Para el Futuro Público

En el marco de la Carta Abierta a Documenta 14, un colectivo autónomo compuesto por artistas, críticos y curadores (CASA), lanzó esta convocatoria que compartimos con los lectores de esferapublica, tanto por un posible interés en participar, como por conocer la forma en que los críticos de Documenta pasan a la práctica y, en un futuro próximo, estar atento a cómo y qué tipo de proyectos responden a esta iniciativa.

Para el Futuro Público | Convocatoria Abierta

PARA EL FUTURO PÚBLICO es una plataforma reflexiva y evolutiva, insertada y diseminada dentro de la ciudad de Atenas.

PARA EL FUTURO PÚBLICO es un “formato de meta-exhibición” descentralizado, una herramienta de medios tácticos y una experiencia de realidad aumentada en forma de exploración urbana peripatética.

La plataforma es un marco de respuesta que apoya prácticas de arte relacional. Es una guía de la “poesía y política” del arte público, intervenciones y acciones participativas. Con EL FUTURO PÚBLICO inauguramos una novedosa forma de mediación cultural del futuro, ajustada al transformado, de-elitizado, codificado y re-iniciado arte contemporáneo.

El programa se centra en proporcionar un marco de colaboración para las respuestas in situ a sitios o contextos específicos en la esfera pública de Atenas. Apoyamos formas híbridas de práctica artística y social, con la comprensión del arte público como un acto participativo, emancipatorio, contrahegemónico y completamente político. Declaraciones, actuaciones y acciones que reconfiguran en torno a demandas sociales, y responden al momento.

A medida que el mundo del arte internacional colisiona con las complejidades de la situación local en Atenas, con la presencia de Documenta 14 transformando la ciudad en una “fase performativa”, nuestro equipo responde directamente a las necesidades de artistas independientes, grupos e iniciativas de base. A través de nuestra práctica queremos cultivar un marco de compromiso que sea fiel a las especificidades de las condiciones en las que trabajamos.

Desafiamos la supuesta universalidad del arte contemporáneo y resistimos a la visión exótica de Atenas como un experimento sureño de sostenibilidad creativa en tiempos de crisis, en su mayor parte construido y negociado en un mercado de capital simbólico conforme a las prerrogativas de un mercado de arte internacional.

Como artistas y activistas que trabajamos localmente y participamos en el discurso global, apoyamos la participación de base y el arte como agente para organizar, revivir, repensar y rehacer la experiencia cotidiana. Apoyamos, por todos los medios posibles, la creación de nuevos espacios temporales en las zonas superpuestas de las prácticas artísticas, el activismo político y la teoría – espacios donde las fronteras entre los artistas y las audiencias son borrosas, donde el concepto de “experiencia” es fluido.

Acogemos el potencial dinámico de nuestra posición marginal. A través de nuestras acciones, imaginamos, construimos y experimentamos sistemas en los que todos los organismos sociales participan en una obra de arte colaborativa en curso.

Nuestras metodologías han surgido de los márgenes, unificando la teoría y la práctica, en la práctica; Se apoyan en la solidaridad, en la autoorganización, en el trabajo duro, en la ingeniosidad, en la responsabilidad social y en las relaciones personales, y éstas seguirán siendo un motor para nosotros. Esta es una lucha común que nos unifica con otros artistas y activistas en todo el mundo. Hoy debemos continuar transformándonos a nosotros mismos y nuestras propias condiciones de posibilidad.

El carácter performativo de nuestra respuesta se manifiesta en todas sus etapas, comenzando por su organización y extensión a su publicidad. Identificando la esfera pública como el sitio de la posibilidad radical y acogiendo la temporalidad como medio, exploramos la noción de la “ciudad hackeable” cuando buscamos subvertir el régimen semiótico dominante replicándolo y reimplantándolo en forma de actos simbólicos y tácticos de resistencia creativa.

La aplicación de celular PARA EL FUTURO PÚBLICO y el sitio web son herramientas de medios tácticos que proporcionan una interfaz dinámica y en tiempo real para proyectos con un enfoque en la esfera pública, con funciones de orientación geográfica, podcasting y notificación push que ofrecen un espacio abierto para la trabajo entre los proyectos participantes, el público y el medio ambiente. Esto permite a los participantes trabajar directamente con la interactividad como un medio.

Además del portal en línea específicamente diseñado para nuestra propuesta, una publicación en línea alrededor de las temáticas clave y un programa de taller ampliarán los contenidos de la plataforma.

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Formato de aplicación y más info de la convocatoria, aquí

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Carta Abierta a Documenta 14

Carta Abierta a Documenta 14El silencio de Documenta es inaceptable y sólo termina por apoyar al Alcalde Kaminis, al Estado, a la Iglesia ya las ONG que se oponen a nosotros y llevan a la fuerza a miles de personas a los campos de concentración segregados, preparados y listos para aquellos cuerpos que su director dice que está tratando de proteger. Este acto violento está dividiendo los cuerpos legítimos de los ilegítimos por la fuerza del estado y Documenta hasta ahora ha estado en silencio. Los eventos previos de la Documenta 14, que hicieron parte de “El parlamento de los cuerpos”, hablaron de las voces de la resistencia, las voces transgénero, las voces de la minoría. Bueno, somos esas voces, no tenemos género, somos migrantes, somos parias modernos, somos los disidentes del régimen y estamos aquí. Caminamos contigo, andamos por las calles paralelas, pero no nos ves – tienes tus ojos entrenados en las líneas de puntos azules de tu Google map. Ustedes han sido programados y condicionados para no vernos, para extrañarnos y evitarnos – nuestra cultura ha sido censurada. Les pedimos que recalibren sus dispositivos, les pedimos que se pierdan, que le hagan hack a su automatización y vuelvan a conectar su punto de vista cultural.

Documenta 14 ¿Aprender de Atenas?

Documenta 14 ¿Aprender de Atenas?¿Con la puesta en escena de Documenta 14 en plazas y calles de Atenas se busca activar la posibilidad crítica y reflexiva del espacio público? ¿o se están utilizando como escenarios para ofrecer una versión nostálgica y exotizada de la Atenas clásica y la contemporánea? ¿de qué forma se insertó todo esta mega exposición en la frágil y precaria escena artística local? Algunos críticos de la escena local han publicado varios artículos que dan cuenta de este proceso, resaltando sus fortalezas y reflexionando críticamente sobre el impacto inicial que tiene en la ciudad y el medio artístico local. La crítica Despina Zefkili escribe lo siguiente en Documenta 14, una reflexión antes de su apertura.


Tejidos

En el poema épico La Odisea, Penélope teje y desteje un manto funerario durante tres años. Ulises, su esposo y rey de Ítaca, se ha ido a la guerra de Troya y ante la incertidumbre de su regreso, Penélope evade a los pretendientes que llegan a su casa, diciéndoles que una vez termine de tejer elegirá a un nuevo esposo. En medio de la destrucción que ha creado la guerra, el ritual de Penélope de tejer y destejer el manto funerario es una estrategia silenciosa para restablecer el orden en el hogar y resistir al olvido.

La relación entre los tejidos, la vida y la muerte ha existido en muchas culturas a lo largo de la historia. Las indígenas gunadule, habitantes del Urabá y el Darién en Colombia y de la comarca Guna Yala en Panamá, tejen molas (dos o más telas coloridas, una sobre otra, unidas con hilo y aguja) que luego cosen a su propia ropa, comercializan o guardan como tesoros para protegerse de los malos espíritus y curar enfermedades. Las molas pueden entenderse como textos escritos por las mujeres para comunicar su sabiduría, intercambiar historias, reflejar emociones y resaltar símbolos de su cosmovisión.

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Mola de las indígenas gunadule, autora anónima.

En 1973, poco después del golpe de Estado en Chile, grupos de madres, esposas e hijas de detenidos desaparecidos también crearon un gran repertorio de imágenes a partir de retazos de telas coloridas, con técnicas similares a las de las molas. Las arpilleras, como se le llama a este tipo de tejido, fueron hechas para denunciar violaciones a los derechos humanos que ocurrían bajo el mandato de Augusto Pinochet, como la tortura, la represión, la desaparición y la censura. Apoyadas y protegidas por la Agrupación de Familiares Detenidos y Desaparecidos y más adelante por la Vicaría de la Solidaridad, la producción de arpilleras creció rápidamente y se comercializó fuera del país, convirtiéndose en una fuente de ingreso para las arpilleristas y sus familias.

Exilio (Mujeres en el aeropuerto), autora anónima, c1978. Imagen tomada de: http://cain.ulster.ac.uk/conflicttextiles/

Exilio (Mujeres en el aeropuerto), autora anónima, c1978. Imagen tomada de: http://cain.ulster.ac.uk/conflicttextiles/

Para los que no han vivido el horror de la persecución política o el profundo dolor de la guerra, observar las narraciones de los tejidos es una oportunidad para conocer y en el mejor de los casos, para comprender las historias colectivas e individuales, las iniciativas de paz y la resistencia no violenta.  La transformación social es posible mediante el conocimiento, la comprensión, el intercambio de saberes y la reflexión entre diferentes ciudadanos. Bajo esta premisa, exposiciones como “La vida que se teje”, curada en Medellín por Roberta Bacic, Isabel González y Beatriz Elena Arias, reunió 85 tejidos testimoniales provenientes de diferentes regiones de Colombia y de otros países latinoamericanos con conflictos sociales, políticos o armados como Chile, Perú y México.

En Bogotá, destino final de millones de víctimas del conflicto armado colombiano, se inauguró la exposición “Mampuján entretejido: un camino estético para la paz”. La muestra, co-curada por investigadora y docente Yolanda Sierra, incluyó  tejidos hechos en el 2009 por las Tejedoras de Mampuján, ganadoras del Premio Nacional de Paz. En la mayoría de las telas expuestas está bordado el sol. Aunque en algunas es un gran círculo amarillo y en otras se esconde casi por completo detrás de las montañas, todas las historias son detalladas, explícitas y coloridas, como un gesto consciente para simbolizar la esperanza que persiste y reafirmar la voluntad de las Tejedoras de Mampuján de ‘sacar a la luz’ el horror que tuvieron que vivir en los Montes de María en el año 2000, a pesar del silencio que se quiso imponer en su momento.

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Hacinamiento, Tejedoras de Mampuján, 2009. Fotografía por Francisco Escobar.

En Bogotá también se han conformado grupos de mujeres sobrevivientes que se reúnen semanalmente a tejer. Este el caso del Costurero Kilómetros de vida y de memoria, quienes todos los jueves se sientan en el Centro de Memoria, Paz y Reconciliación a recorrer el largo camino de sus memorias a través del tejido de patchworks. Las reconstrucciones de sus historias y pensamientos resisten al olvido, a la impunidad y al desgarramiento social que ha producido la violencia en todo el territorio colombiano. Desde el inicio, el objetivo principal del Costurero ha sido producir kilómetros de telas bordadas para envolver el Palacio de Justicia, sede y símbolo del poder Judicial en Colombia y más recientemente escenario de protestas, campamentos, conciertos, obras de arte colectivas y marchas multitudinarias que exigen un país en paz para todos.

Tejedoras del Costurero Kilómetros de vida y de memoria en la marcha del 12 de octubre de 2016. Imagen tomada del Facebook del Costurero.

Tejedoras del Costurero Kilómetros de vida y de memoria en la marcha del 12 de octubre de 2016. Imagen tomada del Facebook del Costurero.

La intervención de los tejidos se concretará el próximo domingo 4 de diciembre a las 4 PM en la Plaza de Bolívar. Las tejedoras, las personas interesadas, el teatro y la música envolverán  -literalmente- a la justicia y harán público el trabajo del Costurero Kilómetros de vida y de memoria, la Red Nacional de Tejedoras por la Memoria y la Vida y la Unión de Costureros de Bogotá. La invitación está abierta a toda la ciudadanía para plasmar junto a estos colectivos, sus opiniones y memorias sobre el conflicto armado, los derechos humanos y la construcción de paz. La acción colectiva para producir y coser los tejidos empezará el sábado 3 de diciembre a las 10 AM en el Centro de Memoria, Paz y Reconciliación.

 

Manuela Ochoa


Performance con grillos y gusanos causa pánico en el metro de Nueva York

Una performer que ofrecía para la venta grillos y gusanos vivos en un vagón de metro de Nueva York lleno de gente, terminó lanzando accidentalmente los insectos a los pasajeros y generando una situación de pánico.

Cuando un adolescente golpea el cubo lleno de insectos, 600 grillos y gusanos salen volando y los pasajeros empiezan a gritar horrorizados hasta que alguien tira del freno de emergencia y el tren queda atrapado en el puente de Manhattan durante media hora. En ese lapso Zaida Pugh, la auto proclamada performer, orina en el suelo cubierto de gusanos.

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La artista fue detenida por la policía de Nueva York y le imputó a Pugh cargos de obstrucción a la administración, conducta inapropiada y falsa denuncia.

“Ella estaba golpeando las puertas y tratando de treparse por las ventanas. Todo el mundo tenía grillos en sus brazos. Mi novia estaba llorando” le dijo un pasajero al New York Post.

La detención de Pugh este martes se produjo poco después de que Pugh publicó un video en Facebook en el que se disculpa por lo sucedido y afirma temer por su vida. “Hay gente que realmente me odia… probablemente me quieren muerta. Ese no es el tipo de atención que quería”, dijo Pugh. “Yo realmente tenía un sueño y quería llegar lejos. Quería difundir una serie de mensajes, pero no quería que sucediera así. “Algunos internautas expresaron simpatía por Pugh, mientras que otros la acusaron de ser una attention seeker llorando “lágrimas de cocodrilo”.

Los “mensajes” que la performer quería difundir buscaba que los neoyorquinos reflexionaran sobre el trato que se le da a en el metro a personas sin hogar y enfermos mentales: “Hice esto para mostrar cómo la gente reacciona a las situaciones con las personas sin hogar y las personas con problemas de salud mental”, dijo Pugh.

Zaida Pugh afirmó que ha hecho más de 50 actos similares, incluyendo uno en el que simula apuñalar a un bebé en un vídeo que se hizo viral, y que ella se reivindica que se entiende como “una llamada de atención para todos”

vía @hyperallergic

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Lista de Artistas Invitados al Salón

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Podcast con una versión resumida del lanzamiento de la lista de artistas del #44SNA con apartes* de la presentación a cargo de Carolina Ponce de León, quien se refiere a la importancia de la internacionalización del salón y el hecho que se realice por curadores locales. El equipo curatorial, compuesto por Rosa Angel, Víctor Albarracín y Guillermo Vanegas (e Inti Guerrero, quien no estaba presente en el lanzamiento) hablan de su propuesta curatorial y la forma como entran en relación los artistas invitados. El audio cierra con algunas preguntas del público.

* versión resumida de la presentación (se omitieron presentaciones formales, agradecimientos, créditos, reiteraciones argumentales…)

El jurado del Salón en el momento de votar a favor de una obra (levantando el bastón como signo de aprobación)

El jurado del Salón en el momento de votar a favor de una obra (levantando el bastón como signo de aprobación) Paris, 1903.

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El jurado del Salón en el momento de votar a favor de una obra (rodeados por una cuerda, para evitar que se dispersen o dañen alguna obra) Paris, 1880.

Lineamientos curatoriales, entrevistas y dossier del #SNA >

http://esferapublica.org/nfblog/entrevista-con-rosa-angel-directora-artistica-del-44sna/


El colectivo John Doe presenta a Wilson Díaz

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A comienzos de junio se abrió Quimeras, una muestra de Wilson Díaz en lo que era una sede del Sisbén en Cali. La curaduría, producción de la muestra y gestión del espacio estuvo a cargo del proyecto John Doe, quien trabajó conjuntamente todo el proceso con el artista.

A continuación, una entrevista con el proyecto John Doe para [esferapública]

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¿Cómo surge el proyecto y quienes lo conforman?

El proyecto John Doe surge a partir de la necesidad por desarrollar algunas ideas que teníamos con relación a la curaduría, la museografía, la gestión, y por supuesto la producción en artes. El Proyecto es un lugar que comprende en principio la interacción entre artistas emergentes y artistas con una trayectoria establecida en el campo del arte, creando espacios de intercambio mediados en parte por un interés pedagógico. El colectivo está conformado por un grupo de estudiantes amigos de Artes plásticas, Emanuel Rivera, Carolina Castrillón, Braim Canizalez, Diana Ochoa, Pamela Cardona, Valery Ayala, Breyner Huertas, Paula Solarte y Jesús Ramírez.

El nombre surge un poco por el juego de identidad que hay con relación al NN. John Doe en inglés es igual a decir Pepito Perez en español, es decir una forma de nombrar a una persona de la que se desconoce el nombre, pudiendo ser John Doe cualquiera.

Como primera muestra realizamos una exhibición de pintura, nos interesaba poner en cuestión la condición actual de esta. Usamos el método de taller, durante 4 meses, tiempo en el que socializábamos nuestros procesos entre nosotros y algunos compañeros y artistas. “Estas historias nunca se las conté a nadie” contó con más de 30 pinturas, con esta exposición dimos a conocer el colectivo y el espacio.

Posteriormente se realizó la exposición “Quimeras” del artista Wilson Díaz, la cual conto con una performance para el día de la inauguración y cierre de la muestra.

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¿Cómo se dio el proceso con la muestra de Wilson Díaz?

Wilson Díaz es un artista muy apreciado y reconocido en el medio, recientemente se ha incorporado al IDBA como docente, Wilson ha mostrado gran interés y apoyo en las propuestas de los estudiantes y así fue como llegamos a trabajar con él.

En primera instancia lo habíamos invitado a participar en una muestra colectiva con estudiantes, la cual giraba en torno al “territorio” y que ya contaba con algunas piezas de dibujo y video de otros artistas, pero esta propuesta se dilato por otro tipo de asuntos. Posteriormente Wilson Díaz propuso “Quimeras” un trabajo que originalmente fue realizado para el  Encuentro Internacional de Arte de Medellín, MDE15. La muestra contó con una instalación de aproximadamente 5 mts de alto x 8mts de ancho, una serie de acuarelas, dos dibujos, dos performances y una charla.

Todo lo necesario para la producción de la exposición se trabajó en conjunto, debatiendo ideas sobre gestión, montaje, museografía, curaduría, imagen y publicidad.

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¿Seguirán haciendo muestras en la sala?

Para el colectivo “Proyecto John Doe” Las dinámicas que se han generado con la propuesta de este espacio han sido muy positivas y los proyectos cada vez son más y se alimentan de nuevas ideas, pero tenemos que alternar el tiempo entre este nuevo proyecto y los asuntos académicos.

Es nuestro deseo continuar fortaleciendo el espacio mediante la muestra de trabajos de jóvenes estudiantes que en otro espacio no académico no tendrían la oportunidad y nutrirlo con obras de artistas con trayectoria que permitan la interacción de los mismos y el posicionamiento del espacio.

Aprovechamos la oportunidad para dejar claro que este espacio es independiente al SISBEN y que no pertenece actualmente a la Universidad del Valle como se ha dicho. Que lo podamos usar hace parte de la gestión particular de uno de los miembros del proyecto.

Por ahora estamos trabajando en un nuevo proyecto que posiblemente se realice para agosto de este año.

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¿Cómo perciben la escena del arte en Cali?

En Cali múltiples asociaciones de artistas se han permitiendo la exploración de nuevas formas de ver y producir arte, en parte el trabajo en colectivos es una de las grandes características de la ciudad históricamente y aún hoy.

Las dinámicas en el circuito del arte se nutren por los altos índices de exhibición de proyectos, que hacen percibir la escena un poco acelerada y que en este momento están creando un público que está respondiendo y acostumbrándose a este ritmo. Se ha tomado una gran y atrevida autonomía con respecto a las instituciones oficiales sin que esto signifique dejar de proponer espacios y proyectos de buena factura y evidente trabajo. Otra de las características es que la mayoría de artistas caleños tienen un vínculo o son cercanos a Bellas artes, o a la practica docente en otras instituciones esta influencia genera una mayor interacción en el panorama de propuestas nuevas acompañadas por las experiencias de los maestros, como resultado se han abierto pequeños espacios como iniciativa de algunas personas que han participado en esas dinámicas, pero también proyectos como John Doe que se inscriben a esas formas, de nuevo desde la exploración y los diálogos dentro de un colectivo conformado por gente joven y aún en formación.

La escena se intercala aleatoriamente entre el museo y propuestas independientes, lo que permite observar las diferencias de cada uno de estos agentes, analizar sus características y optar por las propias.

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Los 10 posgrados en arte más influyentes (y costosos) del mundo

Si está pensando en aplicar a una beca y/o endeudarse para hacer su maestría fuera del país, le puede interesar este top 10 de los posgrados “más influyentes del mundo” que acaba de publicar Artspace. Su autor aporta costos, profesores y alumnos destacados, y detalles de sus programas que los hacen tan influyentes y prestigiosos.

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10 of the Most Influential MFA Programs in the World

By Ian Wallace, April 24, 2014

With spring break already fading into a distant memory and graduation dates quickly approaching, we thought we would get an extra-long head start on back-to-school season by tallying up the top 10 Masters of Fine Arts programs in the world. While they may not be the cheapest avenues into the art world, these are, without a doubt, the top-ranked MFA programs for art students looking to add a gold star to the top of their CVs—and to build a ladder into the gallery sphere. Of course, there’s no “silver bullet” for instant post-graduate success. But there are certain programs that tend to spark the interest of curators, critics, and collectors alike.

YALE UNIVERSITY
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LOCATION: New Haven, Connecticut
SPECIALTIES: Sculpture, painting and printmaking, graphic design
TUITION: $33,500
TIME TO DEGREE: ≤ 3 years
NOTABLE FACULTY: Rochelle Feinstein (director of painting/printmaking dept.), Gregory Crewdson (director of photography dept.), Martin Kersels (director of sculpture dept.), Trevor Paglen, Shirin NeshatHuma BhabhaCarroll Dunham, Barbara London
FAMOUS ALUMNI: Robert Mangold, Eva Hesse, Wangechi MutuMatthew BarneyChuck CloseBrice Marden
BIGGEST SELLING POINT: The potential for connection-building is high here—there are rumors of second-year students in the program being signed with galleries and invited to participate in international exhibitions before they’ve even graduated. It’s reputed to have the best graphic-design and photography departments. Also, check out the Yale School of Art’s snazzy, GIF-heavy website, and the fact that its visual arts facilities are housed in a series of recently-built, cutting-edge eco-friendly buildings to get a sense of the progressively-minded nature of the program.

COLUMBIA UNIVERSITY
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LOCATION: New York City
SPECIALTIES: The program is interdisciplinary, but applicants apply to either painting, printmaking, sculpture, photography, or “new genres”
TUITION: $51,676
TIME TO DEGREE: 2 years
NOTABLE FACULTY: Gregory AmenoffSanford Biggers, Nicola Lopez, Rirkrit Tiravanija,Kara Walker
FAMOUS ALUMNI: Jon Kessler, Korakrit Arunanondchai, Georgia Sagri, Guy Ben-Ner, Lisi Raskin
BIGGEST SELLING POINT: As with many of the Ivies, in Columbia’s case, self-perpetuating exclusivity plays a major part here: only two percent of applicants to Columbia’s MFA in the visual arts are accepted. As of fall 2013, the highly selective program also offers a degree in Sound Art—so if that medium’s your thing, this is the place for you. Also, if you’re looking to enter the art profession, it doesn’t hurt to spend your formative years of training in the artistic capital of the world.

GOLDSMITHS COLLEGE
goldsmiths

LOCATION: New Cross, London
SPECIALTIES: The school offers a tutorial system, allowing students to choose their focus, but its known for teaching conceptually weighted work
TUITION: £3,330 ($5,600) for Brits; £8,650 ($14,500) for international students
TIME TO DEGREE: 2 years
NOTABLE FACULLTY: 
Suhail Malik, Mark Leckey, Lindsay Seers
FAMOUS ALUMNI: Malcolm McLaren, Lucian Freud, Yinka Shonibare, Bridget Riley, Damien HirstSarah LucasLiam Gillick
BIGGEST SELLING POINT: Goldsmiths offers a unique blend of studio practice, theoretical, and art-historical training that has made it the U.K.’s most notable and best-known graduate program. It’s this vigorous atmosphere that birthed the artists associated with the Young British Artists in the 1990s, among many other notable alumns.

THE SCHOOL OF THE ART INSTITUTE OF CHICAGO
saic

LOCATION: Chicago, Illinois
SPECIALTIES: Fiber and material studies, film/video/new media/animation, art and technology, sound, and performance
TUITION: $44,010
TIME TO DEGREE: 2 years
NOTABLE FACULTY: Michelle Grabner, Gregg Bordowitz, Joseph Grigely, Josiah McElheny,Glenn Ligon
FAMOUS ALUMNI: Tania Bruguera, Sanford BiggersClaes OldenburgJeff KoonsLeon Golub, Apichatpong Weerasethakul
BIGGEST SELLING POINT: For the true interdisciplinarian, SAIC has a unique program—its MA in Visual and Critical Studies—which, more than other interdisciplinary programs at comparable schools, embraces the crossover nature of contemporary artistic discourse. Based on the intersection of visual phenomena, critical studies, and creative production, the program combines aspects of a studio-based program and theoretical study, and can include art history, criticism, the general liberal arts, and studio practice.

THE SCHOOL OF THE MUSEUM OF FINE ARTS, BOSTON
smfa

LOCATION: Boston, Massachusetts
SPECIALTY: Interdisciplinary
TUITION: $39,020
TIME TO DEGREE: 2 years
NOTABLE FACULTY: Jim Dow, Chantal Zakari, Susan Jane Belton, Mark Cooper
FAMOUS ALUMNI: Jim DineJoan JonasDavid Lynch, Larry Poons, Nan GoldinEllsworth Kelly
BIGGEST SELLING POINT: The major draw for aspiring artists to choose the SMFA, which was itself founded by a group of artists in 1876, is the opportunity to exhibit work at the MFA Boston, one of the city’s most important cultural institutions. The school is also partnered with nearby Tufts University, where SMFA students can sit in on classes and take advantage of Tufts’s hardy academic resources.

RHODE ISLAND SCHOOL OF DESIGN
risd

LOCATION: Providence, Rhode Island
SPECIALTIES: Literally everything from furniture design to landscape architecture to painting, with the most popular majors being illustration, industrial design, architecture, and graphic design
TUITION: $42,622
TIME TO DEGREE: 1–3 years; most students finish in 2
NOTABLE FACULTY: Dike Blair, Naomi Fry, Dean Snyder, Patricia Treib, Henry Ferreira
FAMOUS ALUMNI: Ryan Trecartin, Roni Horn, Dan Colen, Do Ho SuhAndrea Zittel
BIGGEST SELLING POINT: While many MFA programs offer a post-studio mix of critical theory and interdisciplinary experimentation, RISD’s curriculum is firmly planted in the mastery of technical craft, with a curriculum that emphasizes traditional skill sets over conceptualism—in other words, this program is for those who like to get their hands dirty. RISD also benefits from a close relationship with its equally prestigious neighbor Brown University.

CALARTS
calarts

LOCATION: Valencia, California
SPECIALTIES: Art, graphic design, photography and media, and art and technology.
ANNUAL TUITION: $41,700
TIME TO DEGREE: 2 years
NOTABLE FACULTY: Sam Durant, Charles Gaines
FAMOUS ALUMNIAshley BickertonMark BradfordMike Kelley, Jack Goldstein, Elad Lassry
BIGGEST SELLING POINT: CalArts was founded in 1960 by none other than Walt Disneyhimself. The media mogul merged Los Angeles’s Conservatory of Music with its Chouinard Art Institute, with the assistance of the conservatory’s chair, Lulu May Von Hagen, to form the new school. (The school was envisioned as a “CalTech for the arts”—hence the name.) As a result, CalArts still retains strong ties to Hollywood and California’s media industries. Under the direction of the late artist Michael Asher, the school also became famous for its durational “crits,” nothing-is-off-the-table discussions of students’ work that could go for 14-hour marathon stretches.

BARD COLLEGE
bard

LOCATION: Annandale-on-Hudson, New York
SPECIALTIES: Film/video, music/sound, painting, photography, sculpture, and writing
TUITION: $55,000
TIME TO DEGREE: a total of 2 years, with two summer sessions and two independent-study sessions
NOTABLE FACULTY: Amy SillmanUlrike Muller, Sadie Benning, Huma Babha, Thomas Eggerer, Zoe Leonard, Nick Mauss, R.H. Quaytman
FAMOUS ALUMNI: Amy Sillman, Paul ChanCarolee Schneeman, David Horvitz, Herb Ritts,Rachel Harrison, R.H. Quaytman, Trisha Baga, Zak Kitnik, Lucy Raven
BIGGEST SELLING POINT: Bard spearheaded the low-residency MFA program, with students gathering for sessions that are clustered in eight-week summer ‘residencies’ and divide up long periods of independent work lasting from two to three years. This means the focus is on creating art, rather than credits, grades, or classes. The program’s unique rhythm means that it has been able to secure a number of influential artists as visiting professors, as well—many of whom are alumni of the program themselves. The widespread influence of Bard’s program on the contemporary art scene has led some to speak of the “Bard mafia.”

THE SCHOOL OF VISUAL ARTS
sva

LOCATION: New York, New York
SPECIALTIES: Computer art; visual narrative; photography, video, and related media; fine arts (painting, sculpture, printmaking)
TUITION: $36,130
TIME TO DEGREE: 2 years
NOTABLE FACULTY: Mark Tribe, Marilyn MinterLaurel NakadatePolly Apfelbaum, Hannah Wilke
NOTABLE ALUMNI: Inka Essenhigh, Barnaby FurnasKeith Haring, Andrea Fraser, Sarah Sze,Sol LeWitt
BIGGEST SELLING POINT: SVA is more than the snazzy ad campaign you may have seen plastered around New York’s subway system. The school’s program in ‘visual narratives’ combines writing and visual art, for those interested in illustration, graphic novels, and other forms of ‘visual storytelling.’ Lately, however, there has been been substantial turnover among the school’s faculty.

UCLA
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LOCATION: Los Angeles, California
SPECIALTIES: Ceramics, interdisciplinary studio, new genres, painting and drawing, photography, sculpture
TUITION: $ 11,220 for California residents; $23,465 for everyone else
TIME TO DEGREE: 2–3 years
NOTABLE FACULTY: James Welling, Greg Lynn, Catherine OpieBarbara Kruger
FAMOUS ALUMNI: Sharon Hayes, Matthew Brandt, Xavier Cha, Shana Lutker
BIGGEST SELLING POINTS: As a public university, UCLA is much cheaper than some of the Ivy league options out there while offering a totally comparable experience in terms of the quality of its programs. It also is renowend for its highly competitive “New Genres” program, which immerses students in installation, video, film, audio, performance, and digital work, plus “hybrid and emerging art forms.”


Cerveza & Arte Contemporáneo

“El video que está llenando a todos los colombianos de orgullo”

La relación entre arte y mercadeo ha sido objeto de intensos debates a lo largo de la última década, tanto global como localmente. Hay casos muy conocidos como el patrocinio de la BMW para una muestra de motocicletas en el Museo Guggenheim y el encargo que hizo a reconocidos artistas el vodka Absolut para trabajar en torno a su famosa botella.

En nuestro contexto, el hecho de que el arte cuente con patrocinios de una empresa licorera o que los artistas trabajen para valorizar la imagen de una marca (branding) ha generado varias discusiones, como fue el caso del Premio Johnnie Walker, enfocado a la llamada “generación intermedia”, o una exposición que patrocinó cigarrillos Kent, donde una serie de bellas modelos ofrecían cigarrillos en la inauguración de la muestra. Ha pasado el tiempo todo parece indicar que el branding con arte y artistas se ha vuelto un standard en el circuito del arte.

A partir de un proyecto curado y dirigido por Beatriz López y Gloria Saldarriaga, la cerveza Club Colombia produjo una serie de videos con los artistas Santiago Pinyol, Fredy Alzate, Esteban Peña, María Camila Sanjinés, Mateo Rivano, Colectivo 9 Voltios y el Colectivo Manila Santana, quienes desarrollaron obras en torno elementos de la marca Club ColombiaAquí los videos y sus textos de presentación, seguidos de un video de la campaña que la cerveza mexicana Indio lanzó el pasado mes de diciembre, donde también se invita a artistas y diseñadores a re-diseñar su etiqueta.

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Club Colombia y el artista Santiago Pinyol, hacen una representación del Tunjo de la botella, resaltando la creatividad que tenemos los colombianos a través de madera y papel oro, que conforman unas antenas como símbolo de la tecnología y de nuestro pensamiento. Porque nuestra creatividad va más allá de lo que es simple a la vista, es algo que trasciende en las relaciones sociales, los objetos y la realidad misma.

Creatividad, otra muestra de lo bueno que somos.

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Club Colombia y el artista Esteban Peña, hacen una representación del Tunjo de la botella, resaltando la herencia que tenemos los colombianos a través de técnicas indígenas Muiscas, como la cerámica, la orfebrería y el uso de la sal como elemento transformador para hacer una pieza que reflexiona sobre el peso de nuestra herencia precolombina.

Herencia, otra muestra de lo bueno que somos.

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Club Colombia y el artista plástico Fredy Álzate, hacen una representación del Tunjo de la botella, resaltando la evolución que tenemos los colombianos a través de aros brillantes como simbología de la orfebrería precolombina y de la tradición que se mantiene viva en los orfebres Momposinos. Las ideas, los procesos y la vida evolucionan.

Evolución, otra muestra de lo bueno que somos

Club Colombia y el artista Mateo Rivano, hacen una representación del Tunjo de la botella, resaltando nuestra cultura colombiana a través de pinturas en aerosol, y arte que se convierte en un grafiti como símbolo de la cultura urbana. La cultura no es una construcción unidimensional, es el resultado de un sinnúmero de manifestaciones personales que juntas dan paso al tejido que forma una sociedad.

Cultura, otra muestra de lo bueno que somos.

Club Colombia y el Colectivo 9Voltios, hacen una representación del Tunjo de la botella, resaltando el progreso que caracteriza a los colombianos a través de música, video y un performance que componen una pieza que invita al público a sumergirse en las leyendas de nuestros antepasados. Los elementos que componen la pieza fueron tomados en lagunas, cavernas y nodos benditos para los Muiscas. Para ir adelante es importante mirar hacia el pasado.

Progreso, otra muestra de lo bueno que somos.

Club Colombia y la artista María Camila Sanjinés, hacen una representación del Tunjo de la botella, resaltando la dedicación que tenemos los colombianos a través de la mezcla de materiales contemporáneos e industriales como los tubos de neón, y orgánicos como la cebada, donde se plasma el dilema entre lo ancestral y lo contemporáneo, y a su vez se observa la dedicación en el proceso con el que fue construido; la misma dedicación con la que está hecha una cerveza Club Colombia

Dedicación, otra muestra de lo bueno que somos.

Este 2013, Cerveza Indio celebra nada más y nada menos que 120 años de vida y para ello continuarán con el proyecto de invitar a diseñadores, ilustradores, artistas y público en general a diseñar la gráfica de su siguiente colección de 120 etiquetas, esta vez la temática es: tribus urbanas o subculturas.