Bajo el mismo sol: arte de Latinoamérica en el Guggenheim

Del 13 de junio al 1 de octubre de 2014, el Solomon R.Guggenheim Museum de Nueva York presentará la exposición Bajo el mismo sol: Arte de Latinoamérica hoy, marcando la segunda fase de la Guggenheim UBS MAP Global Art Initiative (Iniciativa de Arte Global). Organizada por Pablo León de la Barra, curador de Guggenheim UBS MAP para Latinoamérica, la exposición exhibe obras de 37 artistas y dúos colaborativos de 16 países, incluidos Argentina, Bolivia, Brasil, Chile, Colombia, Costa Rica, Cuba, Ecuador, Guatemala, Honduras, México, Panamá, Perú, Puerto Rico (Estados Unidos), Uruguay y Venezuela.

Tras su presentación en Nueva York, Bajo el mismo sol: Arte de Latinoamérica hoy viajará a otras dos sedes. Con una selección de casi 50 trabajos, que incluyen instalaciones, obras en técnica mixta, pinturas, fotografías, esculturas, vídeos y obras en papel, esta muestra es la segunda de tres exposiciones correspondientes a la Guggenheim UBS MAP Global Art Initiative.

Las obras de la exposición, junto con las que fueron adquiridas como parte de la iniciativa, pasarán a integrar la colección permanente del Guggenheim bajo los auspicios del Guggenheim UBS MAP Purchase Fund (Fondo de Adquisiciones).

Alfredo Jaar, Un logo para América, 1987, video digital en color, 10′ 25″, edición 2/6 (animación original encargada por Public Art Fund para Spectacolor Sign, Times Square, Nueva York, abril de 1987). Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York / Guggenheim UBS MAP Purchase Fund. Cortesía del artist

Marta Minujín, Statue of Liberty Laid Down 1 (with Public Watching) (Estatua de la Libertad acostada I (con público que la mira), 1979, tinta sobre papel vitela (vellum), 80 x 110.5 cm. Solomon R. Guggenheim Museum, New York / Guggenheim UBS MAP Purchase Fund. Cortesía de la artista y Henrique Faría Fine Art, NY. Foto: Glenn Castellano

Richard Armstrong, director del Solomon R. Guggenheim Museum and Foundation, manifestó: “El Guggenheim tiene una larga trayectoria de compromiso con el arte latinoamericano, que comenzó con The Emergent Decade: Latin American Painters and Painting in the 1960s, una exposición organizada por el ex director del Guggenheim, Thomas Messer, en 1964. Con Bajo el mismo sol: Arte de Latinoamérica hoy, la Guggenheim UBS MAP Global Art Initiative se suma a nuestra creciente colección de arte latinoamericano contemporáneo y permite a los visitantes tener la oportunidad de participar en un diálogo significativo sobre las múltiples variaciones de identidad y cultura que existen en Latinoamérica”.

Para León de la Barra, “la Guggenheim UBS MAP Initiative nos da la oportunidad de redefinir los mapas culturales y artísticos, eliminar fronteras y crear nuevas relaciones entre los diferentes centros artísticos. El término periferias ya no es válido; hemos aprendido a reconocer que lo que está pasando en otro lugar es tan importante como lo que está pasando en lo que solían ser los centros. Cuanto más atentos estemos y mayor sea el diálogo que sostengamos con lo que está pasando, más aprenderemos como artistas, como personas y como comunidades, y mayor será nuestra capacidad para crear nuevas formas de pensamiento”.

Javier Téllez, One Flew over the Void (Bala perdida), 2005, video digital a color con sonido, 11′ 30″, edición 8/8. Solomon R. Guggenheim Museum, New York / Guggenheim UBS MAP Purchase Fund. Cortesía del artista y Galerie Peter Kilchmann, Zúric

Sobre la exposición y los artistas

La exposición analiza la diversidad de respuestas creativas que actualmente se dan ante la complejidad de las realidades compartidas, influidas por historias de la época colonial y moderna, gobiernos represivos, crisis económicas y desigualdad social, así como períodos concurrentes de prosperidad económica, desarrollo y progreso a nivel regional. A pesar del crecimiento económico y una mayor estabilidad en la mayor parte de la región frente a la década anterior, ésta sigue dividida por diferencias sociales y étnicas, marcada por cambios políticos y económicos. La exposición de León de la Barra presenta respuestas artísticas al pasado y al presente dentro de estos contextos, y explora la posibilidad de construir futuros alternativos.

Los artistas que participan en la exposición son:

• Jennifer Allora y Guillermo Calzadilla (nac.1974, Filadelfia/nac. 1971, La Habana, Cuba; viven y trabajan en San Juan, Puerto Rico)

• Carlos Amorales (nac. 1970, Ciudad de México; vive y trabaja en Ciudad de México)

• Armando Andrade Tudela (nac. 1975, Lima, Perú; vive y trabaja en St. Etienne, Francia)

• Alexander Apóstol (nac. 1969, Caracas, Venezuela; vive y trabaja en Madrid)

• Tania Bruguera (nac. 1968, La Habana; vive y trabaja en Nueva York)

• Luis Camnitzer (nac. 1937, Lübeck, Alemania; vive y trabaja en Nueva York)

• Mariana Castillo Deball (nac. 1975, Ciudad de México; vive y trabaja en Berlín)

• Alejandro Cesarco (nac. 1975, Montevideo, Uruguay; vive y trabaja en Nueva York)

• Donna Conlon y Jonathan Harker (nac. 1966, Atlanta, Georgia/nac. 1975, Quito, Ecuador; viven y trabajan en Ciudad de Panamá)

• Adriano Costa (nac. 1975, San Pablo; vive y trabaja en San Pablo, Brasil)

• Minerva Cuevas (nac. 1975, Ciudad de México; vive y trabaja en Ciudad de México)

• Jonathas de Andrade (nac. 1982, Maceió, Brasil; vive y trabaja en Recife, Brasil)

• Wilson Díaz (nac. 1963, Pitalito, Colombia; vive y trabaja en Cali, Colombia)

• Juan Downey (nac. 1940, Santiago, Chile; fall. 1993, Nueva York)

• Regina José Galindo (nac. 1974, Ciudad de Guatemala; vive y trabaja en Antigua, Guatemala)

• Mario García Torres (nac. 1975, Ciudad de México; vive y trabaja en Ciudad de México)

• Dominique González-Foerster (nac. 1965, Estrasburgo, Francia; vive y trabaja en París y Río de Janeiro)

• Tamar Guimarães (nac. 1967, Belo Horizonte, Brasil; vive y trabaja en Copenhague)

• Federico Herrero (nac. 1978, San José, Costa Rica; vive y trabaja en San José, Costa Rica)

• Alfredo Jaar (nac. 1956, Santiago, Chile; vive y trabaja en Nueva York)

• Claudia Joskowicz (nac. 1968, Santa Cruz, Bolivia; vive en Nueva York y Santa Cruz, Bolivia)

• Runo Lagomarsino (n. 1977, Malmö, Suecia; vive y trabaja en San Pablo)

• David Lamelas (nac. 1946, Buenos Aires; vive y trabaja en Los Ángeles, Buenos Aires y París)

• Gilda Mantilla y Raimond Chaves (nac. 1967,Los Ángeles/nac. 1963, Bogotá; viven y trabajan en Lima)

• Marta Minujín (nac. 1943, Buenos Aires; vive y trabaja en Buenos Aires)

• Carlos Motta (nac. 1978, Bogotá; vive y trabaja en Nueva York)

• Iván Navarro (nac. 1972, Santiago, Chile; vive y trabaja en Nueva York)

• Rivane Neuenschwander (nac. 1967, Belo Horizonte, Brasil; vive y trabaja en Londres)

• Gabriel Orozco (nac. 1962, Jalapa, Veracruz, México; vive y trabaja en Ciudad de México, Nueva York y París)

• Amalia Pica (nac. 1978, Neuquén, Argentina; vive y trabaja en Londres)

• Wilfredo Prieto (nac. 1978, Sancti Spíritus, Cuba; vive y trabaja en Barcelona)

• Paul Ramírez Jonas (nac. 1965, Pomona, California; vive y trabaja en Nueva York)

• Beatriz Santiago Muñoz (nac. 1972, San Juan, Puerto Rico; vive y trabaja en San Juan, Puerto Rico)

• Gabriel Sierra (nac. 1975, San Juan Nepomuceno, Colombia; vive y trabaja en Bogotá)

• Javier Téllez (nac. 1969, Valencia, Venezuela; vive y trabaja en Nueva York)

• Erika Verzutti (nac. 1971, São Paulo; vive y trabaja en São Paulo)

• Carla Zaccagnini (nac. 1973, Buenos Aires, vive y trabaja en São Paulo)

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Regina José Galindo, Blind Spot (Punto Ciego), 2010, video digital a color con sonido, 17′ 2″, P.A 1/3, edición de 5. Solomon R. Guggenheim Museum, New York / Guggenheim UBS MAP Purchase Fund. Cortesía de la artista y prometeogallery, Milán/Lucca, Italia 

Jonathas de Andrade, Carteles para el Museo del Hombre del Nordeste, 2013,  77 impresiones cromogénicas, montados en paneles de acrílico, 10 impresiones de inyección de tinta, y 6 fotocopias en acetato con retroproyector, edición 2/5, dimensiones variables. Solomon Guggenheim Museum, Nueva York / Guggenheim UBS MAP Purchase Fund. Vista de la instalación, Kunsthalle Lissabon, 2013. Cortesía del artista y Galeria Vermelho, São Paulo. Foto: Jonathas de Andrade

Amalia Pica,  A ∩ B ∩ C, 2013, láminas de acrílico, dimensiones variables. Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York / Guggenheim UBS MAP Purchase Fund. Vista de instalación en el Museo Tamayo, Ciudad de México, 2013. Cortesía del artista y Marc Foxx Gallery, Los Angeles. Foto: Daniela Uribe, cortesía de la artista y el Museo Tamayo

Temas de la exposición

• El conceptualismo y sus legados. Incluye obras de conceptualistas de artistas latinoamericanos pioneros, que trabajaron activamente en Estados Unidos durante las décadas de 1970 y 1980, muchos de los cuales siguen trabajando hoy en día. Estas figuras infiltraron y cuestionaron la corriente artística y política tradicional, en un intento por intervenir en la realidad social y proponer una narrativa en marcado contraste con la de los artistas minimalistas y conceptualistas norteamericanos y europeos, cuya obra a menudo se fundamenta en ideas de autonomía e inmaterialidad.

• Tropicologías. Reconoce los efectos que el clima, la naturaleza y el lugar ejercen sobre la producción cultural, pero sostiene que el ser “tropical” va más allá del clima y la geografía. Las obras en esta sección también reevalúan el conocimiento de las culturas nativas amerindias, reactivando su estética y sus simbolismos.

 Activismo político. Trata el contexto socio-político, y confronta las formas en que los artistas latinoamericanos han direccionado la estética hacia la denuncia y el disenso, protestando contra las influencias políticas y económicas extranjeras, los regímenes políticos dictatoriales y la violencia del tráfico de drogas.

• El modernismo y sus fracasos. Cuestiona el desfase entre los ideales de la modernidad y sus realidades imperfectas, e incluye obras de artistas que tratan el legado del modernismo actual.

• Participación/emancipación. Examina las posibilidades de participación a través del arte. Las obras invitarán a los visitantes a comprender el arte como experiencia participativa, no solo como objeto de contemplación.

Gabriel Orozco, Piñanona 1, 2013, témpera y pan de oro bruñido sobre lienzo, 40 x 40 cm. Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York / Guggenheim UBS MAP Purchase Fund. Cortesía del artista y kurimanzutto, Ciudad de México. Foto: Studio Michel Zabé, 2013

Federico Herrero, Pan de Azúcar, 2014, acrílico, óleo, pintura aerosol y rotulador sobre lienzo, 165 x 150 cm. Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York / Guggenheim UBS MAP Purchase Fund. Cortesía del artista. Foto: Isaac Martínez

Programas educativos y públicos

La exposición contará además con programas educativos dinámicos y específicos, enfocados en el público, tanto en las sedes de la exposición como por Internet. Los programas públicos del Guggenheim Museum incluirán conferencias e interpretaciones de artistas, programación de películas, talleres de práctica curatorial, un simposio académico y visitas públicas, tanto en inglés como en español. Las herramientas educativas desarrolladas para la exposición incluyen una guía de recursos bilingüe para familias y docentes, programas para familias y escuelas, talleres para maestros y una aplicación multimedia.

Acerca de la Guggenheim UBS MAP Global Art Initiative (Iniciativa de Arte Global)

Lanzada en abril de 2012, la Guggenheim UBS MAP Global Art Initiative (Iniciativa de Arte Global) es una colaboración de varios años de duración que traza la práctica del arte contemporáneo en tres regiones geográficas –sur y sudeste de Asia, Latinoamérica, Oriente Medio y África del Norte– y abarca programas de trabajo como residente para curadores, exposiciones itinerantes internacionales, programación educativa orientada al público y adquisiciones para la colección permanente del Guggenheim. Todas las obras han sido recientemente adquiridas para la colección del Guggenheim bajo los auspicios del Guggenheim UBS MAP Purchase Fund (Fondo de Adquisiciones). La iniciativa se basa y refleja la historia de internacionalismo de la Solomon R. Guggenheim Foundation, y aumenta de manera significativa la cantidad de obras de arte que posee el Guggenheim de estas dinámicas comunidades.

Wilfredo Prieto, Walk, 2000, planta, tierra, fotografía y carretilla, dimensiones variables. Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York / Guggenheim UBS MAP Purchase Fund. Cortesía del artista y NoguerasBlanchard, Barcelona/Madrid 

Bajo el mismo sol: Arte de Latinoamérica hoy

Solomon R. Guggenheim Museum, 1071 Fifth Avenue, Nueva York

Del 13 de junio al 1 de octubre de 2014

 

publicado por Artishock


¿Se puede vivir del arte?

Actualmente tienen lugar una serie de eventos en torno al tema de las labores que desarrollan los artistas para financiar sus proyectos. Igualmente, se han venido publicando textos que tratan de problemas y preguntas similares en otros contextos:

kman

Vivir del Arte | Modus Operandi 2014

¿Qué sigue en términos de su producción y reflexión artística para un estudiante de arte una vez se gradúa de la universidad?, ¿de qué vive un artista, crítico o curador en un contexto como el nuestro?, ¿qué tácticas paralelas desarrollan para financiar su proyectos?

Para este año, en el seminario Modus Operandi se abordarán diversas situaciones relacionadas con la práctica artística, entendida como modo de vida, y lleva como título “Vivir del arte”

Martes 8 de abril

– Jóvenes, ¡bienvenidos al futuro! Nadia Moreno Moya

– ¿Se puede vivir del arte? Conversación con Ana Maria Millán y Lucas Ospina

– Clínicas de Arte Contemporáneo. Pedagogías paralelas y profesionalizacion del sistema del arte, Jorge Sepúlveda.

Miércoles 9 de abril

¿De qué vive un artista, un galerista o un curador?, ¿qué tácticas desarrollan para financiar su proyectos? María Buenaventura, Lorena Espitia, Juliana Angel, Kevin Mancera, Andres Matías Pinilla, Mauricio Gómez, Juan David Laserna, Alejandro Mancera y Juan Sebastian Ramírez responderán a estas preguntas de manera sencilla e informal a través de 15 imágenes y en sesiones de 15 minutos cada uno.

Videos de la transmisión en directo en: https://new.livestream.com/accounts/5484230/events/2903335

Vivir del arte 
Modus Operandi 2014
8 y 9 de abril – 5:30 pm
Auditorio C, Edificio Mario Laserna | Universidad de los Andes

Entrada libre – Cupo limitado, inscripción previa en areadeproyectos@uniandes.edu.co

 

sablazo

De la pintura, la plomería, la música y otros oficios

En cafés, restaurantes, librerías, guarderías, colegios, los más afortunados (quizás) en Universidades y hasta en bancos e industrias, es posible encontrar a un buen número de personas que, en sus días de estudiantes querían ser tan grandes y famosos, que sus nombres fueran reconocidos en cada rincón del planeta. Distinto a ello, se tienen que contentar con algún trabajo forzoso para así, eventualmente, poder dedicarse a aquella actividad que estudiaron. Algunos corren con suerte y estos trabajos hacen parte solo de una época de sus vidas; la mayoría, sin embargo, se ve obligada o, decide renunciar del todo a su actividad estudiada. Esta realidad no corresponde exclusivamente a los tiempos actuales; pintores, músicos y literatos de fama internacional incluso, hasta deben en parte su fama al papel de mártires por el arte: renunciar a una ‘vida normal’ por fines creacionistas, los convirtió en héroes y figuras emblemáticas que, con seguridad los padres usan de referente para convencer a sus idealistas hijos de no estudiar artes, fotografía, música u otra carrera que por lo general implica una inversión mayor que la ganancia que genera de vuelta.

Afortunadamente, existen aquellos que logran vivir del arte. A veces dando clases o haciendo letras para comerciales o imitaciones de cuadros, pero también están los que gracias a su talento perseverancia y, en ocasiones suerte, logran convertir su trabajo en el sustento y forma de desarrollar su creatividad. Esta edición está dedicada justamente a aquellas personas que estudiaron, en la academia o no, para realizar alguna actividad cultural, pero por las dificultades que éste campo alberga, han tenido que hacer actividades que poco o nada tienen que ver con lo que sueñan o, aquellas historias que sirven de inspiración para quienes quieren dedicarse a un área cultural, pero por el temor a hacer una dieta involuntaria prefieren ser abogados o ingenieros, cuya única relación con el arte es a través de medios y exposiciones. La idea es entender, discutir y dar a conocer las dificultades que tienen que pasar quienes trabajan en el mundo cultural, pero también destrabar los tabúes existentes sombre la supuesta imposibilidad de vivir de ello.

Sablazo Crítica Cultura > http://sablazo.com/

nuevabiblio

Nueva Biografía Productiva | Exposición en la Cámara de Comercio

Hay flexibilidades de todo tipo: funcional, geográfica, de salarios, de equipos y de horarios; hay desregulación y transformaciones del derecho del trabajo. Se pide incrementar igualmente la flexibilidad y adaptabilidad permanente de la fuerza de trabajo en lugar de carreras por antigüedad y, fundamentalmente, nos encontramos, como último marco pero no el menos importante, una flexibilidad tecnológica en el desarrollo de una producción informatizada y flexible de bienes tangibles o intangibles, muy lejos del esquema de gran unidad productora en masa de productos altamente estandarizados.

Luis Enrique Alonso

La actividad profesional de parte de la comunidad de productores visuales que se han formado en el contexto local durante las últimas dos décadas ha seguido alguna de las siguientes alternativas:

1.- Su inscripción en un circuito institucional (ir desde la creación y mantenimiento de lugares experimentales sin ánimo de lucro hasta espacios convencionales amparados por el Estado o iniciativas comerciales de carácter privado);

2.- El desarrollo de procesos alternativos de difusión (organizar espacios para que otros artistas muestren su trabajo o desarrollando actividades de impacto comunitario);

3.- La renuncia a la producción de obra para integrar un campo laboral no necesariamente relacionado con su proceso de formación en educación superior.

El denominador común -o el problema irresoluble- de estas decisiones tiene que ver con la necesidad de conciliar la obtención de un ingreso estable con la posibilidad de que la dedicación que exija ese proceso no conduzca al abandono de la producción de obra.

Nueva Biografía Productiva es una propuesta que intentará mostrar la manera en que un grupo de productores no sólo formados en espacios convencionales de educación en artes visuales ha enfrentado y resuelto la condición actual de poseer una aparente libertad de movimiento profesional en medio de una evidente precarización económica. Los proyectos que la integran evitarán la concentración en el deleite de una técnica refinada por la constante especialización (ilustrada por expresiones como “buena pintura”, “buena fotografía”), o la realización de procesos pedagógicos con impacto comunitario (que se resume, para muchos y desgraciadamente, bajo la categoría de “Estética relacional”). Además de esto, se tratará de ampliar la reflexión hacia las interacciones sociales que han diseñado algunos productores locales para llevar sus propuestas a término.

El panorama formal de las propuestas seleccionadas abarcará desde el diseño gráfico realizado para campañas políticas, la fotografía espontánea convertida en reflexión artística, la participación en la creación-administración-destrucción-creación de espacios o iniciativas dentro del campo del arte, la gestión de recursos para hacer documentales, la planeación de grafitti por medio de la realización de talleres gratuitos, la formación de comunidades en técnicas que permitan obtener beneficio económico duradero, la producción audiovisual profesional.

Artistas participantes :

Santiago Caicedo (Timbo Studio), Elkin Calderón Guevara, Escuela Roma (Mario Orlando Cueca), Escuela de Garaje Laagencia), Escuela Taller de Bogotá (Susana Eslava), Fundación Waja (Paola Correa-Gustavo Gutiérrez),Alejandro Martín MaldonadoMatik Matik (Benjamin Calais), Monocromo (Santiago Reyes Villaveces-Juan Pablo Mejía), Carolina Petro, Ana María Ana Maria Ruiz Valencia.

Curaduría de Guillermo Vanegas

artfcity

 

Why art doesn’t pay

Over Facebook, I asked an informal question about who pays artists. I wasn’t surprised by the results. Many artists, including those still in school, tend to pay other artists, actors, and writers who’ve assisted with the production of a work. Even those with limited means tend to exchange work, materials, or other barterable goods. Contrast this with the fact that when a non-profit or museum pays artists and their assistants, it seems like a rare, almost noble deed.

http://www.artfagcity.com/2014/04/01/why-art-doesnt-pay/

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Starving Artists Fed Up; Seek To Establish Industry Standards With Teamsters Local 705 (Chicago, IL)

Teamsters and artists may seem like an unlikely combination, but professional artists at Chicago’s Mana Terry Dowd fine art packers and movers are organizing in an effort to begin to establish income and benefit standards in their profession. The artists are set to vote on April 25 in an election administered by the National Labor Relations Board. Upon graduating with a degree in art, professional artists are faced with few employment options. Even after receiving debt-burdening advanced degrees, these highly talented and skilled artists vie for a professorship or to make it big in the art scene. In the meantime, postgraduate artist are typically faced with two remaining low-wage choices; to work as an assistant at an art gallery, or to become an art handler as with Mana Terry Dowd. These jobs often pay little more than fast- food wages.

 

http://art-leaks.org/2014/04/09/starving-artists-fed-up-seek-to-establish-industry-standards-with-teamsters-local-705-chicago-il/

 

 


Borran los graffitis de la Avenida 26

¿Por qué a Rafael Pardo no le gustan los grafitis?
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“El gris es una manifestación de cambio de políticas y mandatarios en mi ciudad”, dice el grafitero Yurika a través de su cuenta de Facebook. A este joven, quien hace treinta años pinta las calles y hoy vive de este arte, no le parece extraño que con la destitución del Alcalde Petro y la llegada de Rafael Pardo se estén borrando los grafitis que hace una semana cubrían los puentes de la calle 26 de Bogotá.

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“La mega obra que destapó el carrusel de la contratación protagonizado por los hermanos Nule fue dispuesta por Idartes (Instituto Distrital de las Artes) en julio de 2013, como un espacio para promover la práctica responsable del grafiti en las zonas permitidas por la ley. Por eso la Calle 26 entre Caracas y NQS, se había convertido en una Avenida llena de color pues a través de un concurso se habían seleccionado cuatro grupos que se encargaron de pintar cuatro murales de gran formato financiados por el Distrito. Estos cuatro, le dieron vía libre a los cientos de grafiteros que recorren las calles de la ciudad con sus morrales llenos de aerosoles, para que se apropiaran de los muros de la conocida Avenida El Dorado. Sin embargo como cada Gobierno llega con nuevas políticas, hoy los grafitis de la 26 se han convertido en una mancha gris. Entre el 26 y el 27 de marzo se han ido tapando con “capas de gris mediocre, síntomas de cambios radicales y la mal llamada limpieza del espacio”, como dice Yurika. Los únicos cuatro que aún no han sido borrados y seguramente seguirán allí son los que fueron hechos con la plata de la Alcaldía” 

“Los graffitis que se borraron en la calle 26 no estaban autorizados”

“El alcalde Rafael Pardo, en conjunto con la Policía Metropolitana de Bogotá, ordenó borrar solo los grafitis que no habían sido autorizados por el Distrito, es decir, aquellos que se habían plasmado en la infraestructura urbana de la calle 26, violando la normatividad. Contrario a lo que muchos pensaron, las autoridades respetaron los murales que habían sido pintados y diseñados por cinco grupos de expertos en arte urbano (Street Art, M30, 20.26 DC, Vértigo Grafiti y Bicromo), quienes el año pasado adornaron los muros de la calle 26 entre la avenida Caracas y la NQS, convirtiendo a este corredor en toda una galería de arte callejero y un símbolo de la tolerancia. Esta idea había surgido luego de una radiografía que realizó la Gerencia de Artes Plásticas del Idartes sobre el movimiento del grafiti en Bogotá y al posterior acuerdo al que llegaron los grupos de grafiteros con ese instituto, quienes socializaron sus proyectos con los dueños de los predios que intervinieron pues necesitaban de su autorización” [eltiempo]

“Estos nuevos murales sobre la Avenida Eldorado buscan demostrar que los graffitis son algo más que vandalismo”

“Seguramente usted no está acostumbrado a los grafitis. Esa forma de expresión de arte callejero que plasma los pensamientos en una pared y que, para algunos transeúntes, es muestra de gamberrismo. Pero esta historia no habla de cualquier grafiti. De hecho, son murales que se merecieron su lugar en esas paredes abandonadas alrededor de la calle 26, que están entre la carrera 13 y la avenida NQS, en el centro de Bogotá. “La escena es una Bogotá posapocalíptica en el año 2026, después de la erupción del volcán Monserrate, de una invasión de zombis extraterrestres vampiros y de varias malas administraciones corruptas. Solo sobrevivieron los niños”, explica Perversa, una de las artistas, quien plasma un mural a una altura de 10 metros del suelo en el andén norte de la calle 26 frente al Cementerio Central. Esta obra de arte callejero es una de las cinco grandes intervenciones que se llevan a cabo por estos días y que hacen parte de la celebración de los 475 años de Bogotá. Luego de una convocatoria realizada por Instituto Distrital de las Artes (Idartes), y en la que participaron más de 12 grupos, los colectivos Bogotá Street Art, M30, 20.26 DC, Vértigo Grafiti y Bicromo fueron los elegidos para dar vida a esos murales que vigilarán día y noche a todo aquel que ande por la calle 26″ [publimetro]
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Sobre el graffiti y la teoría de la ventana rota

“La destitución del alcalde de Bogotá Gustavo Petro por el procurador general Alejandro Ordóñez, ha tenido repercusiones que van mucho más allá del mero asunto administrativo-disciplinario. La polémica decisión por parte del alcalde encargado Rafael Pardo, en cabeza del jefe de policía, de borrar los graffitis sobre la calle 26, indignó a artistas urbanos y a muchos ciudadanos librepensadores. La postura ideológica de un sector afín a la ideología burguesa y conservadora, opuesto a las concepciones contestatarias del arte —por naturaleza subversivo—, obedece a un pulso político de la historia reciente de Colombia. Petro durante su mandato, abrió las puertas a artistas callejeros y tribus urbanas, que pedían a gritos un espacio de pluralismo cívico dentro de las políticas administrativas que generalmente los excluyen. Por esta razón, se despertaron suspicacias en muchos: ¿por qué a pocos días de ser depuesto Petro, el nuevo alcalde manda a la policía a eliminar estos espacios de expresión artística urbana?” Andrés Castaño en [esferapublica]

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Gris sobre gris, el goce visual del alcalde encargado

“¿Qué logra el alcalde encargado con esto? ¿Restaura el orden estético de los puentes con esa interesante mezcla del gris sobre gris o del café sobre gris? ¿Hace más placentero el tráfico por esa avenida? ¿Ofrece con estas intervenciones el alcalde encargado goce visual? Y es que los políticos parecen ser todos unos artistas y ésta luce como una artistada de aquellas, una gran intervención por las paredes blancas y las calles grises, tapando lo ya pintado como el artista Carlos Camacho en sus acciones ”el gris también es un color” pero a mayor escala. Desapareciendo los individuos solo queda la uniformidad de los paisajes urbanos, esta es la trama para establecer un simulacro del poder humano que enmascara en un color las acciones de agresión, es un discurso doble, como todos los del gobierno, ahora que hablan de paz. Pero ya fue, no hay que llorar por la pintura derramada, el transcurso del grafiti tiene sobre si ese riesgo, hoy se hace mañana no está, y a eso se somete cada artista urbano cuando toma un pedazo de la calle por fuera de una convocatoria legal, a que de un tajo se borre el trabajo hecho sin mayor pretexto. Mas todo está bien, que la noche caerá otra vez y las paredes por siempre no pueden vigilar, que la esperanza plagada de color está y aunque cien veces lo tapen, cien veces se pintará” [estonoescritica]


Artista enfrenta siete años de cárcel por comerse papeleta de votación

El artista salvadoreño Víctor Hugo Rodríguez se comió su papeleta electoral frente a la Junta Receptora de Votos en un acto de protesta y enfrenta una condena de tres a siete años de cárcel. En días pasados le fueron imputados cargos, tuvo una audiencia y fue dejado en libertad condicional. Según él, es una denuncia a la relación del hambre con el poder.

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Libertad condicional para joven que se comió papeleta

El joven que se comió la papeleta de votación el día de las elecciones es procesado por el delito de fraude electoral. Su abogado dice que no existe el delito.

La Fiscalía General de la República pidió la detención para Víctor Hugo Rodríguez, el joven que el día de las elecciones se comió la papeleta de votación como una muestra de inconformidad hacia la clase política salvadoreña. El juez, sin embargo, dictó libertad condicional. Durante la instalación del proceso, que se dio en días pasados, el fiscal del caso admitió que aunque el delito no es considerado tan grave, se ha solicitado esa medida por considerar que su actuación entorpeció el proceso eleccionario que se desarrollaba ese día.

El abogado defensor de Rodríguez, Jorge Alas, dijo que el delito no existe y centró su argumento en que el Código Electoral permite anular el voto, que es lo que su cliente hizo. Además, se cuestionó por qué si cometió un delito no se le capturó en flagrancia sino que se le dejó en libertad. La madre de Rodríguez dijo a los medios que considera la actuación del joven como “una expresión artística”.

El fiscal del caso dijo que el proceso seguirá su curso y la investigación estará abierta. Mientras tanto, el joven tendrá que presentarse al juzgado cada 15 días para firmar y asegurar que está cumpliendo las medidas impuestas.

 

publicado en La Página

 

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Salvadoran Artist Faces Prison After Eating Voting Ballot

Artist Víctor “Crack” Rodríguez eats his ballot (screenshot via YouTube)

SAN SALVADOR — It is one week after the general elections in El Salvador that split the winning left party from the right by a margin of 6,300 votes — less than 1% percent of the total — electing ex-guerilla commander Salvador Sánchez Cerén president. Tensions in the country are high, and even more so within the nation’s community of artists, who are rallying to defend Víctor “Crack” Rodríguez, who is facing up to six years in prison for a performance piece.

On March 9th, Rodríguez, one of San Salvador’s celebrated contemporary artists, walked in to a ballot station and announced, “this is an artist action,” and then proceeded to eat half of his ballot in front of polling station onlookers before casting the remaining half. As with most performance pieces, the action was caught on video by a colleague and the artist can be seen holding a copy of Landings: New Art and Ideas from the Caribbean and Central America 2000–2010, an art book.

Within hours, the video of the artist’s nonchalant performance had gone viral. However, the situation quickly turned ugly as the Salvadoran legal system reacted, accusing the artist of electoral fraud — a criminal offense punishable by up to six years in prison. If one has ever watched MS-13 gang documentaries, prison in El Salvador is no picnic, which makes the fact that the authorities are persisting with the charges all the more unbelievable. However, Rodríguez acknowledges he knew his action would provoke a reaction, explaining in an email to Hyperallergic on March 23:

The only thing that was clear for me was that the action would have strong consequences. I was throwing myself into an abyss, and I would have to be prepared for the worst.

Instalación “Volkswagen Neutropolitan Attack” por Crack Rodríguez – Plaza Morazán, calle Teatro Nacional, Centro San Salvador, CIRCA 2012.

Installation of “Volkswagen Neutropolitan Attack” by Victor “Crack” Rodríguez. (image courtesy the artist)

The artist is no stranger to bold statements — he has for many years worked with intervention and performance, placing an upturned Volkswagen Beetle shell in the middle of a busy street to film the reaction of passersby. But Rodríguez’s collaborator, artist Ernesto Bautista, shifts nervously in his chair as he sits across from me at a restaurant in San Salvador. It is March 11, only two days after charges were filed against Rodríguez, and Bautista explains the electoral fraud charges to me, interspersed with the repeated line, “I just can’t believe it.”

Not everyone shares this sentiment of consternation — for instance, a collector overheard by the author whilst attending an exhibition reception on March 12th:

I don’t get the point of what he did, now everyone is just joking that they are waiting for him to go to the bathroom to decide the final winner.

In acts of performative protest, it can be hard to determine what is effective and what is just plain stupid. Take Maximo Caminero, who a few weeks ago walked into the Perez Art Museum Miami (PAMM) and smashed an Ai Weiwei artwork, mimicking the image behind him. His reasoning? A protest against the museum for not showing local artists. Aside from being completely untrue — the museum hosts a Miami exhibition — Caminero later retracted this statement with a meek apology.

Víctor “Crack” Rodríguez, on the other hand, seems to have more substance behind his actions. He goes on to explain in an email:

I felt the responsibility to do the action even more so when I felt so much fear, that is what pushed me to do the work.

Later this year, Víctor “Crack” Rodríguez is appearing in a MARTE Contemporary exhibition in San Salvador, titled 10 and curated by the author Lucas Arevalo, that celebrates the most promising artists affiliated with El Salvador over the past decade. Yet, despite this overwhelming evidence that the artist is ‘seasoned’ the judicial system is pursuing this case, perhaps attempting to make an example of an artist to incite fear in any future prospective protestors.  Renowned Salvadoran artist Simon Vega is appalled by the charges and explains the importance of the action in an email to Hyperallergic on March 13th, stating:

The fact that many of us feel there is not one political party or candidate in which we can believe or respect yet having the authorities tell us that the vote is “the people’s most powerful weapon”, makes many of us identify with his action. According to the law “Crack” could be facing from 2 to 6 years in prison for expressing himself in this way, how senseless! We won’t allow it. I think the action is one of the most important, consequent and effective works of contemporary art in Central America’s history, no doubt.

In order to drum up additional support, the artists’s collaborators Ernesto Bautista, Mauricio Kabistan, and Melissa Guevara, fellow members of the collective The Fire Theory, havecreated a petition in order for the art community at large to show their appreciation for the artist’s intention. The artists are hoping to use this petition as evidence to show that Victor Rodríguez is a seasoned artist and that this “call to action” forms part of his practice and is not a crime.

 


Alzate, Gómezbarros y Murillo en Saatchi

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El 1 de abril, Saatchi Gallery, en Londres, inaugura Pangaea: New Art from Africa and Latin America (Pangea: Nuevo arte de África y América Latina), muestra que reúne el trabajo de 16 de artistas contemporáneos: Aboudia, Leonce Agbodjélou, Fredy Alzate, Antonio Malta Campos, Rafael Gómezbarros, David Koloane, José Lerma, Mário Macilau, Ibrahim Mahama, Dillon Marsh, José Carlos Martinat, Vincent Michea, Oscar Murillo, Alejandra Prieto, Boris Nzebo y Christian Rosa.

Alejandra Prieto, Coal Mirror, 2011, carbón, 300 x 185 x 15 cm. © Alejandra Prieto. Cortesía: Saatchi Gallery, Londres

Tomando su título de esa masa de tierra prehistórica que unía a África y América Latina, esta exposición reúne a los dos antiguos continentes hermanos mediante la exploración de paralelismos entre sus diversas culturas y prácticas creativas, que tienen un reconocimiento cada vez mayor en el globalizado mundo del arte.

“En Europa y Estados Unidos, el arte por lo general ha avanzado a través de una constante renovación de ideas y movimientos innovadores. Ahora estamos experimentando un importante cambio global, ya que los artistas tratan de explorar nuevas formas de hacer arte en las regiones fuera de su contexto geográfico e histórico inmediato”, dice un comunicado de Saatchi.

El deseo de los artistas y del público de descubrir influencias frescas en el arte ha inspirado la reciente preocupación de museos en todo el mundo por ampliar sus colecciones eurocéntricas. En este contexto, los artistas de Pangaea: Nuevo arte de África y América Latina presentan las complejidades de lo contemporáneo de manera diversa e innovadora.

Los años de dominio colonial, de rápida expansión urbana, migraciones e inestabilidad política y económica siguen siendo temas centrales en la obra de muchos de estos artistas, cuyas reflexiones sobre la riqueza de su entorno se traducen en una experiencia visual intensa.

Mientras que unos pocos artistas de África y América Latina son aclamados internacionalmente, un gran número sigue siendo relativamente desconocido. Los trabajos en esta exhibición, que incluye pintura, fotografía, instalación y escultura, engloban en este sentido la diversidad y la energía que emerge de estos dos grandes continentes que alguna vez fueron Pangea.

José Carlos Martinat, Ejercicio Superficial #12, 2011, vidrio y pintura spray, dimensiones variables © José Carlos Martinat. Cortesía: Saatchi Gallery, Londres

José Lerma, Samuel Bernard, 2010, acrílico sobre tela, sintetizador, parlantes, 189 x 152 x 43 cm © José Lerma. Cortesía: Saatchi Gallery, Londres

Oscar Murillo, Dark Americano, 2012, óleo y tierra sobre tela, 304.8 x 429.3 cm © Oscar Murillo. Cortesía: Saatchi Gallery, Londres

 

 

publicado por Atishock

 


Informe sobre la subasta de BogotAuctions

La edición inaugural de BogotAuctions trae consigo una oportunidad excelente para comprender mejor algunos aspectos del mercado del arte en Colombia. La importancia de las subastas radica en que son espacios públicos donde se producen datos y se forma el precio de las obras. Son el medio más transparente – por no decir el medio menos opaco – que tenemos hoy para entender las dinámicas del mercado de una manera más analítica y menos dependiente del comentario.

Para Portafolia es un gusto presentar el primer reporte de subasta de arte colombiano y latinoamericano moderno y contemporáneo. Esperamos que en el futuro este informe se vuelva un referente que nos ayude a entender mejor el comportamiento y los cambios del mercado del arte local.

 

Informe Subasta BogotAuctions Feb 2014


El mercado del arte quiere tomar los museos

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Estos días, la ley de Gravitación Universal tira con enorme fuerza del mercado del arte. Nunca, en las últimas décadas, el mercado había copado tanto espacio. Cada dos semanas, más o menos, se celebra una feria en el mundo. Londres, París, Turín, Lima, Nueva York, Hong Kong, México, Los Ángeles, Miami, Basilea… Casi no hay nación del planeta que no tenga su propuesta. Buena, mala o regular. Da igual. A esta avalancha habría que añadirle las subastas mensuales de las grandes casas de pujas. Christie’s, Phillips, Sotheby’s, Bonhams… ¿Entonces? ¿Cuándo el dinero lo copa todo, dónde se puede ver arte sin ese lastre? ¿Qué espacios de “resistencia” —como le gusta decir a Manuel Borja-Villel, director del Museo Reina Sofía— quedan? Más aún cuando hay artistas que, sin ningún reparo, producen obras pensando exclusivamente en ferias o bienales. Pensando en lo “gusta” y lo que se “vende”; lo que encuentra fácil acomodo o rema a favor de la corriente.

Hemos buscado palabras y respuestas. Hemos empuñado la grabadora. Y hemos hablado con dos voces —que no suenan como otras mil— en el arte contemporáneo. Son Bartomeu Marí, responsable del Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (Macba), y João Fernandes, subdirector del Museo Reina Sofía. Prestemos atención.

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“El mercado, las casas de subastas y las grandes galerías usurpan nuestros instrumentos”, afirma Bartomeu Marí, director del Macba.

“Una de las principales preocupaciones en el sector museístico es la independencia de las instituciones con respecto al mercado. Nunca esta cuestión había tenido tanto relieve”, reflexiona Bartomeu Marí, y añade con preocupación: “El mercado, las casas de subastas, las grandes galerías nos imitan y, en muchos casos, usurpan nuestros instrumentos (el conocimiento) y nuestras formas (catálogos razonados, conferencias, cursos) además de las exposiciones. Las necesidades de financiación de las instituciones públicas nos hacen vulnerables a influencias ajenas o injerencias indeseables”.

Los museos estatales no pueden competir con los grandes coleccionistas privados por la falta de presupuesto público. Vista exterior del Macba. Foto: Marcel-Lí Saénz. 

Cuanta João Fernandes que hace poco andaba recorriendo los espacios de una conocida bienal (de la que no da el nombre). Reparó en una pieza que le interesaba. De pronto, como de la nada, apareció un joven. Se identifico. “Soy representante de la galería “X”; si está interesado en ver más obra o en conocer más acerca del trabajo del artista puedo…”. Era una conversación que bien hubiera podido escucharse en una sala de pujas o en cualquier galería. Las bienales —algunas— parecen haberse convertido en una suerte de brazo ejecutor del mercado y, a la vez, en una correa de transmisión de bastantes de las galerías más poderosas del mundo. Entonces, ¿qué espacios de resistencia quedan para el arte?

“Hay que atender a las incorporaciones de lo local dentro de lo global”, explica João Fernandes, subdirector del Museo Reina Sofía.

“El mejor lugar para ver arte fuera o lejos del mercado es en la mayoría de los museos”, apunta Bartomeu Marí. “Porque deben ser libres frente a los dictados del mercado. Ahora bien, el mercado no es el demonio; da de comer a los artistas, pero no debe dictar las políticas expositivas o de compras de las instituciones públicas”. Es más, incide el director del Macba, “el mercado excluye a los museos: al estar dedicados a las grandes fortunas del planeta y al haber desistido los poderes públicos de actuar en el ámbito de la cultura, ningún museo puede competir hoy con los grandes capitales, ni debe hacerlo”.

Ante la constatación de la realidad, hay que volver la mirada hacia los centros de arte y, sobre todo, a las iniciativas autónomas de los creadores. Ideas independientes, alejadas de los grandes circuitos. “El conocimiento generado por los artistas, de forma autónoma, resulta más interesante que el desarrollado por el mercado e incluso, en ocasiones, más enriquecedor que el de las propias instituciones”, reflexiona João Fernandes.

El problema —como reconocerá cualquier joven artista que intente dar visibilidad a su trabajo hoy en España— es que los denominados espacios independientes, gestionados por artistas o por personas no afiliadas a instituciones, casi han desaparecido de nuestro país; si bien es cierto que nunca llegaron a ser realmente relevantes. Y esto tiene profundos riesgos. “Las actuales políticas culturas que asocian la inversión pública con el éxito de ventas acabarán creando una cultura unívoca y bendecida por el comercio, en la que desaparecerá la excepción”, advierte Bartomeu Marí. Como narra el subdirector del Museo Reina Sofía: “Hay que atender a las incorporaciones de lo local dentro de lo global”.

Los grandes coleccionistas del mundo cada vez están más presentes en lo museos públicos. En la imagen, depósito de la colección Patricia Phelps de Cisneros en el Museo Reina Sofía.

¿Se imaginan un mundo del arte dominado por el discurso mayoritario impuesto desde las casas de subastas, las ferias, las galerías más potentes, ciertas bienales y los grandes coleccionistas, o sea, los privilegiados del capital? Debe de ser como soñar todas las noches con las pinturas de puntos de Damien Hirst. Una y otra vez. Una y otra vez. Al igual que en El día de la marmota. Una pesadilla.

 

Miguel Angel García

 

publicado en El País