas paredes con gestos que traza con su pubis.

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Luego, en España, en 1985, Marmolejo, con dos meses de embarazo, se exilió en Madrid y, más que hacer arte, interpone acciones legales y denuncias sobre la situación social en Colombia. Su salida coincide con la celebración del Quinto Centenario de la entrada de los españoles a América. La artista se dirige al Monumento a Colón en Madrid, reparte pasajes de la Breve destrucción de las Indias de Fray Bartolomé de las Casas, rompe un espejo de su tamaño, pone los pedazos en un cesto, los entrega a los transeúntes, se corta un dedo y escribe la palabra América sobre la base de la estatua al navegante genovés. Es arrestada.

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Es claro que al tratar de destruir el arte solo se logra una cosa: más arte. El trabajo de Alicia Barney, que circula por galerías, impresos y salones de arte, es un cruce de tendencias difícil de tamizar bajo un solo conducto formal. Barney estudia en Estados Unidos entre 1969 y 1977 y a diferencia de la gran mayoría de artistas locales, puede ver en vivo y en directo muchas de las obras que acá solo se veían empequeñecidas en revistas, diapositivas y explicadas por profesores: piezas de André, Christo, Dibbets, Long, Morris, Oldenburg, Caro, Frankelthaler y Smithson.

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Al final del ciclo universitario la artista recoge el detrito de sus periplos por Nueva York y las visitas a Colombia, hace de cazador recolector y agrupa envolturas, pedazos de tiquetes, tapas, frascos, alambres, cauchos y piezas similares en tamaño y aleatoriedad que son plastificadas y colgadas para que el ojo las recorra de manera lineal. La artista llama a esta serie Diario-Objeto y para su presentación en una exposición en Cali, le suma una hoja descriptiva a la pieza, un aparte: “El diario puede ser leído gracias a sus hileras formando cada uno “un cuento”, sin embargo su significado es lo suficientemente evasivo para que sea distinto a cada cual. La experiencia humana es misteriosa.” Los diarios tienen variaciones locales, el campo, una playa, una montaña y se exponen en 1979 en Bogotá en el Salón Atenas bajo la curaduría de Eduardo Serrano.

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En 1980 la artista hace Yumbo, una serie de treinta cubos de vidrio que sella cada 24 horas y ahí captura en degradé hebras de mugre y polvo que flotan en los límites entre una zona rural y otra de crecimiento industrial.

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El trabajo de Barney tiene vocación paisajística, sus derivas cruzan la frontera de lo natural y la naturaleza de lo humano, su afán de clasificar es matérico antes que teórico, confronta lo difícil de nombrar. Su bajo perfil, lo informe de su hacer, sirve para contrastar las ocurrencias de muchos artistas jóvenes y maduros que bajo la estela de lo que llaman arte conceptual piensan que basta con mostrar que están pensando que están pensado, un arte de “blanco es gallina lo pone”, útil como estrategia de comunicación pero inútil para sentir a través del pensamiento.

Es posible que estos tres artistas, y otros tantos de cientos y miles, sean perseguidos por la Historia y por la economía de la mistificación, tal vez gracias a una personalidad esquiva o a una bella indiferencia logren hacerle el quite al canto de sirenas que demanda el reconocimiento público: la secta de los artistas olvidados es más que generosa con aquellos que se atreven a sortear la trampas solemnes del estilo.

(Publicado en Revista Arcadia # 109)


PRACTICAs de RESISTENcia

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Links

De La Dictadura a La Democracia un sistema conceptual para la liberación – Gene-Sharp

La politica de la accion no violenta -Gene Sharp

The Yes Men – Salvando El Mundo

The Yes Men

Culturas de Resistencia


Crítica en Directo # 29: El Mes del Arte Contemporáneo (1)

El llamado “Mes del Arte” viene con una oferta grande y heterogénea en términos de ferias y exposiciones. Hay muchas cosas para ver y recorrer en el mes de octubre en Bogotá.

Sin embargo, una vez se cierran las ferias es muy poco lo que se escribe a modo de balance sobre esta red de eventos. Es cierto, son muchos y obviamente es imposible ver todo. Aún así, cada cual hace su recorrido y elabora su propio panorama, así como una serie de obras o situaciones que le parecen relevantes.

En este orden de ideas esferapública estará publicando en el curso de esta semana una serie de entrevistas con críticos, artistas y curadores en torno a este tema.

Iniciamos con Guillermo Vanegas, quien reflexiona en torno a los eventos en general, su divulgación en los medios, las propuestas curatoriales y su incidencia en el campo de las prácticas artísticas e institucionales.

(Para escuchar la conversación, pulse el botón rojo en la parte superior de la imagen)

Crítica en Directo # 30: El Mes del Arte (2) 


Sobre la mala leche: de lo light al re-formance

Geene Courtney, Sausage Queen. Patrocinadao por Zion Meat Company durante la semana nacional del Hot Dog en USA, 1955.

Geene Courtney, Sausage Queen. Patrocinadao por Zion Meat Company durante la semana nacional del Hot Dog en USA, 1955.

Por Carlos Monroy

Corrección Clara Giraldo

Después de salir del recelo que me provocó leer el texto La incesante repetición del gesto, me cuestioné sobre las expectativas que han recaído en el performance como medio y evento artístico en los últimos años y por qué ha crecido exponencialmente el número de practicantes, exposiciones y facultades que se dedican al género. Pensé en los procesos de domesticación e institucionalización por los que ha pasado desde los sesenta y, en consecuencia, en las cargas e intereses que recaen hoy sobre sus practicantes cuando realizan una obra de arte-acción.

El tema me resulta tan propio y al mismo tiempo tan espinoso, que no me es posible abordarlo todo en un solo texto, por lo tanto, en esta primera instancia compartiré diez preguntas que considero relevantes, pues afrontan problemas del performance en la contemporaneidad y revelan el planteamiento reducido, ligero e intrépido que La incesante repetición… expone.

  1. ¿Lo que se espera del performance en términos de impacto social, creativo o político es viable o son metas absurdas con respecto a la oposición, reacción o complacencia de lo que un cuerpo consigue realmente desempeñar frente a la maquinaria del mercado o las instituciones?
  1. ¿El agotamiento estético del medio es tan “evidente, light y trillado” que permite empaquetar las acciones en grupos del mismo comportamiento sin tener en cuenta los detalles de cada acción, minimizando las consecuencia estéticas, políticas y sociales de cada una? ¿Puede hacerse el mismo ejercicio con cualquier otro medio artístico?
  1. ¿Es posible que el agotamiento generado por la repetición incesante sea justamente, el elemento más potente y reaccionario de la práctica en el arte-acción, teniendo en cuenta que los gestos son repetidos en diversos contextos, sociedades y lugares por diferentes personas, de modo que es imposible atribuirle autoría a la generalidad del gesto?
  1. ¿Por qué seguimos juzgando los lugares comunes y los espacios permisivos del “cliché” de la practica apoyándonos arcaicamente en la figura de un autor con barnices decimonónicos y modernos, en vez de abordarlos como espacios pedagógicos, divertidos, necesarios y ante todo singulares?
  1. ¿La novedad mantiene el arte-acción vivo o, por el contrario, escuda y patrocina las embestidas del capital?
  1. ¿Existe alguna diferencia entre los gestos de los artistas de arte-acción y los mismos, reiterados por “otro tipo de performers” como Lady Gaga? Si existe, ¿radica en los cuerpos, contextos, intereses, intenciones o en el mercado que cada uno habita? Y si no, ¿por qué nos frustramos al sentir que la esencia de la acción es traicionada cuando el mercado filtra, engulle y explota los mismos gestos?
  1. ¿Por qué asumimos el arte-acción como un medio crítico per-sé que no debe tener nexos directos con el espectáculo? Si esta condición fuese indiscutible, ¿no deberíamos buscar metodologías para que la crítica sobreviva sin resquebrajarse, consiguiendo cohabitar inteligentemente dentro del espectáculo, en vez de juzgar el arte acción bajo los mismo paradigmas del mercado?
  1. ¿La preocupación por diferenciar lo que es de lo que no es arte-acción y por justificarlo son problemas falsos, opuestos a los argumentos abarcadores que defienden la práctica desde sus inicios, como un medio libre de presiones y limitantes con la posibilidad de abrazar cualquier gesto corporal creativo, libertario y perspicaz sin importar lo que este sea?
  1. ¿Será que la “malsana y ya vívida mediocridad creativa” de los practicantes del arte acción es un mal común o es la manifestación de un proceso de construcción consecuente de discurso, carrera, aprendizaje y vida, por el que todo artista debe pasar?
  1. ¿“Lo que presentan y re presentan muchos artistas de performance es elemental y sin profundidad” o nuestra mala leche y carencia de comunidad es tan grande que nos impide recibir la acción de otro con tolerancia, humildad y empatía entendiendo la exposición de cada cuerpo como un gesto de vulnerabilidad, apertura y diálogo?

Existe performatividad al escribir un top 10. Es un ejercicio hecho por muchos y repetido en diversas formas y contextos, es en sí un gesto reiterado. Se forma a partir de una visión que divide, segmenta y reagrupa a su parecer, captando solo la voluntad del consumo, achatando la perspicacia y los detalles. Presenta generalidades rápidas y tips prácticos que, afanosamente, ayudan a encontrar un producto de “calidad”, sin tener que tomarse el trabajo de perderse en los más ricos laberintos de la experimentación y anulan la capacidad de aventurarse entre los productos que no tienen la supuesta calidad.

Hemos hecho y re hecho tops 10 porque son insaciables y siempre están listos para reformularse. Los diez gestos más utilizados del arte-acción no son la excepción, ni mucho menos estas diez preguntas sobre el arte-acción en la contemporaneidad. Sin embargo para mi fortuna, y sabiendo que insisto en un gesto repetido, hago un top 10 que espero que suscite mas de diez respuestas.

La incesante repetición… asume que el registro fotográfico es un documento veraz que refleja toda la acción. Esto es visible al hacer una consulta rápida y constatar que las imágenes de los seductores collages que acompañan el texto no solo corresponden a obras de arte acción, sino también a memes; registros de esculturas, danza contemporánea y piezas teatro; fotografías de catálogos de productos comerciales y de moda; entre otros infiltrados. Estas inserciones no son felices, pues resulta evidente que no se hicieron en función de expandir los límites de la práctica, sino que se escabulleron al asumir la tirana e intimidante orden del progreso; por eso basta una pesquisa superficial, fría, exacta y mecánica como la que ofrece Google cuando escribimos: performance art red dress o performance art naked.

El texto debería llamarse Los diez gestos más encontrados en fotografías de registro de performance, para que en su persuasión existiesen brechas cuyas dudas con respecto al campo de acción y al objeto discutido permitieran ignorar el error. Usar imágenes que no fueran de arte acción, aunque lo parezcan, era una simple norma de cortesía con sus practicantes y con los lectores, puesto que el énfasis de tan severa crítica era el arte acción.

Mientras los collages repiten fragmentos de las mismas acciones o artistas y el texto rescata el valor imprescindible de un mítico original, las otras imágenes se someten a una posición secundaria de copia sin valor que solo sirven para ser explotadas convenientemente sin reconocerlas. A través de la mea culpa, la autora pretende exorcizar su preocupación por cometer lo que cree un error y en el proceso reduce a migajas el tiempo vital que los creadores invirtieron aplanando maliciosamente la singularidad de cada uno. El texto muestra una misantropía comparable a la homogenización y el control de los cuerpos de los que todos hacemos parte.

Sin embargo, no todo me causó recelo, gracias al texto adelanté significativamente la compilación de información para mi trabajo académico y artístico más reciente la serie Re-formance puro Re-formance; facilitó que conociera el trabajo de una parcela de gente que no sabía que existía; y me obligó a reflexionar con empatía y consciencia la práctica de los otros, de su autora y la propia. Por eso quiero compartir toda la información que encontré de cada imagen de los collages, para restablecer la procedencia y autoría, de modo que sea posible otorgar o no el valor que cada de una estas acciones pueda tener.

Sí, he insinuado en todo el texto que la repetición del gesto a-autoral puede ser el factor más poderoso de la practica en actualidad, pero justamente su importancia radica en reconocer quien y por que lo esta repitiendo.

Después de los links, encontrarán un collage con las imágenes de las cuales no conseguí información y que agradezco que con la ayuda de sus autores o conocedores pueda completarse.

 

  1. Sobre el desnudo

 

Erika Ordosgoitti. Intervención Monumental 2012

https://www.youtube.com/watch?v=1FQyA4WrA1o

 

Stephanie Monserrate, Hector Cruz y Seil Roman. (Esto aquí no es una plaza): arte, cuerpo y derecho. 2014

https://www.youtube.com/watch?v=zXgXMiPpS5Y

https://www.youtube.com/watch?v=dyEz9czZQh8

 

Macarena Perich Rosas. Tajo 2013. Venice Performance Art Biennal

https://www.youtube.com/watch?v=J-mPWst5FNo

 

Penny Harpham, Kat Henry y William McBride. Deliverance Artstripped Bare. 2010. Berlin

https://www.youtube.com/watch?v=i3uOT7BgiOs

https://www.youtube.com/watch?v=KG-7za6w0Vc

 

Diana J Torres. Pornoterrorismo. 2014.

https://www.youtube.com/watch?v=my71lf66g_c

http://vimeo.com/28740729

http://vimeo.com/96643146

 

Jerome Bel. Nomme Donne par l’ateur. 1994. (Danza Contemporánea)

http://www.kaaitheater.be/fr/e1289/jerome-bel/

http://www.jeromebel.fr/spectacles/videos?spectacle=Nom%20donn%C3%A9%20par%20l%E2%80%99auteur

http://www.jeromebel.fr/CatalogueRaisonne/?idChor=1

http://www.louvre.fr/jerome-bel-1995

 

Franko B. I’m Thinking of You. 2010.

http://www.youtube.com/watch?v=EtF7kgygS3o

 

Jessica F Hirts (USA-Spain). Nevertheless 2010. (2 de las fotografías)

http://jessicafhirst.com/performance-/nevertheless

https://www.youtube.com/watch?v=-Aaud3tjwyE

 

Feelarte. Ruth Madruga, Mafalda Gómez, Álvaro Pérez, Ester López, Pilar Gil,Carlos González, Íñigo Sanz, Aldán Pino, Aroa Gómez, Sara Segovia y Carlos Sanz Aldea. Cuarenta y Ocho Ocasiones 2013.

http://proyectoarteaccion.wordpress.com/

 

Johannes Deimnling. No rose without a thorn. 2007

http://bbbjohannesdeimling.de/index.php?/hidden/no-rose-without-a-thorn–2007/

 

Joseph Ravens. Corvus 2012.

http://josephravens.com/video

 

Ma Liumin. Fen Ma Liuming in Lyon. 2001.

http://tremblebot.tumblr.com/post/13846985599/ma-liuming-fen-ma-liuming-in-lyon-france-2001

 

Kyra O’reilly. Synocpation (for more bodies) 2010

http://performatus.net/kira/

https://vimeo.com/70929385

https://vimeo.com/15857326

 

Elke Auer y Esther Straganz. The Queen of Eggs. 2010 (Escultura y fotografías)

https://andiepandyland.wordpress.com/category/degree-work/2nd1st-year/research/page/3/

 

Marina Abramovic. Lips of Thomas. 2005 (Re-enactment)

https://www.youtube.com/watch?v=dRVJo8AQs5E

 

  1. Sobre el uso de vestuario rojo

 

Christine Brault. Your space or mine. 2011.

http://www.youtube.com/watch?v=xwXyvFGN_a4

 

Angie Hiesl y Roland Kaiser. China-hair-connection. 2007-2008. (Curaduria)

http://angiehiesl.de/eng/?page=cat&catid=163#

http://www.angiehiesl.de/chinae/pages/gallery/beijing.php

En esta curaduria Snežana Golubović. Makadam. 2007 – 2008.

https://www.youtube.com/watch?v=K8-i-6bqZIM (Otro trabajo)

 

Mella Jaarsman. Animals have no Religion. 2012 (Escultura/Performance para modelos)

http://mellajaarsma.com/installations-and-costumes/animals-have-no-religion-indra-i/

http://www.tumblr.com/search/Mella%20Jaarsma

 

Camila Cañeque. Dead End. 2010

https://www.youtube.com/watch?v=yLGOBJMg2IM

http://www.20minutos.es/noticia/1730396/0/camila-caneque/artista-censurada/feria-arco/#xtor=AD-15&xts=467263

 

Grimaldy Polanco. Return Link. 2012

http://perrorabiosoblog.wordpress.com/tag/eliu-almonte/

 

Dot Howard. Red carpet performance. 2004

http://www.dothoward.com/page15.htm

 

Macarena Perich. OM. 2008

http://patagoniaperformance.blogspot.com/

 

Eike Trinks. I like to educate myself. 2010

http://vimeo.com/16656911

http://ieketrinks.nl/wp-content/uploads/2010/12/2013-07-26_ieke-trinks.pdf

 

Julie Laffin. Guardian of the damned. Photos in exile 2008 (Serie Fotográfica) y Kiss Piece. 1996

http://www.julielaffin.com/photos-in-exile.html

http://www.julielaffin.com/kiss-piece.html

 

Nguyen Kimhoang. 11th NIPAF Asian Performance Art Series. Untitled 2006

http://www.aaa.org.hk/Diaaalogue/Details/204

 

Helena Goldwater. Once in a while. 2012

https://www.youtube.com/watch?v=QQ39WwB_Np8

 

Marina Abramovic. Energy Clothers. (Vestimentas)

http://www.harpersbazaar.com/culture/reviews/marina-abramovic-profile-1113

 

Escuela de Danza, Musica y Teatro Constantino Carminio. Condenada Sangre 2013.

http://www.eldiario.com.ar/diario/cultura-y-espectaculos/89574-condenada-sangre-de-la-imagen-del-otro-al-movimiento-en-el-espacio.htm

 

Nezaket Eciki. Defiant. 2009

http://vimeo.com/91698798

 

Therica Mayoral. Reflejo. 2005

http://therikamayoralenglish.wordpress.com/performance-1/

 

Ursula Ochoa. Misóginos. 2012- 2014

http://ursulaochoa.weebly.com/misoginos.html

 

Francesco Kiàis “IN-BETWEEN” | 1st Cyprus International Performance Art Festival 2013

https://www.youtube.com/watch?v=KwiMkDp1Nd0

 

Encrucijada por Anabel Vanoni. 2006

https://www.youtube.com/watch?v=e5JW1FXp7XA

 

Julie Andreé T. Rouge.

https://vimeo.com/31549957

 

Francesca Fini. Five actions with red gloves 2013 (Video-performance)

http://vimeo.com/60225669

 

The Red Man Group. (Cover del Blue Man para eventos empresariales, conferencias, etc)

https://www.youtube.com/watch?v=I4SQRHyNq74

 

Jelili Atiku. Lagos in Red. 2014

http://africasacountry.com/short-documentary-on-lagos-performance-artist-jelili-atiku/

 

Licra Enterisa. (Foto de catalogo de productos)

http://fr.aliexpress.com/item/Full-body-lycra-spandex-zentai-catsuit-light-brown-Leotard-S-XXL-costume-A001/553827127.html

 

Brittany Chavez. Feminicidio. De eso no se habla. 2013

https://www.youtube.com/watch?v=HMfaMpa3WEI&list=UUPaM4M7XB5tbCSUfv8HIWHw

 

Chiharu Shiota. Becoming Paint.1994

http://www.nastymagazine.com/digital/art/4341/chiharu-shiota

 

Melissa Aguirre. Intra Melissa. 2010

http://melissacorporalidad.blogspot.com/

 

  1. Sobre el uso de carne cruda

 

Dimitry Tyskalov. Meat Series. 2008 (Escultura y Fotografía escenificada)

http://dimitritsykalov.com/ – meat

 

Abel Azcona. Dirty Meat.

http://www.abel-azcona.com/dirty-meat

 

Jana Sterback. Vanitas: Flesh Dress for an Albino Anorectic 1987 (Escultura y Fotografía escenificada)

http://janasterbak.com/imageoeuvre/index.php?album=vanitas-flesh-dress-for-an-albino-anorectic/

 

Meme. Anonimo. (Meme encontrado en una pagina de absurdos polaca)

http://www.wiocha.pl/1107509,Eurowizja-2015

 

Tania Bruguera. El Cuerpo Del Silencio. 1997-1998 y El peso de la culpa 1997.

http://www.rtve.es/television/20101129/tania-bruguera/383517.shtml

 

Gabriela Rivera. Bestiario y Presentación Personal. 2012 / 2004-2006 (Objetos y Série Fotográfica)

https://www.youtube.com/watch?v=OwBPv2nt6d8

http://gabrielarivera.blogspot.com/p/portafolio.html

 

Tate Mosesin. Every Band Has A Shonen Knife Who Loves Them. 1989 (Fotografia para caratula de album punk)

http://tralfaz-archives.com/coverart/V/Various/VA_shonen.html

 

Max Provenzano. ¿Somos Carne? 2013

http://maxprovenzano.tumblr.com/post/49392427551/somos-carne-performance-fugaz-2da-feria-de

https://www.youtube.com/watch?v=uemUtE9XwVM

 

Johannes Deimling. All Saint. 2011.

http://www.youtube.com/watch?v=PYlz3IfidKI

 

Day Wihtout Meat. Animal Equility. (Grupo de Activismo de Barcelona por el derecho de los Animales)

http://www.youtube.com/watch?v=dUXfcHFIfVk

 

Zhang huan 1/2 (Meat). 1998 (Fotografia) My NYC. 2002.

http://www.zhanghuan.com/ShowWork.asp?id=20&iParentID=1

https://www.youtube.com/watch?v=KQTRI_eXo8M

 

Bacon Bikini Sessions (Serie de fotografias Semi-Pornografica site fetiches aleman)

http://www.wurstgott.de/?attachment_id=308

 

Raw Meat Models (Meme / Session de fotografía de moda)

http://thecrazypins.com/category/bacon-crazy/

 

  1. Sobre el uso de sangre o pintura roja en alusión a esta

 

Julie Andreé T. Unexpected Thought. 2002 y Viva! 2006

http://www.foi.sg/foi6/index.php?/project/julie-andree-t-canada/

https://www.youtube.com/watch?v=8so3p5gM1u4

http://vivamontreal.org/archivesen/2006-2/julie-andree-t/

 

Naivy Perez. S/T Acción No.1 2004

http://naivyperez.blogspot.com/p/performance.html

 

Ron Athey. Self Obliteration #1: Ecstatic 1 y 2. 2011

https://www.youtube.com/watch?v=yXpSqcCO8QU

http://vimeo.com/33845331

https://www.youtube.com/watch?v=lA6M5vADGtI

 

Zhang Huan. Angel 1993

http://www.zhanghuan.com/ShowWorkContent.asp?id=45&iParentID=44&mid=1

http://www.zhanghuan.com/ShowText.asp?id=19&sClassID=1

 

Maria AA. La Alfombra 2009

http://www.elrollohigienico.com/index.php?option=com_content&view=article&id=898:proceso-publico-de-maria-aa-en-la-galeria-weber-lutgen-de-sevilla&catid=68:noticias-artes-plasticas&Itemid=139

 

Regina José Galindo: Quien puede Borrar las huellas. 2003 y Ablución 2007.

https://www.youtube.com/watch?v=SDTLipg9vMc

http://hemisphericinstitute.org/hemi/pt/galindo-huellas

http://artpulsemagazine.com/bodily-remarks-the-performance-art-of-regina-jose-galindo

 

Abel Azcona. Primal Wound y My body mu rules. 2012 / 2013

https://www.youtube.com/watch?v=ka1sPAfxjDs

http://www.abel-azcona.com/my-body-my-rules

 

Poky Alejandro Zertuche. 21 y ni 100. 2011

http://mtyperformanceart.blogspot.com/2011/04/accion-21-y-ni-100.html

 

Carlos Espaliu y Abajo Izquierdo. 4 Cadenas.

http://www.abajoizquierdo.com/en/2012/02/02/4-cadenas/

https://www.youtube.com/watch?v=7Qjx9jrZZdY

Dominic Johnson. Vision of excess Night. The International Performance Festival 2009 at Warehouse9

https://www.youtube.com/watch?v=THfuWFbWWT4

http://www.body-pixel.com/2011/01/25/interview-with-dominic-johnson-on-pain-and-performance-art-embodiment/

 

Paul McCarthy: “Sauce” (1974)

https://www.youtube.com/watch?v=jfdacEJgqy4

https://www.rochester.edu/in_visible_culture/Issue_14/pdf/clevine.pdf

 

Abertura Vaginal. Mi cuerpo mi sangre mi templo. 2013 (Grupo de activistas feminine de Malaga)

http://vimeo.com/83051597

http://revistaelobservador.com/sociedad/7353-video-una-enorme-vagina-de-mas-de-un-metro-de-altura-procesionada-por-las-calles-de-malaga-al-grito-de-viva-mi-con

 

Franko B. Mama I can’t sing. 1995

http://www.jstor.org/discover/10.2307/1146718?uid=3737808&uid=2&uid=4&sid=21104709330493

https://journals.ku.edu/index.php/jdtc/article/viewFile/3393/3322

https://www.youtube.com/watch?v=ic6fOEkpiko (I miss you)

 

Beth Moyses. Lecho Rojo. 2007

https://www.youtube.com/watch?v=2pambKQDhrk

 

Sarah-Jane Grimshaw, Untitled. Festival Internacional de Performance “Ensemble of Women”. 2007

http://www.canalcontemporaneo.art.br/arteemcirculacao/archives/001515.html

 

Nezaket Ekici. Torch in the wind (Fackel im Wind). 2006

http://www.ekici-art.de/_e/art/performances/project_detail.php?id=65

 

Ursula Ochoa. Domesticas. 2012

http://ursula8a.blogspot.com/2011/09/domesticas.html

 

  1. Sobre hacer pintura vaginal

 

Francis O’Shaughness and Sara Letuorneau. Notre collation 2010. Bienal de Performance 7a*11d

https://www.youtube.com/watch?v=KyYHq4L5X8M

 

Lilibeth Cuenca Rassmussen. The Void. 2008

http://www.lilibethcuenca.com/A-Void

 

Cristina Padura. Sin Titulo Sin año. Pinturas con mestruación.

http://hormigaciones.blogspot.com/2007/06/cristina-padura.html

 

Miro Milo. The Plop Egg. 2014

https://www.youtube.com/watch?v=wRM_Wyj7elI

http://www.milomoire.com/?p=466

https://www.youtube.com/watch?v=wKFZOIv5sS0

 

Lauren Barry Holstein. cABARET / sPLAT

http://vimeo.com/thefamouslbh

 

Sue Casa y Lydya Brunch. Loving Hair Vagina Painting 2014

http://www.somarts.org/workmore-womenhouse/

 

Lina Pardo Ibarra. Una Mujer de Rojo. 2013

http://esferapublica.org/nfblog/una-mujer-de-rojo/

https://www.youtube.com/watch?v=5moXbgsoK7g

 

Su Ping e Ron San. Bu Zhi Dao / Don’t know. 2010

http://www.globaltimes.cn/content/535227.shtml

http://cimitan.blogspot.com/2011/05/shigeko-kutota-e-vagina-painting.html

 

Shigeko Kubota. Vagina Painting. 1965

http://www.artnet.com/magazineus/features/saltz/saltz4-7-08_detail.asp?picnum=2

 

  1. Sobre embadurnarse con pintura, alimentos o fluídos sobre el cuerpo

 

Nicole Soden y Eliú Almonte. Yelidá en agua dulce. 2012

https://www.youtube.com/watch?v=V6JWcd28JbI

https://www.youtube.com/watch?v=0QALA3PQjqE

 

Johannes Deimling. Being friends [what’s in my head #13] 2010

http://bbbjohannesdeimling.de/index.php?/hidden/whats-in-my-head-14–being-friends–2010/

 

Otto Muehl. Wehrertüchtigung 1967

http://www.ubu.com/film/muehl_wehrer.html

 

Nacho Ramírez. Flowing self-portrait. 2006 y Flowing Figures 2007 (Video Performance)

https://www.youtube.com/watch?v=SLkBgKVtpHI

http://www.nacho-ramirez.com/video-videoperformance/

 

Sarah Sitkin. Fotografia do Baseck (Foto do DJ de L.A. Baseck)

http://www.sarahsitkin.com/post/36630403896/baseck

 

Nohemí Peña Vera y José Luis Romero Chino. Rojo Impune. 2009

http://www.corneta.org/no_94/evento_de_performance_horasperdidas.html

 

Protomartires. Jose Alejandro Restrepo 2010 / Actor Cesar Badillo. (Video Performance)

http://hemisphericinstitute.org/hemi/es/restrepo-entrevista

 

Robert Melee. Splosh- 2011 (Set up para serie fotografica)

http://robertmelee.com/video-splosh.html

 

AJ Splosh Girl. Accords Perdus Borderline Biennale. 2011

http://vimeo.com/tag:aj+splosh+girl

http://vimeo.com/26108224

http://youtu.be/-tf8XFS2RMs

 

Carry Flag. Nutella Priest. 2013

https://www.youtube.com/watch?v=bdFi9Lab5eU

https://www.youtube.com/watch?v=o-96erIM50o

http://boingboing.net/2013/02/24/nutellaaarrghhhh.html

 

Cynthia Rowley y Olaf Breuning. Splash. 2010.

http://www.moma.org/explore/inside_out/2010/10/25/art-and-fashion-team-up-for-move-at-moma-ps1

 

Nacho Ramirez. Choco Adiction. 2007 (Video Performance)

http://www.nacho-ramirez.com/performances/

 

Alanna Lynch. Untitled performance (Nutella). 2013

http://alannalynch.wordpress.com/2014/06/20/untitled-performance-nutella/

 

Jurgen Scholl. (Diseñador y Marketing Aleman)

http://www.displayartist.de/

 

Olaf Breuning y Cynthia Rowley. Splash. 2010

https://www.youtube.com/watch?v=WjiXiHEm02I

 

Eric Paul Owens (EGGS) FODIE! 2010 (Libro de fotografo)

https://www.flickr.com/photos/ajaxserix/sets/72157607910010016/

http://www.ericpaulowens.com/foodiepo

 

Meg Watcher. Dumped! 2007 (Serie Fotografica)

http://www.megwachter.com/about

http://www.divinecaroline.com/entertainment/dumped-fourteen-reactions-getting-covered-goop

http://vimeo.com/1269868

 

Hector Canogne. Hombre de Barro. 2013

https://www.youtube.com/watch?v=3frBJmgrkI8

 

Mess Mistress’s .Sploshing Honey B (Usuaria de Youtube – Fetichistas virtuales)

https://www.youtube.com/watch?v=yD8xAhdLR7k

 

Karen Finley. Fotografias de presentacion de la artista para su pieza Shut Up and Love Me tomadas por Timothy Greenfield-Sanders.

http://www.greenfield-sanders.com/image/karen-finley-honey-grid-1

 

The Splosh Restaurant.

http://flickrhivemind.net/Tags/splosh/Recent

 

  1. Sobre envolverse lanas, cabellos, cordones, sogas, cintas o alambres a la cabeza

 

Micheline Torres. Carne. 2008 (Danza Contemporanea)

https://vimeo.com/67842109

http://www.bienaldedanca.com/atividades-bienal-de-par-em-par-2010/micheline-torres

 

David Masllorens. Aktion mit dem Kopf. 2011 (Video performance para proyección durante performance Muestrarte)

https://www.youtube.com/watch?v=JhQVB5_NTak

https://www.youtube.com/watch?v=JMf0ri8cw4E&list=UUY90mYNkbPrcwQvlUk-DZAw

 

Laura Armstrong. Facial Manipulation. 2013 (Serie de fotografías)

http://lauraarmstrongartworkfoundation.wordpress.com/2013/09/26/annegret-soltau-response-facial-manipulation/

http://lauraarmstrongartworkfoundation.wordpress.com/2013/09/26/soltau-albert-watson-response-edits/

 

Gilivanka Kedzior y Barbara Friedman. Double Bind. 2010

https://vimeo.com/20869798

https://vimeo.com/74813798

 

Ryoko Suzuki. Bind. 2001 (Fotografias)

http://www.brooklynmuseum.org/exhibitions/global_feminisms/suzuki.php

http://www.brooklynmuseum.org/eascfa/feminist_art_base/gallery/ryokosuzuki.php?i=1612

 

Gim Gwang Cheol. Memory Loading. 2006.

https://www.youtube.com/watch?v=iNC2T536bjc

 

Mike Parr. Close the camps. 2002.

http://www.themonthly.com.au/mike-parr-close-concentration-camps-2002-performance-art-anne-marsh-4006

http://artasiapacific.com/Magazine/62/DecapitationsAndProtestationsCutBurnStitchAndDrawMikeParr

https://www.youtube.com/watch?v=ljtZsmEHxT0

 

Melissa Aguirre. Acción sin titulo. 2007.

http://melissagarciaaguirre.weebly.com/2007.html

 

Otto Muehl. Kardinal. 1967

https://www.youtube.com/watch?v=8xs5wiLbQZA

 

  1. Sobre escribirse en el cuerpo o permitir que escriban sobre él

 

Zhang Huan. Family Tree. 2000

http://www.zhanghuan.com/ShowWorkContent.asp?id=27&iParentID=18&mid=1

 

George Pfau. Transfer Drawing. 2009

http://www.georgepfau.com/art/transfer-drawings#

 

Niña Yhared. Historias de mi piel. 2013

http://www.yhared.com/

 

Marina Widén. Subcutis. 2012

http://veniceperformanceart.tumblr.com/post/38086345213/la-cosa-piu-importante-un-resoconto-delle-giornate-di

 

Darren Saravis. Codes of Conduct Book. 2009 (Libro de fotografías)

http://www.darrensaravis.com/

 

Marleny Pineda Montoya. Performance. 2006.

http://newidentityofwomen.free.fr/artistes/marleny/

 

Vortexgrey. To Write Love On HIS Floor. 200

http://vortexgrey.deviantart.com/art/To-Write-Love-On-HIS-Floor-86740982

 

Milo Moire. The Script System.

https://www.youtube.com/watch?v=fp3kRUoPwhY

 

Gabré kvadratu. Performance Art. 2012

http://notharuhi.deviantart.com/art/Performance-art-tranc-309513582

 

Dennis Oppenheim. Two stages tracing drawing. 1971

http://www.dennis-oppenheim.com/early-work/153

http://www.medienkunstnetz.de/works/two-stage-advancing/

 

  1. Sobre uso del hielo

 

Nico y Katiushka. Melt. 2008

http://www.nicoykatiushka.org/index.php?/project/melt/

http://www.artishock.cl/2011/08/chile-en-la-bienal-del-museo-del-barrio/

https://vimeo.com/36037600

 

Yara Molina. Artificio del Consuelo. 2006 (Escultura)

http://www.criticarte.com/Page/file/art2006/ArmandoMigulzYaraAlmoina.html

http://issuu.com/xanygonzalez/docs/revista

 

Tom Pain. Grupo Reforma. 2011. (Monologo Teatral – Gerardo Trejoluna)

https://www.youtube.com/watch?v=81agtEHqu5M

https://www.youtube.com/watch?v=Uf5iCSWIw4k

http://www.youtube.com/playlist?list=PL4C77998C0DF1EF5D

 

Overflow, a reinvention of Allan Kaprow’s Fluids by the LA Art Girls, The Getty Center, 2008

http://www.getty.edu/research/exhibitions_events/events/overflow/video.htm

https://www.youtube.com/watch?v=RZ_FAgfJsss

 

Zhan Huan. Pilgrimage Wind and Water. 1998

http://www.zhanghuan.com/ShowText.asp?id=14&sClassID=2

 

Allan Kaprow. Fluids. 1963-2005

http://www.tate.org.uk/context-comment/blogs/performance-art-101-happening-allan-kaprow

http://www.art-agenda.com/shows/allan-kaprow-fluids-19672005/

 

Paul Kos. Glacier Golf. 1982 (Fotografia)

http://www.artnet.com/artists/paul-kos/glacier-golf-a-xwHC3hYaYpVF2C_WqPjO7w2

 

Melissa Aguirre. Auto retrato en Hielo. 2005

http://melissacorporalidad.blogspot.com/

 

Christine Brault. Latina del Norte 1 y 2. 2013

http://catarsisdiaria.wordpress.com/2012/08/20/el-arte-nos-cria-y-la-performance-nos-junta-en-miami/

 

Marina Abramovic. Lips Of Thomas. 1975/2005

https://www.youtube.com/watch?v=dRVJo8AQs5E 2005

http://www.li-ma.nl/site/catalogue/art/marina-abramovic/thomas-lips-1975/7215#

http://www.moma.org/explore/multimedia/audios/190/2000

 

  1. Sobre hacer action painting

 

Abajo Izquierdo. Start Again. 2012

http://vimeo.com/69762683

https://www.youtube.com/watch?v=7Qjx9jrZZdY

 

Lee Wen, Jiang Jing, He Liping. Anthropometry Revision: Yellow Period (After Yves Klein) 2008

http://leewen.republicofdaydreams.com/anthropometries.html

http://www.scribd.com/doc/46874893/Anthropometry-Revision-Lee-Wen

https://www.youtube.com/watch?v=l6XTGnAS_ss

http://leewen.republicofdaydreams.com/journey-of-a-yellow-man.html

 

Lilibeth Cuenca. Nevermind Pollock. 2013 y Void 2007

http://www.kunsten.nu/artikler/artikel.php?iperformancekunstenkanmanikkegemmesig

https://www.youtube.com/watch?v=kTSnHs80508

https://www.youtube.com/watch?v=vwAirpTRL5M

 

CULTUREBOT ephemeral evidence. Giant Yves Klein All Out Attack. 2012.

http://www.culturebot.org/2012/04/12826/culturebots-ephemeral-evidence-at-exit-art/

http://www.culturebot.org/2012/04/13187/culturebots-ephemeral-evidence-live/https://vimeo.com/43107931

 

WILD’Hiroyoshi Takeda, Oyogu Hirasakana, Takuma Kobayashi, Shinji Kashima Action, Ribido orchestra, Yuta&Itaru, Juri Tanaka, Kazuki Ohta y Kenzi. Design Festa vol.19. 2006.

http://hiroyoshi-takeda.com

https://www.youtube.com/watch?v=3JDJJmpMWSU

 

Inti Pujol y Jose Diego. El terror de los degenerados. 2013 y Extracción. 2011

http://vimeo.com/76575175

https://www.youtube.com/watch?v=AMfq4yThNRY

 

Julie Andreé T. Death Nature. 2012

http://vimeo.com/54636588

http://www.fta.qc.ca/fr/spectacles/2012/nature-morte

https://www.youtube.com/watch?v=ofDk8cbmqPM

 

Maria AA. Homenaje a Yves. 2007

http://vimeo.com/21489581

 

Janine Antoni. Loving Care. 1964

http://www.pbs.org/art21/images/janine-antoni/loving-care-1993

http://www.marthagarzon.com/contemporary_art/2011/01/janine-antoni-loving-care-lick-and-lather/

 

Alex Ayala. Flickr. 2012 (Fotografia)

https://www.flickr.com/photos/64193099@N03/

 

Andrea Seeber. Untitled. ¿Año?.

http://www.clarin.com/sociedad/Performance-Artista-Galeria-Vasari-Fernando_5_538196177.html

 

Anka Leśniak. Leaction painting 1. 2008.

http://www.ankalesniak.pl/action_painting2008.htm

http://www.dailymotion.com/video/xe5qse_anka-lesniak-body-of-art_creation

Jorge Brantmayer. Blanco. ¿Año? (Fotografia).

http://www.galeriaanimal.cl/ediciones/jorge-brantmayer/

 

Mike Shane y BellaVolen. Action Painting (Empresa profesional de Body Paint en Alemania)

http://www.bodypainting.at/

 

Peter Ziegler. Action Painiting In Assamstadt. 2014 (Fotografia de Moda)

http://www.peterziegler.net/galerie/action-painting/

 

Margo Onnes e Kim Schonewille. Imagen para Marketing de VAK Workshop. 2013

http://aangeschotenwild.com/2013/programma/sncultuurplein/workshop/?lang=en

 

CollagueLOW

Collague de imágenes sin información.

 

 


El proyecto Casa Desorientada de Mateo López y Lucas Oberlaender ganó la Bienal de Arquitectura

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La casa es un cubo de cuatro metros de ancho, tres y medio de alto, y cuatro de profundidad, construida en madera prensada. No tiene ventanas y puede flotar como una suerte de barco sin dirección.Para orientarse, el posible habitante debe observar el cielo a través del patio central, que conecta el exterior con el interior, el arriba y el abajo.

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Además, la casa se puede armar en menos de dos días. El proyecto, que lleva el nombre de ‘Casa desorientada’, resultó ganador de la XXIV Bienal de Arquitectura Colombiana, en la categoría arquitectura de interiores y arquitectura efímera, que este año premia obras hechas por colombianos conscientes de la realidad de un país que busca la transición hacia la reconciliación.

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Dos bogotanos, Lucas Oberlaender y Mateo López, fueron los creadores de esta vivienda individual, que problematiza de alguna forma las bases de la arquitectura tradicional.

“Yo la hice como arquitecto y para mí es una obra que plantea cuestiones sobre vivienda. La casa, finalmente, no tiene todos los elementos para que pueda funcionar como una casa. Los tiene en potencia, como posibilidad. Pero, en el fondo, es una casa que puede llegar a ser un poco agobiante”, cuenta Oberlaender, arquitecto de la Universidad de los Andes.

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La entrada está localizada en el techo, que sirve también como terraza y balcón. El lugar está pensado como un espacio sostenible, pues, además de reciclar el agua, genera energía a través de paneles solares.

Aunque el cubo cuenta con todos los elementos típicos de una casa corriente (baño, cocina, cama, comedor), la estructura se mueve en esa frontera entre la arquitectura y el arte, pues casi todos los objetos que la componen, diseñados por Mateo López, son reproducciones, simulaciones de una vida que nunca se ha dado allí: los cubiertos están hechos de balso, los platos son de cartón. Todo lo demás (el radio, la peinilla, la caña de pescar) conserva esa misma levedad de lo efímero, de lo cambiante.

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“En el 2011, Mateo me buscó y me dijo que andaba mirando casos en los que ciertas casas habían sido trasladadas de un lugar a otro. La idea entonces era hacer una casa flotante. La reflexión iba dirigida a arquitecturas que no estuvieran atadas a algún lugar”, agregó Oberlaender.

Esas exploraciones por una arquitectura que conservara la posibilidad de desplazarse por un entorno acuático le dieron origen a la obra.

López, artista plástico de la Universidad de los Andes, se había enterado de la historia de Newfoundland, una provincia atlántica de Canadá que se había establecido en los alrededores de un lago hasta que el Gobierno reclamó la pertenencia del territorio.

Los habitantes, en su mayoría personas de escasos recursos, que no tenían dinero para construir un nuevo hogar, montaron, entonces, las casas que ya tenían sobre barcos, como en un naufragio masivo.

Por otra parte, en su viaje a la isla de San Andrés, descubrió que gran parte de la madera de las construcciones de los isleños venía de Canadá. Hace unos años, las casas se movían entre las islas y eran desbaratadas para transportarlas.
Casas parecidas se han visto en películas como Primavera, verano, otoño, invierno… y otra vez primavera, en donde se creó una ermita flotante, que va variando según las estaciones.

También Le Corbusier, siempre preocupado por la vivienda individual, había construido, entre los años de 1951 y 1952, Cabanon de Vacances, una casa de dimensiones precisas para una sola persona, donde el arquitecto pasaba los veranos.

“Tengo un castillo en la Costa Azul que tiene 3,66 metros por 3,66 metros. La hice para mi mujer y es un lugar extravagante de confort y gentileza. Está ubicada en Roquebrune, sobre un sendero que llega casi al mar. Una puerta minúscula, una escalera exigua y el acceso a una cabaña incrustada debajo de los viñedos. Solamente el sitio es grandioso, un golfo soberbio con acantilados abruptos”, solía decir el arquitecto.

‘Casa desorientada’, por otra parte, se construyó en La Calera, en la carpintería de Benjamín Umaña y fue presentada por primera vez en la 44 edición de Art Basel, en Basilea (Suiza), que contó con la participación de 304 galerías de 39 países.

Luego, para la edición 43 del Salón de Artistas, fue ensamblada en el lago del Jardín Botánico de Medellín junto con Lacustre, del artista Germán Botero.

La idea de los artistas no es convertir este módulo habitable en un objeto reproducible.

En definitiva, ‘Casa desorientada’ rompe la lógica habitual de toda arquitectura, pues su relación con el paisaje, con el sol y con el entorno nunca es la misma.

 

publicado por El Tiempo

Fotografías de Julián Roldán – Cortesía de Galería Casas Riegner


Chantal Mouffe | Política y pasiones: cómo movilizar afectos en una dirección democrática

La nueva cátedra, a cargo de Paula Biglieri y Gloria Perelló, fue creada tras el fallecimiento de Laclau, en abril de este año, y se propone continuar el pensamiento del autor de La razón populista. Para eso tomó el formato de cátedra libre y contará no sólo con seminarios de formación, sino que además buscará conformar un espacio de investigación, redes e intercambios con otras instituciones. La cátedra está compuesta por el equipo que trabajó con Laclau en esa facultad y que edita la revista Debates y Combates, también ideada por el filósofo. El objetivo será entonces abordar en ese espacio la filosofía política contemporánea desde la perspectiva de Laclau. Pasiones y afectos fueron el eje de la conferencia de Mouffe, primera actividad de la cátedra. Su presencia por estos días en la Argentina sirvió para realizar, posiblemente, el lanzamiento más adecuado de la nueva cátedra.